野小子们

个人非常喜欢，看完后的个人感受： 首先，影片前段，展现得是男性社会对于女性的压迫和迫害。

那场审判戏很精彩，几个野小子的陈述，充斥着对于女性受害者的霸凌和荡妇羞辱，非常应现今互联网语境的景。

而影片往后，通过几位主角的性转和凶器的转移，感觉是表达了权利工具和性别脱钩，女性最后获得了权利。

船长的性别介于两者之间，而在船上小便露出性器的片段，展现了他任然对于男权社会迷恋的态度，最后的死亡也表达了男性权利的彻底崩解。

而性转不彻底的唐吉最后带上船长帽，牵着那条狗，变成了新的船长，成为了对于新的权利结构保持审慎的一方。

但是，影片同样存在一些问题。

首先，暗指权利的工具，一会是刀一会又是枪，然后对于两种凶器的描述也是没前没后的； 其次是视角问题。

全片的故事并不是只围绕唐吉一个人描写的，而镜头一直以来就是几乎上帝视角在所有角色的精神世界里飞。

但是，最后主视角却突然变成了唐吉，这个前后是非常不统一的。

最明显的就是临近结尾处，所有人突然望向了镜头，让我觉得非常莫名其妙，要不是她们喊了唐吉的名字，我还真觉得挺出戏的。

最后，就是对于通篇的核心问题——性别转换。

居然给了一个科学解释，那个可以让人变性的水果是一种科研产品，然后，博士又吧啦一大堆，什么男权有很多问题什么的。

我感觉这里十分没有必要，首先这个科学解释就破坏了全片超现实和比喻色彩的基调；而博士那几句关于男权的台词，等于是用小学语文水平，把前面拍得那么好的庭审戏又重复了一遍。

就这样的结尾，我还是扣掉了一星。

看到有长评对影片的“低劣”进行鞭笞，不由难受，但也不愿争论。

转一篇导演拍此片的灵感来源，可能让看了不明就里的伙伴多一点对影片的理解吧……标题：Bertrand Mandico's Inspirations for "The Wild Boys"链接https://mubi.com/notebook/posts/bertrand-mandico-s-inspirations-for-the-wild-boys?dt_dapp=1From Kenneth Anger and “Lord of the Flies” to Terence Stamp and David Bowie, an annotated list of inspirations for Mandico’s debut. 14 SEP 2018Bertrand Mandico's The Wild Boys (2017), which is receiving an exclusive global online premiere on MUBI, is showing September 14 – October 14, 2018 as a Special Discovery.French director Bertrand Mandico shared with us the films he thought about before, during, and after making his feature debut, The Wild Boys: ISLANDS

The Saga of AnatahanMatango: Attack of the Mushroom People (Ishiro Honda, 1963): The island and its fauna and flora, the mushroom-men, the sinking. A sublime film.Lord Jim (Richard Brooks, 1965): The tempest sequence in the opening and the cowardice of Lord Jim—an amazing film.A High Wind in Jamaica (Alexander Mackendrick, 1965): For the confusion of the captain played by Antony Quinn, the phlegm of James Coburn and the beauty of his young crew.The Sailor Who Fell from Grace with the Sea (Lewis John Carlino, 1976): For the erotic figure of the Captain (Kris Kristofferson) and its clique of violent boys.Remorques (Jean Grémillon, 1941): A romantic and captivating film with sequences on the boat that were inspiring.Horrors of Malformed Men (Teruo Ishii, 1969): Teruo Ishii is a filmmaker who troubles me and provokes me. By adapting Edogawa Rampo, he brings us into an organic and grotesque islander fantasy.Apocalypse Now (Francis Ford Coppola, 1979): For the baroque trip in the jungle.Sorcerer (William Friedkin, 1977): For the Gothic trip in the jungle.Profound Desire of the Gods (Shohei Imamura, 1968): The masterpiece of Imamura, an esoteric and environmental fresco on an island. Old beliefs, cruelty, and modernity are confronted in a cloudy eroticism.Burden of Dreams (Les Blank, 1982): In this making-of, the insane figure of Kinski in the jungle is even more worrying than Herzog. Shot with determination.The Young Ones (Luis Buñuel, 1960): The only American film from Buñuel, the desire and the island.Hell in the Pacific (John Boorman, 1968): The island again and again, but here the desire becomes an absurd fight.Zombie (Lucio Fulci, 1979): For the surrealistic underwater scene, a shark bitten by a zombie, the blood and the lagoon.Lord of the Flies (Peter Brook, 1963): Perfect adaptation, a matrix film for The Wild Boys.The Saga of Anatahan (Josef von Sternberg, 1953): An islander film shot in studio, a lot of desire again, a queen and her hive.Water Wrackets (Peter Greenaway, 1975): Shooting the water.Young Aphrodites (Nikos Koundouros, 1963): Scenes on the beach, of youth, lost paradise. EROTICISM

