勒阿弗尔

这电影只拍了50天，花了380万欧元，是一部不折不扣的小成本制作，可谓寒酸。

同这个故事一样。

令人叹为观止的是，每个细节，每个配角，龙套人物，每个细微动作，眼神，都有戏剧色彩，令人忍俊不禁，又泪流满面，这种从容不迫，点到为止，朴素又明确的表达力。

电影早已成为电影技术，电影高科技，有些人仍在持守他们的电影良心，因为这良心本来超越传媒，与电影无关。

这是一部无产阶级电影诗，是我们最熟悉的“新现实主义”。

这是一部“登山宝训”，——在电影中被拿来调侃，主人公说：擦鞋匠的工作违背山上宝训，——这是一部基督徒的电影，尽管教会和神职人员永远是负面形象。

这是一部安慰穷苦人的影片，而这是耶稣命令的工作。

“凡为我的名接待一个象这小孩子的，就是接待我。

”（马太福音18:5）

“听说在上海也发生过这事” “听说在上海也发生过这事。

”当看到一名医生很是煞有介事地对另一名医生说道时，终于忍不住笑了起来。

这一次导演郭利斯马基在《勒阿弗尔》里所表现出的冷幽默并不多，这可能是这部灰暗的电影里最惹人发笑的一幕了。

妻子得了绝症，正躺在医院等死之时，突然就莫名其妙地不治而愈了。

所以才有了以上医生的这一番对话。

这个贫困家庭一直靠丈夫擦鞋为生，而就在妻子得病后不久，丈夫却是于偶尔间收留了一名偷渡的非洲儿童……大师级的郭利斯马基一直偏爱于在自己的国家——芬兰拍戏，这次却是移师到了法国。

在《勒阿弗尔》里，法国，这个活色生香之地却依然是涂上了北欧般阴冷素静的色调，最多不过是把冻得硬梆梆的芬兰话换上了细细软软的法国腔。

再一次地，郭利斯马基依然是把他的目光投向了底层生活，显示出的是来自底层那份特有的浓浓柔情，而无一点焦灼饥渴、难以挣脱的欲望弥漫。

和郭利斯马基先前的《没有过去的男人》《浮云世事》比较起来，《勒阿弗尔》放弃了微小的视角，而是展现了一个群像式的画面，在丈夫带着偷渡儿童东躲西藏、陷入困境之时，这一帮街坊邻居齐齐伸出了温暖之手，虽然先前他们曾经也有不无刻薄之处，毕竟也是不伤大雅，在这齐心的温暖中化为相视一笑。

尽管总是醉心于对底层的真实刻划、对现实毫不留情的批判，但奇怪地是郭利斯马基总是喜欢在结局处安排一场好莱坞式的圆满大结局。

《勒阿弗尔》其实并不能算是导演的最佳作品，这次通过群像式的展现多少显得浅尝辄止，少了深入人心之利，整部故事也有朝失控粗浅的方向滑去的迹象，尤其是最后这一场令人瞠目结舌的病愈安排。

这已经不可再用圆满来形容，更像是一个童话式的结局——从此他们过上了幸福的生活。

但也正因为如此，这种不讲道理，不容分说，没有任何来由，也没有任何理性的童话式的结局却又恰恰显出一个十分诡异的荒谬来。

妻子的病就是好了，至于怎么好的谁也不知道，发达的现代医学、先进的仪器也只能是两手一摊，无法解释一二，是不是他们太过善良与贫穷了，连上帝也无法再看下去了。

而且，“听说在上海也发生过这事”。

丈夫这个角色的选择也是颇有些趣味，他本是一名放荡不羁的作家，放下一个知识分子的身份，甘心情愿地打滚于穷困阶层，也似乎是暗映着导演一以贯之的价值取向。

郭利斯马基一直拒绝走上贫贱夫妻百事哀的解读，而总是竭力地表现出只有在穷人才会发生的，有时甚至可以称之为盲目的、谁都无法击垮的乐观、豁达与无畏来。

扮演妻子的依然是郭利斯马基的御用女爱将——那个形容枯槁、瘦弱单薄的老太，与众多珠玉圆润的女明星比起来，她面无表情，却又带有一丝饱经风霜的执拗与无畏。

片尾中，夫妻俩携手步入简陋的家中，昂首阔步里显出一种不容侵犯的凛然和尊严来。

院内的樱花开得绚烂之极，随风轻轻摇摆，像极了小津安二郎的镜头，只是无论从影片本身所反映的社会问题，还是以最后的荒谬表现手法上来看，与小津安二郎温吞水式的市井生活早已是分道扬镳。

