不知从什么时候开始,大家喜欢说:剧透死全家。
对于一些具有强烈悬疑感的电影来说,被剧透确实会丧失一大部分观影乐趣。
比如每一集柯南都直接告诉你凶手是谁,会让人十分苦恼吧。
但是也有一些电影,其实并不在意剧透。
就算你早就知道剧情梗概,或者在观影过程中自行猜出接下的戏剧冲突和故事转折之处,但是你还是不会觉得这部电影无聊,反而会觉得它好看,甚至被感动得涕泗横流。
这类型电影虽然剧情俗套,没有新意,但平淡的故事总会以不同的方式讲述给你,反而又显得不落俗套。
毕竟,太阳底下无新事,被感动的永远是你自己的体验。
日本电影《莫西干回到故乡》便是这样一部剧情俗套却又感人肺腑的电影。
电影由冲田修一导演,松田龙平和前田敦子主演,讲述了一个罹患癌症却无比固执的父亲和一个叛逆的儿子之间的成长故事。
这样的故事别说在很多部电影中都出现过,连你的身边都有可能上演过。
可谓俗套至极。
在东京搞摇滚乐队坚持音乐梦想的叛逆儿子永吉,留着一头莫西干发型,因为未婚妻怀孕了,回到故乡小岛的父母家,准备结婚,却发现父亲早已癌症晚期。
永吉在照料父亲的过程中,父子俩逐渐解开心结,重新认识与接纳彼此,也让双方有共同成长的契机。
故事最后,永吉已从少不经事的男孩,蜕变成可靠的男人,可靠的丈夫。
同时,妻子在陪同永吉共同面对如此无常剧变的同时,也让自己从糊里糊涂的女孩变成了能干的妻子,称职的母亲。
如此的故事情节,如此的人物设定,说好听点叫做经典,说难听点便是俗套。
正如前文所说,即使如此,也不会有人因为它陈腔滥调而不喜欢它,反而会惊喜于导演冲田修一竟能揉合三谷幸喜式的幽默,北野武式的荒谬与小津安二郎的温馨,将如此老套的家庭故事,拍出让人哭笑皆得,啼笑皆是的戏剧层次与感染力。
虽然电影希望探讨和表现的主题都是严肃的,比如父辈与子辈之间的世代关系、对待生死的态度、自我存在感的追寻,但是电影中的表现方式反而是戏谑的。
就像是冷面笑匠一般,冷不丁地给你一个爆笑的地方,又冷不丁地给你一个正经的地方。
电影一开始便定下了这种基调。
在一场凶猛的重金属表演过后,乐队成员们本该在后台酗酒狂欢,但是电影中的这几位反而冷静地坐在一起讨论养老保险金的问题。
前后的反转简直让人始料未及,大吃一惊,心想何时金属党们也这么接地气了,他们不是天天都想着去给撒旦献礼的吗?
这种突然的反转在电影中比比皆是。
比如前一秒父亲在严肃地训斥学生,后一秒就被一群老头拉去喝酒了,紧接着便烂醉如泥地被母亲运回家了;再比如前一秒父子二人还因为一言不合动起手来,后一秒父亲便在哈哈大笑地打电话叫亲朋好友上门吃饭;再比如永吉在替父亲排练矢沢永吉的曲子时,前一秒还在认真排练爵士,后一秒马上变成了摇滚风格,镜头从墙上的贝多芬、肖邦等大师的画像一一扫过,令人忍俊不禁。
整部电影便一直保持着这种节奏,一会给你笑,一会给你哭,遂成为一出叙事节奏、情节发展、人物形象、情感交流皆具备独特喜剧魅力的亲情伦理剧与个人成长电影。
而这种独特的电影节奏大概要得益于导演冲田修一的风趣:一定程度的黑色幽默、反叛且颠覆传统的性格、但又不至于恶搞过度。
导演曾在接受采访时说过:搬到银幕上的时候,不管多么黑暗的故事也要以喜剧的方式来展现,这是我一直以来都想做的事情。
从他的几部作品,《横道世之介》、《南极料理人》、《去见瀑布》和《啄木鸟和雨》都可以看出来导演一直在用心地作喜剧。
他的这些喜剧着力点并不在于有趣的语言和段子,反而是平淡生活中的一出闹剧,突如其来,却又合情合理。
电影的两个主角选用的演员也恰到好处。
松田龙平天生带有一种独特的气质,又百变多怪,无论出演什么样的角色都非常迷人。
前半段作为一个摇滚歌手,有趣可爱,后半段作为一个有担当的儿子和丈夫,又显得成熟稳重。
而前田敦子给人的印象一直是迷糊而懒散的,就像她之前主演的电影《不求上进的玉子》中的角色一般。
在这部电影中,又再一次展现出她身上的这种特质。
就像她对母亲说的:我也不聪明,阿永对我来说刚刚好吧。
多么简单又迷人的一句情话,两人相处重在恰恰刚好。
最后吐一个槽。
松田龙平饰演的永吉演出时明明是一支重金属乐队,但是莫西干头分明就是朋克的标致,要知道金属和朋克之间从来都是互相看不对眼的。
所以一个金属乐队主唱怎么能留一个朋克头?