QuerelleThe Beast (Walerian Borowczyk, 1975): Opening sequence with horses, the sex geyser of the beast.Mandara (Akio Jissoji, 1971): A director that I love, wrongly forgotten. The scenes with the woman attacked on the beach are as violent, unbearable, modest as they are sublime.Querelle (Rainer Werner Fassbinder 1982): Fassbinder and Genet meet again for a sexual and colorful film. There is a mention of Querelle in The Wild Boys.Asparagus (Suzan Pitt, 1979): The flora sexualized.Shivers (David Cronenberg, 1975): Cronenberg's film most influenced by Ballard/Burroughs. The virus doesn't turn you into a monster but into a pleasure-seeker.Onibaba (Kaneto Shindo, 1964): The mask, the erotism and the tall grass. STYLE

Fantastic PlanetConfessions of an Opium Eater (Albert Zugsmith, 1962): For the sequence of the captain (Vincent Price) under Opium… Sublime superimpositions.Island of Lost Souls (Erle C. Kenton, 1932): Charles Laughton is already thinking of The Night of the Hunter when he plays Moreau in its white costume which contrast strongly with the studio's tropical night.Mishima: A Life in Four Chapters (Paul Schrader, 1985): The construction of the film with its rupture of style which paradoxically forms a coherent style.Fantastic Planet (René Laloux, 1973): For the sublime and free imagery.Naked Pursuit (Toshio Okuwaki, 1969): A film that reminds me of the minimalist and radical apparatus Koji Wakamatsu. Here, a woman is followed by a man onto a beach of black sand, where from time to time the color erupts.The Sea Wolf (Michael Curtiz, 1941): For its boat in a studio and its permanent fog.A Midsummer Night's Dream (Max Reinhardt/William Dieterle, 1935): The usage of the star filter, the magical double exposure. The apparition of Kenneth Anger as a kid (at least that's what he says).Hercules in the Haunted World (Mario Bava, 1961): The studio and its unrealistic colors pushed to the extreme, the organic caves and ultra props.The Fog (John Carpenter, 1980): Bright eyes in the fog.The Mad Masters (Jean Rouch, 1955): Its trances, as beautiful as they are worrying, influence the abandoning scenes in The Wild Boys.Lola Montes (Max Ophüls, 1955): The inserted story in the memories, the masked groom, the dancing camera.The Elephant Man (David Lynch, 1980): Absolute Black & White.The Strange Vice of Mrs. Wardh (Sergio Martino, 1971): For the wonderful music of Nora Orlandi, the only woman who was making music in Italy. I use this original soundtrack in my film.Macbeth (Roman Polanski, 1971): The incredible scenes of witches in what is, for me, the most beautiful adaptation of Macbeth in cinema.Treasure Island (Raúl Ruiz, 1985): Visual inventions, surrealism, and absolute freedom. MEN AND WOMEN

Billy BuddSpace Pirate Captain Harlock (Rintaro, 1978): A romantic animation series which I was fascinated by as a kid, particularly the figure of the sylvidres: Femmes fatales from space. Seeing them die in the episodes was heartbreaking for me.Fighting Elegy (Seijun Suzuki, 1966): The Japanese uniform, the teenaged young boys, violent and clumsy.Noroît (Jacques Rivette, 1976): Rivette and his female characters who plays pirates, free team and esoteric. It's a director whose freedom and love for his actresses inspires me.Rumble Fish / The Outsiders (Francis Ford Coppola, 1983/83): Two brothers, films of romantic groups of men.Billy Bud (Peter Ustinov, 1962): Terence Stamp, the angel-sailor.Merry Christmas, Mr. Lawrence (Nagisa Oshima, 1983): David Bowie, the angel in uniform.The Night Porter (Liliana Cavani, 1974): I don't like that film, but I like Bogarde and Rampling. And the troubling clothes and objectively beautiful Rampling: suspenders and cap.The End of August at Hotel Ozone (Jean Schmidt, 1967): Group of girls in nature and survival… TOTAL INSPIRATION

Scorpio RisingZero for Conduct / L’Atalante (Jean Vigo, 1933/34): The biggest director of desire, the pillow fight in Zero for Conduct, Père Jules and the crew in L’Atalante, the underwater scenes… All the shots are haunting me and inspire me.Shadows of Forgotten Ancestors (Sergei Parajanov, 1964): Because like Vigo's films, it's a film which never stop nourishing me.A Clockwork Orange (Stanley Kubrick, 1971): I've seen it again and again to embrace it and also get away from it.Un chant d’amour (Jean Genet, 1950): The most beautiful French film.Kenneth Anger: All his filmsThe Blood of a Poet (Jean Cocteau, 1932): Cocteau forever.