《勒阿弗尔》：极简主义的温情首部曲文/灰堆南勒阿弗尔（Le Havre）是法国北部的港口城市。

之所以成为电影的名字，是因为芬兰导演阿基•考里斯马基（Aki Kaurismaeki）要拍摄他的“港口城市三部曲”的系列电影，《勒阿弗尔》是三部曲的第一部。

在此之前，阿基在拍完“当代芬兰三部曲”的完结篇《薄暮之光》后曾有息影的传闻。

而现在，这三部曲才刚刚开了头，看来这位作品个人风格显著的大师级名导还将再执导筒。

对此，阿基不无幽默的告诉我们，“如果我不告诉大家我在准备三部曲电影，那么懒惰的我就一定不会去拍电影，而是在家里玩扑克。

”有时候，你不得佩服阿基大师对于影片拍摄地选址的眼光。

电影镜头下的勒阿弗尔干净简洁，略显老旧却不乏温馨。

城市和影片的风格相得益彰。

但细想，又觉得好笑，导演所谓的“港口城市三部曲”会不会只是个噱头。

为何是港口，而不是别的什么地方。

难道阿基•考里斯马基是想找个别有风情的海港城市一边享受生活，之余，再随性的拍一部温情的小电影，然后，再考虑退休的事儿。

也许是导演要在这部自编自导的电影里缅怀一下自己失意的作家梦。

影片的主人公马塞尔•马克思曾经是电影《波西米亚生活》中生活在巴黎的作家，如今却在勒阿弗尔这座小城干起了擦鞋匠的活计。

他背着箱子游走在熙来攘往的码头车站，眉宇间偶尔还会流露出失意的艺术家气质。

擦鞋摊的工作收入微薄，马塞尔却享受着接触人群的快乐和由此带来的简单生活。

他往返于擦鞋摊、家庭和小酒馆。

对于马塞尔来说，这样的生活看似失意，但并不失落。

影片没有纠结于马塞尔的前世今身，而是将剧情引向电影要表达的简单而温暖的故事。

黑人男孩伊德里萨的出现，是马塞尔生活中的意外。

这个被弄错了目的地的非法移民，在逃出了警察围捕之后，与马塞尔不期而遇。

但一个自己生活尚且窘迫的老迈擦鞋匠，能帮这个孩子做些什么呢。

让人出乎意料的是，马塞尔不仅解决了男孩暂时的吃住问题，而且要把好事做到底，将伊德里萨送到他本来该去的地方——海峡对面的伦敦，妈妈的身边。

此时，马塞尔要面对的还有重病住院的妻子，但他还是不辞辛苦费尽周折的找到了男孩母亲在伦敦的地址，联系了偷渡的货船，并通过一场精彩的慈善演唱会筹到了所需的费用，最终帮助男孩顺利的离开勒阿弗尔。

但这一切，并不是马塞尔一个人在战斗。

影片中，除了那个鞋店店员和告密的邻居，几乎所有人都充满了善意，就连负责抓捕男孩的莫奈警探也加入了这场集体营救。

简单的剧情和纯朴的画面延续了阿基•考里斯马基作品一贯的简约风格。

但这个简单的故事里，却涵盖了真挚平凡的爱情，与人为善的友情，这些人性中温暖的情感。

同时，在马塞尔•马克思愿意接触人群，而远离了“山上宝训”的选择背后，并不是信仰的缺失和行为的无动机，而是心里深藏着一个坚硬如核，而且让人尊敬的价值观。

在电影的结尾，妻子阿尔列蒂本来毫无希望的重病竟然神奇的康复了，这让人在惊喜之余，也给了电影一个温情而完满的结局。

电影《勒阿弗尔》曾入围了去年戛纳电影节主竞赛单元，虽然最终没有获奖，却获得外界的一致好评。

因为电影不仅再次诠释了简练的对白、缓慢的叙事节奏、僵滞的人物表情等这些阿基•考里斯马基作品中的极简主义风格，也让人感受到了他对社会底层小人物的描写中的难得一见的温情。