难怪他的乐队一直混得不好。
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<图片1>莫西干回到故乡,抱着梦想破灭的惆怅。
等待他的是人生的转折,亦或是悲哀地继续。
还有一位即将去世的老父亲。
我们每个人都会面临这样的时刻,前路漫漫,往事不堪,还有已成路人的亲人。
但,这一切都不妨碍莫西干追求自己的梦想,那也许依然是人生路上的唯一能量。
相比来说,父亲在死亡到来前的坚持,更加说明了梦想的可贵,它是抵御死亡的唯一武器,是重燃父子情的唯一燃料。
片中以一种在悲伤中微笑的画面感,引导观众进入一种彷徨且等待的心态。
松田龙平饰演的年龄不大不小的摇滚歌手,在陌生的故乡中,如同一个外来者一般接受着父亲逐渐死亡的事实,去思考人生的意义。
过去,以及未来对此刻的自己意味着什么。
我们看见了他即将成为父亲,却仍做不好一个儿子,他能够将父亲的铜管演奏变成了金属打击乐,但却无法在这种代际的疏离中,找到回归和血缘的价值。
当父亲最终在温馨的婚礼中,在众人对爱情的见证中呜呼哀哉的时候,我们依然难以知晓追梦人莫西干此刻的心。
在茫茫的大海边,莫西干开始了新的东京征程,天水之间,他唯一留给故乡的呼唤,就是父亲对他梦想的肯定。
也许除了梦想,一切都并不重要吧。
在东野圭吾《解忧杂货店》的一章“深夜的口琴声”中,一个青年同样在梦想和现实中挣扎。
故乡有他该继承的老店,但东京有他该继续的梦想。
在人生的岔路口上,日益苍老的父亲同样对他说出了此片中柄本明饰演的父亲说出的话:回到东京,继续你的梦想。
从大的维度来看,代际的差异,如同传统与现实,古典与流行的差异一样明显而无奈。
子辈的梦想和生活方式已经不是父辈所能够理解和认同的。
但这又算的了什么呢?
在无奈中,在不可理喻中,不还是有爱与坚守存在么?
不还是有同样重量和热度的梦想与希望存在吗?
所以,无法理解彼此的父子两依然可以深爱的彼此,正如同样无法可拍的陌生人,也可以通过心灵的探索和言行的努力而成为一生羁绊的爱人一样。
这,也许就是所谓现代社会的本质吧。
无法理解重金属,不等于讨厌它或躲避它,无法理解顶着莫西干发型的浪子,不等于否定它或批判它,它代表着现实的另一种存在,正如你自己也是现实的存在之一。
包容,也许是此片除梦想之外的另一个主题,通篇父子之间,婆媳之间,陌生人之间,故乡和东京之间都没有争论,没有谁否定谁谁替代谁的狭隘的价值置换,我们看到了传统与现代间的相互包容,同时也看到了故乡与东京间的相互疏离。
而这可悲的疏离,不就是莫西干们所追逐的,遥远的梦想的距离吗?
驻笔。
大半夜跑到一个离家20多公里的地方去看电影是种什么体验?
回答这个问题之前我可能要说一个故事,好吧,虽然我看起来很像一个有故事的人,但关于这个电影,我这里真的没有故事,只有一个事实:就是这个电影的导演也是我近五年以来最佳电影《横道世之介》的导演,而作为我的电影节的开幕影片,我是直到出字幕了才知道这个事实的。
可以想象这是一个多么有意思的开始!