美术风格好坎普(尤爱呼应当代艺术家作品的钻石骷髅），像一则海洋历险形式的精神寓言(在性别浪涛中探索），身体器官的潮汐变化成为表意的符号。

记几个印象：一开头船长带来的“男孩”对于他们蛮力的耻笑(铺垫）；更高强权(captain)的绳子永远扣在我们脖子上，不会因为自己是男的就享有豁免；一群矮小的侏儒男孩，行走在肮脏巨人女孩(牡蛎岛、人类本源意识中的女性成分）的躯体上；《礼拜五与太平洋上的灵薄狱》中的希望岛小谿谷，岛——芜杂的性别意识流动、交织之地——一切只是想法。

关于两个角色 博士：“鲁滨孙”悖论，小岛上的自然性别为女，当试图以量化的文明世界标准规制岛屿的教授→渐渐失去自己的性别特征(或她是一个中性符号，但她之前对船长隐约表露了相关的遗憾)，她说女权社会会消解战争与灾难，但当女性成为了文明建构者(权力机器）的操纵者，这是否又卷入这个悖论。

唐吉：游弋的酷儿， ta从一开始便是团体中的怀疑者，有ta阅读莎士比亚的镜头，牡蛎岛上ta羡慕女性器官却无法做到彻底转变——混乱瑰丽漩涡中向前挣扎奔跑的镜头）。

以及“如果他无法变成女人”，唐吉说“我就变成captain。

”这似乎既可以视作一句宣言，又预示着下一个暴君？

(此处不是很理解。

)如果将牡蛎岛视作幻想中的女性之岛(海德格尔“大地”)，这是否代表着生命政治的实现。

观影过程中时不时感受到一种甚至算昂扬的战斗性与友爱。

拥有女性器官后Ta们欣喜拥抱。

子宫、阴道蕴藏着丰饶的宝物——曾经的“混小子”举枪威胁博士，博士表情很从容甚至算得上包容(带一点不屑），“子弹还在我肚子里，你想要吗？

”

野小子们 (2017)7.32017 / 法国 / 剧情 悬疑 奇幻 冒险 / 贝特朗·芒蒂格 / 保利娜·洛里拉德 维玛拉·庞斯我的生命之光，欲望之火，我的罪恶，我的灵魂。

纵观2018年各大权威电影杂志的年度十佳榜单，抛去政治因素，基本大同小异，都是公认的佳作，怎么选都在意料之中。

但这些榜单里仍存在一些意料之外，鲜有人知的异类，别说是普通观众，就连影迷也不一定看过。

其中最值得一提的，便是被影迷奉为“观影宝典”的法国《电影手册》所票选出的年度十佳榜首——《野小子们》Les Garçons sauvages

片如其名，这个野小子从无人问津到靠着野路子冲锋陷阵，突然以最佳的姿态出现在影迷面前，颇显意外。

进入榜单不是奇闻，但一举夺魁却是异事。

↑《电影手册》2018年度十佳榜单它凭什么能赢过打破戛纳场刊史最高分记录的《燃烧》，多次光临年度榜单，备受影评人赞誉的《魅影缝匠》《幸福的拉扎罗》，得到《电影手册》多位权威影评人的一致票选？

那么多佳作何以轮到它？

或仅因其是法国本土的佳作？

抑或是为了掀起法国新新浪潮电影革命？

再如何猜疑，都需回归作品本身。

有实力，一切皆有可能。

因此带着这些疑问，小智去会了会这群野小子们。

所谓擒贼还得先擒王，野小子们的老大是个连拍自己艺术照都骚气十足的法国骚男。

贝特朗·芒蒂格Bertrand Mandico话说贝特朗·芒蒂格在法国早已声名在望，《野小子们》是他的处女座长片，在此之前，他已创作了30多部实验短片，是法国实验电影界的领军人物。