刊于《假日100天》

好久没有遇到这样让我看完之后 暖暖的，会心一笑的电影了。。。

尤其是，看着片尾的樱花沐浴在阳光下随风摇晃，听着片尾曲。。

很惬意很舒服。

无所争无所欲。

很幸福很满足。

PS:我想看 8号公路。

谁有资源。？

　　考里斯马基是当代电影人中少数几个自己编剧、执导、剪辑并使用固定的演员班底的导演。

一致的电影主题，相类似的影像风格等都使得他被称为“最后的作者导演”。

就像伯格曼的一生总结之作《芬妮和亚历山大》，《勒阿弗尔》也是他固有主题和风格特征的汇总。

　　　一、 ■新现实主义　　在考虑《勒阿弗尔》的风格时，马基有明确的指向：“我想这部电影试图对法式的新现实主义进行新的改造。

维托里奥•德•西卡和塞萨•柴伐蒂尼风格是潜在基调，在此基础上我给它的新现实主义加上马塞尔•卡尔内和雅克•贝克的感觉。

无论是我自己的起点还是这个小镇自己的起点，都完完全全是一张白纸。

人们可以使它成为梅尔维尔式或者《米兰的奇迹》（Miracle in Milan）式的电影，又或者是介乎于两者之间的东西。

”　　□现实主义。

《勒阿弗尔》剧情直线发展，以自然主义的态度呈现一段完整的生活片段，故事有时跳跃有时停滞，但是从不回头。

人物的前史都在轻描淡写里完成，考里斯马基不会用闪回去交代人物，并不是因为他不关心从前，而只是当下才是他更愿意凝视的东西；只有当下的处境，才更值得书写。

它的场景简单，场面调度也简洁：一张桌子，两把椅子，两个人物和别无他物的光秃秃的房间，就是故事展开的戏剧化舞台。

台词也简洁直接，不人为制造煽情高潮。

正如他自己所说，华丽的设计只会带来距离感，毁掉他想要创造的现实主义。

　　□Dogma95。

《勒阿弗尔》让人想起同样来自北欧的拉斯·冯·提尔和他著名的Dogma95誓言。

这场距今最近的电影运动轰轰烈烈却也很快偃旗息鼓，但是在某种程度上，考里斯马基也正以他自己的形式践行着当年的纯洁誓言。

影片中一段实拍的纪录片片段，音效使用的克制，都用一种自然主义式的前卫去追求电影的纯粹本质，既疯狂又孤独，既独树一帜又似曾相识。

他又被誉为道格玛95的前行者，抵制过多的技术，舍弃数字技术特效，相信影像本身的力量二、 ■水下的冰山　　就像海明威的“冰山原则”，在马基有意的节约和克制之下，隐藏着水下“八分之七”的暗涌，静默之中，张力尽显。

　　□极简主义。

《勒阿弗尔》的人物少、场景少、台词少，情节设置简单，有留白的叙事和开放结局的设置。

在视觉语言上，多固定机位拍单镜头，运镜风格简单利落，画外也往往成为重要的叙事空间，如擦鞋匠给小孩留午餐和钱的场景，只用了一个镜头来表现：镜头对准楼梯阶梯，擦鞋匠的手在放入面包和钱之后出画，镜头不动，画外传来划水的声音，这个镜头至此结束，救助关系交代简洁又不失神韵。

□ “布列松式”。

人们往往将考里斯马基和布列松做对比，在克制绝无花俏的镜头下，考里斯马基正如布列松一样，呈现出的是生涩的画面感和非连续性的叙事。

和集中表现冲突和戏剧化的传统叙事方式不同，考里斯马基的电影里没有充满对抗感的镜头和调度，人和事都发生在沉默平淡的空气下。

如布列松热衷于拍摄人物的手和脚一样，考里斯马基同样热衷与身体某个部分的细节动作，比如一个眼神，一双鞋，一个细微动作等。

在《勒阿弗尔》中，拍摄坐在饭店里吃饭的马塞尔时，考里斯马基摒弃了中景镜头，将镜头聚焦在马塞尔那双挥舞着刀叉的手。

这种对于局部动作的固执地捕捉，创造出影片的独特节奏和趣味。

三、 ■鲜明的个性对阿基的影迷来说，怎样的故事已经不重要了，光是欣赏大叔的的气质和个性就够了。

　　□外冷内热。

《勒阿弗尔》影像风格一如往常冷峻，整体影调为冷峻的灰蓝色，人物在冰冷的街道上穿梭，在冷色调的房间里生活，似乎这样带着点悲伤的蓝色，才是普通人生活的真正色调与温度。