但这个电影并没有多少让人觉得有意思的地方,包括那个不少人还觉得有点意思的结尾,影片最为瞩目的应该是导演的原创剧本,但现在可能真的不太适合原创,这个剧本温存却缺乏力度,痴情却有失水准,本以为一个有着莫西干发型的主角会给剧情带来一些冲击力,没想到这个莫西干只是个表象,骨子里的日本人经不起任何刺激就原形毕露,我倒不是觉得这有什么不好,这跟文化有关,但凡扯上文化,哪有什么好坏之分?
既然如此,这个电影的剧情和标题都出现了反差,文不对题就是这个电影最大的问题了,不过这也可能是导演的个人风格问题造成的,这个导演所擅长的是没有主线和中心思想的叙事,是通过各种各样的细节给观众呈现一个美妙的电影世界,最大可能给观众制造想象空间,所以导演的这种风格比较适合像《横道世之介》一样的传记类故事片,而不是本片这种叙事类故事片。
片中有几处情节可以说明上面讲道的问题。
比如开始介绍男主身份的那一段,也是我看的最尴尬的一段,导演用了那么夸张的现场表演和散场聚会来说明男主的现状,完全摒弃了他所擅长的那种在小抿慢酌的剧情中不经意抛出的真相让人觉得舒服,那么赤裸裸的语言暴力如果在后面的剧情里出现了还好,但只是为了表现一个莫西干的身份就不用了,实在是感受不到冲击力!
还有就是设计了一个吹小号的男孩,这个设计在我看来实在的蠢,要么你就多设计几个这样的角色嘛,就设计一个,还偏偏跟男主之前是一个属性,你想让我说导演不是故意的都难啊!
你这样的来推动剧情的发展跟那些流氓电影有什么区别?
最后,也是可能产生争议最大的就是结尾的那场婚礼,据我观察,电影院里大部分人对这场戏是满意的,我却是越看越别扭,虽然这是导演非常擅长的“用你意想不到的方式制造一个你熟悉的场景”,但这样的方式在同一个电影里已经出现了两次了好吗!
四不过三!
是不准出现第三次的意思啊!
不是到第三次就可以啦!
我看着很尴尬有木有!
那些觉得还不错的人们,你们生活中难道很缺惊喜吗?
好吧,我感觉绝大多数人是缺的……接着说下演员吧!
可能就前田敦子这个角色有点问题吧,我非常理解一个前娱乐圈的女明星想进入电影圈的心情,也非常认可她这次以及之前好几次为了电影所做出的努力,但没天赋就是没天赋,时候未到就是时候未到,演的角色感觉不对就是感觉不对,在AKB这种地方尔虞我诈了那么多年你让她怎么去演好一个传统的日本姑娘?
至少现在还不行!
最后,我想说因为这是我最喜欢的电影的导演所拍出的新片,所以我的评判肯定比平时严厉很多,另外作为我的电影节生涯的开幕电影,我当然需要更加郑重一点,其实这个电影远比我这里评价的要好看很多!
非常适合那些喜欢日本的人去看,无论你喜欢日本的什么,都可以从电影中找到共鸣!
最后的最后,我想说,千万不要大半夜跑到一个你完全不熟悉的地方去啊!
松田龙平饰演的男主的角色设定是莫西干头的金属乐主唱,从开场的LIVE不难看出乐队的风格算是Death-Metal。
那问题就来了,莫西干头应该是朋克乐队的标准,和死亡金属其实是有点格格不入的感觉,这其实是全片一大令人失望之处(当然其实有点Grind-core的感觉,你要说朋克其实也没问题)。
全片除了片头演出结束后的休息室,通过乐手们聊玩乐队交不交得起保险金这一纯粹的笑点以外,并没用任何地下音乐人生活现状的展示和社会地位的探讨。
莫西干头纯粹成为了一个大众一看就明白的这人是“摇滚”的Logo,显得过于表面但又不符号化。
故事完全可以写成儿子不愿学音乐,独自离家去东京发展,成了一个默默无闻的小会社员,最后回乡和父亲修补这几年的感情。
这么写对情节推动和合理性几乎没影响,当然现在的剧本两代人都从事“音乐事业”一个是教育工作者一个是地下音乐人这一强烈的冲突本身就所具有强烈的笑料。
但这就是冲田修一啊,这就是我们热爱的冲田修一啊!