↑《LE CAVALIER BLEU》19982018年他的最新短片作品《后启示录(Ultra Pulp)》在戛纳电影节亮相后备受瞩目，高居各大影评人评分榜首。

↑《后启示录》，2018我们不难发现，贝特朗·芒蒂格的作者风格非常明显，他的作品几乎都采用了迷幻的霓虹色彩堆叠而来的专属色调。

在人工的舞台式打光和布景特征基础上做延伸，他也被称之为新一派电影的 “人工美学”的代言人。

《野小子们》更像是他个人美学的集大成之作。

首先便是长期以往的迷幻色彩和16mm胶片摄影镜头内似梦似真，颓迭模糊的画面。

这种模糊的镜头语言沿用到人物情节，五位野小子均由女性扮演，导演如此用意想必是想讨论男女性别问题。

包括情节和布景道具都围绕着性别展开，片中的女性与男性身份，权利都进行了调换。

故事大概是五位无恶不作的野小子犯下罪行，被一位船长带到一座神秘的岛屿进行改造，却从男孩变成了女儿身。

这个故事厮认为与《西游记之女儿国》相差不大，但也没见国内有人能把这样的好故事拍好。

《野小子们》比《女儿国》来得露骨，这也是它备受争议的缘由。

片中出现了大量的人体性器官，不管是长在人身上的，还是那座满是性器模样植被的神秘岛。

长着褶皱与毛的水果，酷似香蕉，开盖便喷射出汁液的植物，供野小子们享乐的牡蛎模样的不知名植物。

你已能窥探到这部电影强大的尺度，有人憎恶也有人赞誉，但在视觉上确实有着极大的冲击。

也是导演挑战权威，摒弃旧物的手段，就是让你看，一点不避讳。

再者，影片的五幕结构也很妙，致敬了古希腊戏剧的分幕演出方式。

这样的致敬常出现在影片内容里。

如片头尾部分引用的台词致敬了《麦克白》和《李尔王》，两部皆在莎士比亚的“四大悲剧”里。

还有对野小子们犯下罪行的庭审情节，年代已不重要，更多的感受是一种古希腊戏剧式的仪式感。

这样看来，贝特朗·芒蒂格的确有两把刷子，谦逊又不失桀骜，致敬了前人又想挑战前辈。

《电影手册》貌似从他身上看到了法国电影新浪潮运动时期的那帮文艺青年的影子。

↑法国电影新浪潮的先锋们而《电影手册》将其选为最佳，显然是在想方设法推动影史的又一篇章——法国电影新新浪潮运动。

遥想当年的法国新浪潮盛况，如今早已物是人非。

随着路易斯·布努埃尔、雅克·德米、弗朗索瓦·特吕弗等新浪潮旗手相继去世，仍在坚守的只剩戈达尔，瓦尔达等元老级人物。

↑不知名阿姨，戈达尔,雅克·德米,瓦尔达（左起）当代商业电影的趋同化严重，难再出现所谓大师之作，再想戈达尔的《再见语言》《影像之书》已不求人看懂，唏嘘不已。

在这个影迷感叹“电影已死”的时代，被誉为影迷圣经的《电影手册》仍不忘创始人安德烈·巴赞的初心，立图再次寻觅一种新电影的踪迹。

↑1951年草创期的《电影手册》封面早在2013年4月，《电影手册》便刊登了这么一句话：“年轻法国电影人并没有死！

”

↑扬·冈扎乐兹与贝特朗·芒蒂格于是以贝特朗·芒蒂格为首的一群法国新锐导演开始崛起，扬·冈扎乐兹、吉约姆·布哈克、贾斯汀·楚特、佩里提亚可和卡罗利娜·波吉，约纳坦·维奈勒夫妇等。

他们被称为法国电影的“破坏分子”，有了《电影手册》的保驾护航，他们开始以星火燎原之势，改变着世界电影的格局。

↑贝特朗·芒蒂格友情出演了扬·冈扎乐兹的《刺心》如贝特朗·芒蒂格的《野孩子们》一样，这些新生代的法国导演对于新电影的定义跳脱出原本新浪潮倡导的“现实主义“，以崇敬前辈的心态开创着全新的探索。

他们推翻了“自然主义“，重新利用起创意十足的人工造景，用大胆尺度的画面挑战观众的耐性。

他们的崛起注定是艰难的，过程难免会有质疑的眼光，诋毁的声音。

但最好的佐证是在现实得到的肯定。

↑《刺心》《午夜狂欢》（左起）贝特朗·芒蒂格凭借《假小子们》在2018年崭露头角，扬·冈扎乐兹用处女作《午夜狂欢》喜提2016年《电影手册》年度十佳，又借《刺心》冲进2018年戛纳主竞赛单元。

约纳坦·维奈勒和卡罗利娜·波吉的《永远的杰西卡》也入围了2018年的多伦多电影节。

↑《超出梦境（ULTRA RÊVE）》2018今年夏季，贝特朗·芒蒂格与卡罗利娜·波吉，纳坦·维奈勒, 扬·冈扎乐兹四人强势集结，将3部短片合为一部名为《超出梦境》的长片于法国上映。

正巧这四位新锐导演，同为《火焰宣言》的签署者，这是一场法国电影新新浪潮革命的告兆：“

我们追求的是一个充满激情的电影，一个梦想的梦想家，一个哭泣的怪物和一个燃烧的孩子，一个不计算和享受燃烧的电影。

我们邀请所有灼热的心脏吹拂余烬。

这些话表达了我们对电影的共同意志，梦想，思考，渴望，揭示它们。

这不是教条，只是夜晚的火焰，我们当下的状态。

他们说，在寒冷的冬夜，我们的电影在森林里相遇，他们一起点燃了火，跳舞到黎明，燃烧着我们的心。

——《焰火宣言》摘录刊登于《电影手册》2018年7-8月（结合有道，谷歌翻译）”

↑ 《后启示录》剧照为了在制作电影时捕捉这种常见的心态，我们决定写这篇文章。

“焰火”是个很重要的词，它有一种轻微的、不加糖的、燃烧的东西，而且是短暂的。

我们的文本是在黑暗中燃烧的星星火炬，在说着“谁爱我便跟着我吧。

”——贝特朗·芒蒂格(结合谷歌，有道翻译)

↑贝特朗·芒蒂格和他的御用女演员们从这则宣言反观我们的艺术片，尚未招人待见，没有关系。

地球至暗过后，或许仍有不同色彩的火把在准备，等待着。

毕竟，星星之火，足以燎原；点点星光，足以照耀世界。

↑会不会有点太酷？

参考网址：1.http://lestyx.fr/ultra-reve/2.https://www.franceculture.fr/emissions/la-grande-table-dete/cinema-onirique3.https://www.culturopoing.com/cinema/entretiens-cinema/entretien-avec-yann-gonzalez-realisateur-dun-couteau-dans-le-coeur/20180630—End—/素材图片来自网络//如有侵权联系删除/往期回顾：