但故事冷峻的色调下，情感却柔软温暖，就像室内和人物身上点睛般的鲜艳红色：马塞尔在病房里放的一束红玫瑰，鲍勃慈善义演时候的一头银发和红色皮衣，别离时给伊德里塞披上的红色外套等，都是生活希望的暗示。

这股温情更是被各种缤纷色彩点缀：当伊德里萨的计划顺利进行时，妻子也得以健康出院，她身穿的黄色的裙子和手握的黄色的玫瑰带来的是家庭般的温馨，窗外，一丛淡粉色的樱花耀眼明。

　　□怀旧古典。

如同马基往常的电影一样，《勒阿弗尔》也被“做旧”，人物的社会背景和时代被有意淡化，与情节无关的人物、纠葛被抽空。

故事中只有破旧的建筑，简陋的汽车站，老款式的落伍汽车，连电视机都是小小的屏幕，更不用说电脑和各种现代科技。

阿基是一个颇为怀旧和保守的人，他不但把赫尔辛基设置为过去几十年建的样子，也根据自己的喜好来呈现这个法国港口。

电影被刻意拍成一部类似法国三、四十年代诗意写实主义时期的电影，也特意营造出久远年代的氛围。

打扮守旧的人物，精心设计的道具（比如古旧的音乐设备），加上怀旧风的光线和音乐，共同营造出一个似乎发生在记忆中的空间。

而那些发出幽暗霓虹光的街道酒吧与其中单纯的人际交往，更是带着一种复古情调。

　　四、 ■间离的态度考里斯马基拒绝向主流社会、大众审美潮流和消费文化投降，他程式化的镜头语言和简洁冷峻的叙事，共同形成了属于他的独特欧洲艺术电影品味。

　　□零度表演。

《勒阿弗尔》沿袭了马基对情感和演员的抑制处理，而两位御用演员——女演员卡蒂•奥廷宁和男演员安德烈·维尔姆斯同时出现在这部电影中，（甚至还包括特吕弗的御用演员让-皮埃尔·利奥德，他也曾主演马基的《我雇了一个合约杀手》）——他们虽然纷纷随着导演一起老去了，但是不变的却仍是那种“零表演”的风格：遵循布莱希特的表演体系，没有表演，没有技巧，有时候甚至感觉不到生命，就像编好程序的机器人按照规定的动作进行活动。

马基也仍然对他们实行“绝对的操纵”，对他们每一个眼神的几厘米偏差都有严格要求。

在这种苛刻的疯狂之下，考里斯马基的演员永远服从于剧情，永远过目难忘。

　　□驻足旁观。

考里斯马基是个旁观者，冷眼看着每个人物的喜乐，甚至都不愿让镜头去介入其中，《勒阿弗尔》中大量定格式的特写镜头仿佛某种故意的“间离”，就连根据人物眼神剪接的镜头也不是常用的视点镜头——这样冷静疏离的镜头处理，提供了一种旁观者的视角。

考里斯马基不把观众代入人物，却只把他们放入场景，让观众自己去看去感受。

他的幽默也常常以慢半拍的方式来形成错位——这种“天然呆”竟让阿基大叔也具有了呆萌气质。

【已载刊】

阿基考里斯马基作为芬兰最重要的导演，也是欧洲最多奖的导演之一，作品历来风格鲜明，返璞归真，充满幽默与反讽，被奉为“结合了摇滚风格的极简主义”。

新片《勒阿弗尔》沿袭他以往风格，以简洁冷峻的试听语言，天真善良的人物，结构出曲折必然的命运。

　　阿基的电影被总结为四类：经典文学的改编作品、临时起意的冒险旅行、摇滚音乐有关的故事和人物、最底层生活的肖像。

新片《勒阿弗尔》应该归为第四类，讲述了一个擦鞋老人，如何集同各路社会底层朋友的力量，帮助一个偷渡逃跑的黑人小孩，躲避警察追捕，离开《勒阿弗尔》去伦敦的故事。

　　如前面所提到，这部新作与之前许多作品一样，关注的是社会底层人物：温饱成问题还嗜酒的擦鞋匠，他善良忠诚的妻子，宽容明理的面包店老板娘，温婉坚定的酒店老板娘，还有同是擦鞋匠的越南移民。