你是地下音乐人你生活苦逼又怎样,诚如《横道世之介》,生死在冲田修一的作品里都是如此的淡。
现实再残酷,生活还是要继续。
生活不仅要继续,还是如此的平淡,又是如此的脱力。
冲田修一重来不会和你控诉社会现状,也没有俗套的热血煽情,一切都是那么淡又是那么的搞笑。
我们不需要生的伟大,也不需要死的光荣,但如柄本明一样,能有如此胡闹的葬礼,也是为平淡脱力的人生画上了最美的终点!
题目是看电影是看到弹幕里说的,很贴切。
可以说它是喜剧,不是让你大笑,而是会心一笑,或者本该哭的时候笑出来了。
莫西干是一种发型,摇滚发型,第一眼看到这发型的时候也挺无语的。
这就是莫西干剧中他女朋友父亲都说过让他把头发剪掉的话,每次回答都是不行。
这让我想到了大张伟,我是大蜜先声明下,他曾说他头发的一撮染绿的头发是他最后保留的一点儿叛逆。
他曾说他们的头发不是杀马特,因为你看国外那些玩摇滚的都是这发型,我本来是不信的。
直到看到阿永对他发型的坚持,我明白了他们对与摇滚的热爱和坚持。
他们内心的朋克。
阿永因为女朋友怀孕想要结婚回到家乡,在这之前已经有五六年没有回过家了。
因为当时离开家的时候父亲对他说过出人头地再回来的话。
可是没想到父亲患了癌症,已经是晚期,手术也没什么用了。
父亲母亲都是十分可爱的老人,爸爸见到儿子回来第一句话是:原来你还没死啊。
当知道由佳怀孕又高兴地像个孩子,忙着通知一堆朋友亲戚来他家做客。
并且父亲也是十分热爱摇滚乐的,用现在的话说就是一个老迷弟,问他有没有什么想做的事,想了好半天,写下来是见摇滚偶像。
后来病情加重,变得神志不清,儿子为了满足他的让偶像看望他的愿望,cosplay可偶像,当时老头激动的叫了好半天,家人还以为他身体不舒服。
弹幕都在说,追星族都会明白那种感受的,老迷弟啊!
其中还让我印象很深刻的是一位女医生,她说她想谈恋爱,阿永妈妈问她,你多大了,医生回答,50岁了,然后两人哈哈大笑。
那一瞬间真的觉得很感动,说不上来的感觉,觉得大家都好热爱生活。
父亲是一个小学生乐团的指挥,说是乐团,一共十个人,只有一个男孩,吹小号的。
阿永小时候也是乐团吹小号的,我觉得他可能是受父亲影响喜欢摇滚乐也不一定。
后来父亲病情越来越重,乐团的练习阿永来指挥,打开手机免提,父亲躺在病床上用手机听,前半段还挺好,后半段直接成了燥起来的摇滚,差点没把病中的老头气疯,弹幕都在说这会把老头直接气死吧。
真的太多让人哭笑不得的场景。
这部电影真的很真实,很生活,从来不会因为癌症这个话题刻意煽情,要非得说一处,应该是买披萨那一段,那一段差点没给我笑死,但又很感动。
因为父亲说想吃披萨,因为六十大寿吃过一次带火腿的披萨。
儿子为了找到那种披萨,给那个地方三个披萨店订了全部火腿口味的披萨,本来人家是不送上门的,每说一个理由,阿永回答都是:我爸得癌症了。
接着就是三个快递小哥在船上相遇,彼此看着。
父亲也是骗了儿子,拿着其中一个猛往嘴里塞,说就是这个。
儿子唯一一次哭,是老头神志不清了,说了他离开家之前对他说的话,说了让他出人头地再回来的话。
剧中比较触动我的是老头对儿子说,让他回东京。
他说:被你这么温柔地对待,老感觉明天就要死了。
电影也没有掩饰老头对于死亡的害怕,也没夸大,反正就是生活中普通人的反应。
里面阿永曾对那个乐团小男孩说的一句话:虽然我们都知道父母有一天会离我们而去,而当真正面对的时候,还是不知道该怎么办。
整部电影就是生活缓缓流淌的感觉,笑中带泪,本来想哭的时候,那种生活的幽默又让你笑出声。
一只眼睛哭,一只眼睛笑,再贴切不过的了。
PS:电影的导演是冲田修一,还拍过南极料理人,横道世之介,都是一种风格,让人温暖。