至暗过后，黎明到来？

我们的2018年度十佳，与你有关。

《此房是我造》中你不得不知的25个知识点！！！

贝特朗·芒蒂格和扬·冈扎乐兹领衔的《火焰宣言》派，是一种在影评人和电影人合谋之下产生的“法国新电影”。

它的本质是历史浪潮的回响，是在传统中寻找“革命”。

贝特朗在技术层面博采众长、集先辈之所成，用铅黄的画面和B级片的类型外壳，讲了一个现代性甚至未来指向的关于“性别政治”议题的成人童话。

但影片中用于描绘“性别转换”的手段，其源头却是在模仿古老的献祭仪式，并同时在影像中声称“未来属于女巫”。

“女巫”的出现，一下子将人们的记忆带到了中世纪甚至更早以前，这样的句法无疑是怀旧而复古的。

在胶片的迭化之间，贝特朗感怀着默片、表现主义和超现实主义的伤逝，那语气看似激进、暴躁，带着要推翻一切的不可置否，其实最后落下的是一声叹息，是在海岛滩涂的潮间带里大口喘息的牡蛎。

从这点来看，盖伊·马丁更具有一种超前性，同时更加淡然且从容，冰天雪地之下的加拿大人早已过了焦虑感伤的阶段，而是兢兢业业地投入一部又一部的具体实践，以延长或者放缓某种传统在现代化中的消亡速度。

从《我的温尼伯湖》到《禁忌房间》再到《降神会》，盖伊·马丁模糊了类型，摆脱了叙事，跨越着媒介，最后在网络空间复兴着胶片传统。

尤其是《降神会》，一项以阅后即焚的方式进行的网页交互影像实验，每次点击都会将盖伊前作《禁忌房间》的素材进行随意拼贴，组合成一段15分钟的片子，每次生成的都是唯一的版本，放映结束即消失重组。

盖伊和约翰逊兄弟对于默片时代影片的逐渐消逝耿耿于怀，那就用“所有人都能成名15分钟”的方式在信息时代去捕捉稍纵即逝吧。

人们在观看“火焰派”的作品之前，往往会带著常规的渴望看到一个好故事的思维定势。

但是当你深入到贝特朗和冈扎乐兹的影像世界中去时，你会发现，有一部分电影，它的目的并不在于老老实实地去讲好一个故事，它的意旨可能更加形而上，是关于影像艺术本身的一种探讨和尝试。

在现在这个时代，“是否讲了一个好故事”正越来越成为人们评价一部电影的首要标淮，这种评价体系的迷信是需要被警惕的，没有任何一个标淮是永远最为重要的。

看待任何一部作品，都应该放在一个纵向的影史发展序列的角度，以及一个横向的同时代风潮的切面情况角度。

这裡的“风潮”是一个综合的概念，即包括产业政策与行业风向，也包括创作者个人的创作倾向和成长轨迹。

因为电影是不可自证的，它无法自己告诉你它的样貌体态是如何诞生演化的，它也无法自证表达方式的对错，因为在各式的影像文本中本就不存在绝对的对错。

所以，电影必须通过一次次实践来反浪潮，通过“自反”来互证。

于是，关于电影的电影，或者说讨论电影本体的电影，才更难能可贵；在这时候，讲一个好故事远不如直接纯粹地去探索一个电影问题来得有意思。

因此，在一八一九的岁末年初，大陆的观众看到了《摄影机不要停》也看到了《刺心》《野小子们》，我们的第一直觉告诉我们：《摄影机不要停》很可爱，《野小子们》很可敬。

两部都是关于电影的电影，前者在多重摄影机的套层结构里告诉观众电影的不可自证性，必须通过不断加入的“他者”来旁观、佐证；后者在铅黄胶片的迭化之中指向未来，告诉人们电影自救和保鲜的唯一方式就是逆着时代行走，可在过往浪潮中淘金，也可在老枝上育新芽。

《火焰宣言》 by 贝特朗·芒蒂格、扬·冈扎乐兹我们追求这样一种电影，它跨越人，情感，时间跨越眼睛与肉体跨越欲望，混乱跨越一片红跨越成见跨越屏幕跨越星星跨域女演员，男演员，界限与性别跨越而不回头跨越恐惧与伤疤跨越希望跨越光芒与烟火我们追求一种着火的电影一种电影，为了流汗的幻想者，为了哭泣的怪物，为了发烫的孩童一种电影，纵情消耗，毫无保留我们邀请所有着火的心脏在热炭上吹风这些话语是我们创作电影共同的意志梦它，想它，渴望它，揭示它不是教条，只是夜里的一星火，是现在的我们有人说，在冬天寒冷的夜晚，我们的电影在森林里重聚，在一起，它们燃起一把火跳动到拂晓，烧着我们的心