这些人在帮助偷渡黑人小孩的过程中，八仙过海，各显神通，流露出人性善意的一面。

就连追捕的警察，也在最后改变意图，放弃行动，转而帮助。

　　有几部电影能从第一个画面就交代出导演这一生所追求的幽默感？

从《我雇了一个合约杀手》，《薄暮之光》到今天的《勒阿弗尔》，阿基的电影风格之所以如此统一，在于他对摄影，表演等方面的把握特立独行，与众不同。

阿基电影中的演员，表情呆滞，动作机械，但却出奇一致，介于舞台表演与机器人之间。

相对舞台表演，他们的演出不富含情感，甚至流露处“表演”痕迹，例如两人同时缓慢地转动头部表示回忆等方式。

而相对机器人，当然，这比喻有玩笑的意思，主要指他们的动作一板一眼，非常模式化。

而这种有些间离的表演，正是令阿基影片中人物充满幽默感，同时又形象鲜明的原因。

　　另一个控制就体现在摄影的风格上，其实这一点与他对场景的选择也联系密切。

他很喜欢封闭幽暗的室内空间，并在人物与其之间建立起密切联系。

例如本片中的非洲小男孩与衣柜，老擦鞋匠夫妻与客厅，告密邻居与其卧室等。

每个空间中的光影变化，都影响着人物的塑造，而这类关系的建立，帮助阿基表达出人类的孤独和卑微。

　　总的说来，阿基作为奖项的宠儿，又带来了一部令人满意的作品，至于结局如何，则无从揣测。

贺岁版的《窃听风暴》？

我不觉得。

影片可以起个副标题叫“法国好人”，电影温情融洽得就是一部治愈系小品。

我刚想感叹法国导演也能拍出这样毫无矫揉造作感的喜剧，才发现原来导演是个波兰人，无怪乎通篇都洋溢着冷峻的幽默，处理得如此干净利落。

人物僵硬的表演，刻意制造的不自然的节点让情节充满跳脱感，与故事的温和印象形成鲜明对比。

超级正点的八十年代复古色调，好莱坞黄金年代的光线运用，那些黯淡的大色块，静态的画面，沉默的人物，阴郁的神情，夸张的表演，乐队的演出，不曾停止的烟与酒，陈旧过时的set……这种种的细节带来的违和感与戏谑感使电影自始至终都充满逗趣的吸引力，而导演的戳印标记则再明显不过，翻开《十分钟年华老去》中大师那十分钟的片段，许多象征与标记都曾一一出现落实。

故事的铺陈发展与情节冲突似乎从来不是导演关注的焦点，导演对任何煽情感动冲突紧张的高潮都吝于笔墨，却愿意花上3分钟把镜头对准一首完整的歌曲表演，事实上单就开慈善演唱会这一个情节就够好莱坞拍一部跌宕起伏120分钟的剧情片了，各种商业元素全部具备，但皆被导演无视弃置。

他更着迷于以充满象征性符号性的方式来讲述故事，但在实质上这些象征与符号并没有表达任何意义，所有的所指仅仅是所指本身，一场充满行为艺术感的表演本身，不紧不慢地，以某种沉着不经意的语气讲述着故事，无惊无险地直到故事结束。

有时回想起影片的种种片段细节，感到时间大多是在这些无为的画面、停顿、动作和对话中虚度，但正如有人评价的“外冷内热”，故事与人物的个性与温情，便是在这些细碎之间流露，满脸褶子的底层小人物在他的仰角特写下都变成了黑白片时代的英雄。

唯独具有象征意义的，或许是片尾那株开花的树，和妻子神谕一般的康复。

我开始猜测这想要表达的是好人有好报的因果报应，还是上天的神圣干预，以一场出乎意外的恶疾为这个救赎使命预留舞台。

但无论是何种解释，都好似与影片并无多大干系。

导演那已炉火纯青般娴熟的个人风格已经盖过了其他一切声音，这使得他的目的已显得并不那么重要。

这或许是影片最大的问题，当我们沉浸在导演荒诞无为的个人魅力之中，早已忘却了观赏影片的原意何在。

在一个偏远的小镇上，曾经红极一时的作家成了一个擦鞋匠，每天辛苦赚来的钱会给妻子，然后拿点零用钱喝酒。

贤惠的妻子照顾他的生活却突然病入膏肓，偶遇的小男孩是非法移民，恻隐之心下的选择又要面对不断追逐的举报和检察官的质问……在我看来好像这是广义上的“不好”的生活。

但对他来说，生活似乎永远都“会好的”：小男孩最终一次又一次的逃脱了追捕，连步步紧逼的人也开始帮忙；酒吧的老板花店的老板女邻居都是好人，每个人都关心他也都愿意帮他解围筹款；善意的对待其他的移民最终也换来了其他人真诚的帮助；他对妻子的好也换来妻子的隐忍和坚韧的爱意……因此一切也真的像结尾的奇迹一样，变好了。

月初看了导演的《希望的另一面》，点开资料发现导演所有电影的海报风格非常可爱又统一，复古感加明显的文字颜色和字体一下抓住了我，于是又点开了第二部感兴趣的影片。

一点开就发现导演是有非常明确的影片风格的，不管是美术还是灯光摄影，都配合着完成了对导演的电影美学风格的展示。

复古的光线，极简的布局，简约但不简单的色彩运用，油画般的质感，冷静的旁观般的摄影，舞台化的表演方式和简短的对白，夹杂的音乐尤其是摇滚乐，都让整个电影呈现出统一的风格化。

一切在真实的基础之上似乎总是有一丝戏剧感，和观众在环境上有疏离，在情感上有亲近，作为整体的风格来说非常难得。

我个人是极喜欢这个美术和摄影风格的，即使削弱了我对故事上的关注和共情，但视觉记忆是很深刻的，每当想起导演的风格和画面也很自然的想起故事中的人和物。

我尤其喜欢景物和空镜的镜头，光影下都是一幅一幅的油画。

另外就是光线和颜色对情绪转折的推动作用，这也是美术需要重点考虑的因素之一，这部影片中也是非常明显。

大片的蓝色之下跳动的光影和跳脱出来的几抹黄色（男主女主小男孩甚至监狱里的父亲的衣服，黄花等）着重的凸现了情绪，抓住了观众的视觉，强调了剧情部分的重点，是值得参考学习的部分。