有时候我们不得不去思考，邪恶的完成，是从什么时候开始的，又是从什么时候结束的？

是念头开启的一瞬，说下的第一个字，还是暴力开始的第一个动作？

而死亡是否意味着结束？

在《野小子们》中，一开始便是谋杀和死亡，但谋杀者和被害者都是无辜的，按照野小子们的说法，他们是被“特雷沃尔”笼罩，特雷沃尔把他们变成了一种带着面具、捉摸不透的生物。

在之后的审判中，特雷沃尔的力量再次帮助了他们，使他们可以运用流畅而深情的谎言为自己开脱罪名。

如果我们说特雷沃尔便是邪恶本身，那我们在估量邪恶时，特雷沃尔的形象成就了一个可感的空间想象。

当特雷沃尔带着面具的脸庞出现在画面中，邪恶似乎已经开始释放潜流。

面具本身，代表了可感却不可知的存在，我们能看到邪恶，却不知道邪恶是谁，这其实便是邪恶的本质。

面具是符号性的，它可以建构在不同思维方式上以做出不同表达。

问题在于，它没有绝对含义也没有绝对表达，我们要清楚这里的逻辑并不是“特雷沃尔是面具具有符号性所以表达了邪恶”，而是“特雷沃尔即是面具即是符号即是邪恶”，处于不同意识形态的词汇，无论思维范畴何在，此时他们是一体的。

因此我们说邪恶便是符号最原始的本身，它具备符号所具备的所有性质。

我们再回到“邪恶的完成”这一问题，将邪恶放入时间范畴思考。

按照黑格尔的说法，自然界没有时间只有空间，时间只是在人类社会才开始具有它的意义。

所以我们不去考虑自然界的状况，只考虑人类社会文化的时间概念，邪恶在《野小子们》中则有一种流动性的独特体现。

如果我们说视觉是对于邪恶在空间范畴内最好的捕捉方式，那是否有别的感官方式能够捕捉时间性的邪恶？

比如，听觉？

我们都注意到，贯穿于整部影片意味不明又略显突兀的存在，是莎士比亚的台词。

当语言在流淌时时间在消逝，而“莎士比亚”作为一个人类历史的文化表达，使得语言本身具有了重量。

这种重量并不是台词内容本身的含义所造成的，而是莎士比亚本人的历史文化含义，或者说他写下的台词因为在历史发展过程中被不断复现而产生了重量。

我们试想一下，当有重量的语言流淌时，必然会留下痕迹，这一痕迹代表了人们的思考、疑虑和错愕，在于台词被说出时，人们无意识联想到的东西。

时间消逝的痕迹，那种凝重的感觉，如果我们想只在时间范畴上做表达并完全独立于空间表达之外，我们应该怎么叙述？

让我们来想想莎士比亚。

《野小子们》的开头，便是一段关于《麦克白》的表演。

《麦克白》在某种程度上也是一个关于邪恶的思考的故事，有着和《野小子们》相似的元素，谋杀，罪行和谎言。

德·昆西的《关于<麦克白>中的敲门场景》中，讨论了在麦克白杀了国王邓肯之后沉浸在了恐怖的幻想中，突然邓肯的侍从敲响了城门这一场景中“敲门”这一动作的震撼意义。

在时间上，当麦克白进行谋杀并陷入焦虑时，时间是凝滞的，因为这是一个深层次的世界，集中展示了邪恶和其生存的状态，你无法将其作为线性的时间来描述。

当敲门声响起时，时间的脉搏重新开始跳动，这时我们才能体会到刚刚那一停滞的重量。

麦克白在第一幕第七场准备杀邓肯前有这样一句独白：“But here, upon this bank and shoal of time, we’d jump the life to come”（仅仅在这人世上，在时间这大海的浅滩上；那么来生我也就顾不上了）。

谋杀时的时间，凝固如大海的浅滩，切断了前后因果，迷失在海上，只包含了谋杀作为存在的重量。

因此，邪恶是种停滞，“停滞”即邪恶在时间范畴的表达。

因此，“邪恶”是停滞的符号。

这一性质在《野小子们》中得到了充分地发展。

麦克白在谋杀时产生的错觉和我们在《野小子们》中听到莎士比亚的台词产生的联想几乎是相似的，它们都是属于被符号触发然后进入停滞的状态。

《野小子们》通篇都是符号化的无意识书写，而邪恶作为停滞的符号为其他符号的表达提供了喘息的间隔和力量的供给，无论是性别、人类活动还是社会结构，各种符号以邪恶为基础形成了自己的语言。

而当我们在对影片进行兴奋的解构和解读时，我们也成为了被“特雷沃尔”笼罩的无辜者，解读得来的所有理论思考比如性别倒错、女权主义或后人类主义，无论如何都无法逃脱“邪恶”凝视的影子，因为思考是一次关于谋杀的意淫，我们在谋杀故事，谋杀电影。

而《野小子们》看似生硬、错乱无序的符号化无意识书写，几乎就是对于理性主义符号解读行为的讽刺：我们对于邪恶用尽了想象，对善良却无话可说。

芒帝格的这部影片与库布里克的《发条橙子》在青年集体暴力施加方面如出一辙。

但后者是男性性别本身内被社会强制性的规范到正轨，野小子们则是性别置换，将狂野，暴力，无视法律法规，丧失人性的男孩置换为女性的身体，失去了代表男性身份与力量的阳具，出现代表女性身份的乳房与性器官。

提出了一个最核心的问题，是否是由于性别导致了暴力，在男孩们变为女性身体之后，他们不再具有暴力的能力，失去了代表力量的阳物。

整部影片充满了隐喻与象征等符号化的代表物，男孩们在接受惩罚时吃的外表类似于女性外阴带毛发的水果，在流落荒岛后，荒岛中所有具有代表性的性别符号，男性阳具中喷出的白色汁液，男孩们在到达荒岛后成为女性，代表他们的男性身份被彻底消解，但暴力真的在他们错位的性别中消失了吗？

并没有，就算他们变身为女性，女性的他们仍然杀死了走上小岛的水手们，影片没有呈现出水手的是非善恶便被另外四个野小子开枪杀死了，所以，他们的暴力本性并没有因为性别身份的变换而消失。

因此，性别并不是导致暴力与人性泯灭的原罪。

再来说影片形式与内容，整体的灰白影像，不平衡构图，晃动的镜头，故事呈现其次，更主要的是为了呈现出梦境幻想般的谜域，到底是虚是实，是人间还是地狱，充满了宗教的隐喻与迷幻色彩，有一种二十世纪二十年的先锋电影的形式，实验意味极其强烈，为文艺色情片开创了另一视域，色情符号也能以学院文艺片的形式呈现出来。

最后，影片重形式轻内容，整体宗教化的仪式感很强烈，适合的观众也只是一小部分的知识精英，将普通大众与精英之间又划分了一道界限森严的鸿沟，普通观众是欣赏不来这部充满了导演个人化的梦境隐喻的精英电影的。

但对于学院派文艺电影的发展来说，是在上世纪先锋电影的又一次飞跃。

曾经有人把扬·冈扎乐兹和贝特朗·芒缔格这群人比喻为“破坏分子”，诚然，他们是一群与法国新浪潮电影完全不同的导演。

他们在新浪潮电影过去的多年，路易斯·布努埃尔、雅克·德米、弗朗索瓦·特吕弗这群人相继去世，如今只剩下了戈达尔一枝独秀后，可以说是最有能力重新扛起法国电影大旗的一代人。

然而他们带来的，并不是对安德烈巴赞的“影像本体论”和长镜头美学的解读与实践，而是给法国电影重新下了一个定义。

今年法国《电影手册》十佳中，芒缔格执导的《野小子们》名列榜首，而另一位代表人物扬·冈扎乐兹的《刺心》则入围了戛纳国际电影节主竞赛单元，这暗示着这批“破坏分子”在法国影坛的崛起。

作为影迷心中逼格最高的电影杂志，《电影手册》自2013年以来，就一直对这些青年电影人青睐有加。

他们在2013年4月的一期专题中，高喊出“年轻的电影人没有死！

”就曾经写过芒缔格导演的短片，并将其列为法国新新浪潮的领军人物大肆褒奖。

如今，芒缔格导演的第一部长片《野小子们》就被手册列为十佳榜首，从中也看到了手册对这个“亲儿子”的照顾有加。

芒缔格保持了法国新新浪潮电影一直以来的“人工美学”特征，并以这种美学为基础营造出了一种奇特的复古奇幻视觉体验。

但却以一种极大尺度的方式展现出来，充满了性爱、男女生殖器、性别暗示以及随即飞出的羞羞的液体，在感官体验上绝对是有极大冲击力的，甚至有影评人称其为“媲美《发条橙》的演出”。

诚然，这部电影有着比《发条橙》更大的尺度，但就具体的表现方式而言，又有着千差万别。

《野小子们》有着挑战三观的尺度。

一群顽劣少年在将老师奸杀后，企图逃脱罪责，这里很明显的将男性视为罪恶的源泉。

以此来看，男性性欲的释放对女性而言则充满了一种压迫感，这种压迫感是来源于男性对女性的性压抑，这里面既包含着男性对女性的压抑，也包含着男性对自身部分女性特质的排斥。

对于性别的探索，人类从来就未曾停止过。

现代的性别学说更倾向于认为“从心理角度讲，性别是没有明显界限的”，因为两种性别的身上其实都有另一个性别的特质，这种性别特质是互相渗透的。

但是传统的性别教育却将男性与女性强硬的划为两种不同的性别特征，而男性的性别构成中同时包含着暴力的因子，以及因强化自己男性形象而去压抑自己女性的部分，这样再去看影片中船长对顽劣少年的训教，充满了对其中男性特质中不可驯服的暴力部分的改造，其中包含着一些同性之间的相互征服。