个人风格突出的导演是非常适合大家拉片的，可以学习到很多技术上的内容。

马塞尔曾经是一个小有名气的作家，可是，热爱自由的他厌倦了作家高高在上的枯燥生活，于是来到了勒阿弗尔，摇身一变成为了一个快乐的擦鞋匠。

勒阿弗尔可爱而又热情的居民让马塞尔找到了心灵的归宿，在这里，马塞尔过上了梦寐以求的平静而又安定的生活。

一个非洲男孩的出现打破了马塞尔规律的生活，出于同情和本能，马塞尔收留了这个被警察追得到处跑的可怜男孩。

屋漏偏逢连夜雨，在此节骨眼上，马塞尔的妻子阿勒提患上了恶疾需卧床休养，一边是凶神恶煞的警察，一边是病危的妻子，马塞尔一下子被推到了命运的十字路口

《心靈港灣》(La Havre)早在三月至四月舉行的香港國際電影節曾經公映，在電影節的繁忙趕場中錯過了不少的好電影。

幸好，百老匯電影中心的背後母公司是安樂電影制片公司，得以讓觀眾看到特別的放映場次。

在電影節的場刊裡，《心靈港灣》被放在「大師級」的頁面裡，難免會令人有些期望，即使沒有看過導演的其他作品也會因而自我投入到這部小電影當中。

電影的中心主旨相當的簡單，就是「好人有好報」，以溫情、友情、愛情打動觀眾的心靈。

故事發生在法國南部的一個小鎮，老人馬修與妻子生活足襟見肘，但尚算生活愉快，夫妻之愛有愛，總會為對方設想。

例如太太會把先生賺回來的工資儲起來，而先生了解太太心裡的想法，二人與小狗相依為命。

生活簡單、樸素、沒有多餘的物慾，更沒有自私的一面。

電影開場時，馬修到附近的商店賒帳，他的「惡行」不至完全令人憎厭，而是看到他的鄰居對他的忍讓。

在電影的對白裡也淺淺的帶出他曾經有個「花花公子」的青春時光，從前他在一個遊走於巴黎的藝術家，如今他在南部當上生活得不穩定但開心的擦鞋匠。

導演曾經揚言不再拍電影，結果觀眾一等五年，他還是回來了。

相信喜歡郭利斯馬基的人會看得到導演有什麼的轉變。

事實上，影片的風格相對是輕鬆的，一開始我們就見到只要有生意，那怕是什麼人主人翁還是會替他們服務。

正所謂「職業無分貴賤」，即使是犯人，馬修還是會替他服務，這就是「職人」的道德。

電影除了是帶出法國南部的小鎮生活外，還加插了難民元素與警民之間的角力。

非洲來的伊力沙誤打誤撞，上錯賊船自以為偷渡到英國，誰知到了隔岸的法國諾曼第區。

好運的是他雖然是「人生路不熟」，幸好遇上好人肯收留他。

這個好人不用多說便知道是馬修。

最初遇到黑人小孩，馬修的反應不但沒有驚訝，反而振定的問他餓不餓。

除了是「同情」以外還動了「惻隱之心」，在父母一輩的教導裡，不知從何時開始就對陌生人起了疑心，再因為街上經常出現騙子而令我們對身邊的人與事感到冷漠、無情。

這部電影就像是一面鏡子，告訴我們隨心而行，或者好運會隨之而來。

戲裡主要有幾條的脈絡，其中一條是講述馬修與太太的愛情，這部份相對顯得太快，淺薄地交待女人的忍讓、婉委、即使餓著肚子也要為先生煮點東西，即使是有病也不容讓心愛的人擔心，深怕對方因而崩潰。

馬修自知不能為太太做些什麼，他只是知道他的責任是完成伊力沙的願望。

而事實上他並無實質的責任，只是他覺得稚子是無辜，他或者是某場戰爭的受害者，或者從宗教種族的枷鎖中逃離。

若把孩子交到警方的手上，恐怕會陷孩子於不義，或者馬修想過這一點，又或者是基於對孩子的關愛，他相信孩子並不是壞人，背後總有說不出的故事。

除了馬修的幫助外，他身邊的鄰居與朋友也有伸出援手，故事的其中一個轉捩點是一班人為籌錢而辦音樂會，並邀得LITTLE BOB出聲。

據知電影中的LITTLE BOB是位七十年代的歌手，相信導演有這樣的安排是緣於眷戀當時的音樂，又或者認為劇情有這樣的安排是合適的。

的確，電影看起來是有點「超現實」的，當佛山的小悅悅被車轆過後路過的行人不出手相救，當中國被公認為沒有好人時，我們看到有「法國好人」。

某程度上，筆者認為中國人更應該看這部電影，而不是遇上不公的事件而視而不見，更要出手幫忙，動一動惻隱之心，而不是想到功利主義。

縱然如此，電影用少量的篇幅講到法國的社會民生，例如是利用假身份證、難民營的問題，都帶出法國社會的不安與騷動。

然而，電影最希望帶出的是不同種族之間的和諧相處，帶出「法國好人」主動替黑人小孩尋親，更主動出錢協助他到英國。

而當中的幹探由起初懷疑主人翁到接受他的好意，當中是經歷了情感的轉變，他明白「幫助」與「犯罪」是徹底的兩回事，也不忍孩子被送進法院、監獄或者是遣返。

這裡帶出不同種族的也有互愛，人與人之間有信任的存在。

這部電影為觀眾建構了烏托邦世界，一邊看一感覺導演有這個編排相當的清新，在處理議題的時候故意的放輕鬆，不把緊張的情緒帶到電影裡。

故此，看起來時顯得耳目一新，暖意窩心。

將心比己，把電影帶到生活上實踐的話，你又願意收留一個你不認識的人嗎?文/Dorothy