若隐若现的男性正面裸体，在黑白色彩下，带来一种上世纪邪典影片的质感。

富有层次感的打光和极具舞台感的船戏调度，将明显的性别暗示集中在看似开放实则闭合的小空间里。

影片完全遵循古希腊戏剧的分幕方式。

全片可分为五幕，第一幕岸上，第二幕船戏，第三幕岛上，第四幕逃离，第五幕为大高潮。

各幕之间有着循序渐进的递进关系，逻辑严明，明显的舞台特征可以视为对古希腊戏剧的一次重现与致敬。

但这种致敬，却充满了女性对男性的反抗。

男孩们一起来到岛上之后，啜饮着棒状植物分泌出的可口液体，享受着腿状植物带来的欢愉，对男性的性别改造也由此开始。

影片世界上的战争、暴力归结于男性身上的暴力因子，而将女性视为是化解暴力的液体。

当手拿着短把手枪的女士正式出场的时候，这种女性对男性的反抗就有了具化的形象。

如果短把手枪可以视为是其缺失男性性特征的代替品，那么到后来，这把手枪在征服了暴力之后就变成了可有可无的多余的工具。

所以与短把手枪同理，男性的性特征也是可有可无的，所以最后影片中出现了让各位观众惊掉下巴的一幕。

芒缔格在这一幕，不仅仅颠覆了“影像本体论”和“现实主义”，也在向传统的男性霸权主义发起挑战。

这种挑战全面击垮了男性在女性面前最后的尊严，所以最后当然会以女权主义的全面胜利告终。

就如同是一把火，烧光了旧的伦理规则，迎来了新的性别革命。

如《电影手册》78月暑期合辑中刊登的《焰火宣言》那样，芒缔格、冈扎乐兹为代表的这群新电影人“跨越人、情感、时间；跨越混乱、欲望；跨越一片红；跨越成见……跨越恐惧与伤疤”、“我们追求一种着火的电影……邀请所有着火的心脏在热炭上吹风”。

当他们打破成见，重新去审视电影艺术、改造电影艺术的时候，法国电影在新浪潮过去许多年之后才再度亮起理想的光芒。

旧的规则被破坏掉，同时新的理念建立起来，这是电影艺术能够不断前进的动力。

如知名的油画《自由引导人民》一样，革命是渗透在法国人身体血液里的东西，在电影艺术中，亦是这样。

我们见证了这一代“身体里住着野兽”的新导演的崛起，《焰火宣言》正如同是法国新浪潮之后多年以来一声响亮的大炮。

以此来看，在这一关键年份诞生的《野小子们》对宣言内容最好的注脚，可以看做是划时代的作品。

在这之后，请全世界电影人凝神屏息的观望着法国这座电影艺术殿堂之国翻开崭新的一页。

法国《电影手册》十佳榜首，满屏幕都是羞羞的液体！

真心觉得不错 好喜欢这种情节冒险有挑战性的剧真的很有创意 剧本写的真的很好很不错 还有导演也很棒很会挑选演员和后期的敬业的工作人员 投入力度也很好很用心 外国电影本来硬东西就很好 再加上演员很加分 我很喜欢 不尴尬 不水 很敬业 我很喜欢那个女的女一号的配音 真的很勾人 很有磁性 散发着女性的魅力 当然演技也很好 很喜欢 推荐大家去看看吧！

法国《电影手册》今年十佳电影的第一名竟然是一部导演处女作！

这个意外的选择带有破格提拔的意味，似乎还预示着法国电影革命性创新浪潮的到来。

这位名不经传的导演贝特朗·芒蒂格（Bertrand Mandico）在美学风格上的大胆尝试与性别意识上的狂野挑战无疑令这部处女作走上了一举成名的捷径。

影片让观众恍然联想到不少经典电影的场景片段（发条橙、蝇王、雾港水手，以及布努埃尔、科波拉、大卫林奇等导演的作品），导演在致敬手法里营造出罕见的早期默片质感，更透过简陋粗糙的美术布景与复古诡秘的电子乐流露出瑰丽梦幻的氛围。

这一点似乎比他的好伙伴扬·冈扎乐兹的 《刺心》做得更为彻底，如果说《刺心》是通过类型片元素复原80年代的环境气氛的话，那么这部作品的时空感却叫人感觉陌生，难以想象出影片所处的时代背景。

这种抽离熟悉时代背景的手法令影片具有强烈而诱惑的新鲜感。

导演选用女演员反串扮演男性角色的手法有点让我大开眼界，相当契合与影片的主题表达。

野蛮暴力的男孩子接受惩罚，流落到荒岛上吸取雌性激素，逐渐变性为女孩子，身上的暴力因素逐渐褪去。

虽然这种性别意识的转变简单粗暴大开脑洞，却意外地引发了不少有趣的思考：究竟是什么引发暴力行为？

雄性消失后暴力也会随之消失吗？

还有一个雌雄同体的小孩表面上看没有完成变性，却意外地具有更突出的生存优势，这是否在暗示着男性也好女性也罢，都无法真正给世界带来和平，只有雌雄同体的性别才能统领未来？