作为近年来备受瞩目的日本导演,冲田修一以其自然不做作的叙事方式博得了大批影迷的好感,其中又以2013年的《横道世之介》成功圈粉无数,之后《去见瀑布》启用素人演员颇具胆量,直至本片似乎风格上又回到了导演之前的那部《啄木鸟和雨》,柄本明和松田龙平的组合形式也可以看做是役所广司和小栗旬这一对儿的延续。
有趣的是两部电影里都有明显的艺术元素,《啄木鸟和雨》是电影,本片是音乐。
这么一联想的话,导演2009年的《南极料理人》也是有“料理”这个基础元素起到贯穿全片的作用,这种主题的选择同时也为影片增色不少。
从叙事方式来看的话,冲田修一的风格更像是一种生活流,这和山下敦弘的百无聊赖还不太一样,后者是想表现年轻一代的精神状态,而冲田修一更关注的是人与人之间的关系,就像本片中父子共处的镜头一样,只是普通地在天台上抽抽烟,去山上扫扫墓,但能看出人物在为彼此的沟通做的尝试。
由此本片的主题也显而易见,通过父子关系的修复进而传递出回归传统家庭的渴求,就像结尾阿永说的“等我出人头地就会回来”,这无疑是个美好的回归信号,即便它有个“出人头地”的前提。
现如今越来越多的年轻人涌进了大城市,这种两地格局已成为定势,早在小津的《东京物语》里就描绘过这一现象,家庭成员间的疏离成了城市现代化的产物,小津在片中安插了儿媳的角色为这悲观的世界注入一丝善意,而这也是冲田修一借本片想表达的思想,在传统家庭的变形过程中保留下人与人相处的善意。
其实本片的主线相当俗套,在东京混不下去的儿子带着怀孕的女友回乡探亲,不巧老父身患癌症,儿子逐渐卸下冷漠与父亲修复了关系。
冲田修一这个原创故事在新鲜度上确实欠奉,照之前《横道世之介》的娓娓道来要差上一些,好在导演在人设上制造了一些冲突,留着莫西干头的儿子与闭塞小岛间构成了强烈的对比,同时折射出大城市与边缘城镇的文化隔阂。
松田龙平的造型也是颇具喜感,尤其在婚礼上莫西干头配西装有着说不出的违和感,除了提供笑料外,儿子的朋克Look自动营造出了叛逆与冷漠的印象,其实私下里不过是个种种香菜的颓废青年,这种内外之间的反差在时下很多年轻人身上都能窥见到,表面不羁实则没什么主心骨,一如片中老父问儿子靠什么生活时,儿子承认是靠女友赚钱养家,老父听完大为光火与儿子厮打起来。
导演借儿子这个角色表达了对部分年轻人怒其不争的情绪,但对追求梦想连医保都缴不起的他们来说又保留了一份宽容,究其背后的症结还是整个社会的问题,阿永这样的年轻人更像是时代洪流下的牺牲品。
跳到父亲这个角色,柄本明演绎的顽固老头十分出彩,甚至是抢了儿子的风头。
与传统印象里固守陈规的老爹不同,剧本里安排父亲是个摇滚乐迷,空闲时间还会指挥中学交响乐队演奏,从他们家杂货店里挂满摇滚明星的海报就可见其痴迷程度所非一般了,甚至在其弥留之际的愿望还是见偶像矢泽永吉一面,儿子为了满足其心愿假扮矢泽这又是后话了,但这个小桥段的确承载了满满的温情,尤其儿子也被取名为永吉,父亲对儿子的希冀以这样巧妙的方式实现了重叠,同时这种音乐血脉的传承也令人感动。
不得不提的还有交响乐队这条线索,我本以为片子会发展成儿子代替父亲指挥交响乐队并取得优异成绩这样的励志路数,但显然冲田修一并不想做成热血式的亲情,再说同类型题材矢口史靖也拍过了《摇摆少女》,所以这个乐队梗只是被有限地利用了几次。
最为动人的一段要属父亲在医院天台隔空指挥学校里的乐队演奏,不顾孱弱的身体纵情指挥的样子很痴迷,至于儿子带班指挥那段则是年轻人的个性彰显,老少两代喜好的音乐类型不同,但都投入其中自得其乐也算是一种音乐基因的延续。
在经过一场啼笑皆非的婚礼后,老父离世,儿子也带女友返回东京,生活仿佛没什么改变,小人物的走走停停因为有了亲情作为后盾有了别样的意义。
《颓败与重生》的书封上写着“这个世界很有趣,年轻人颓靡于喧嚣”。
老年人渤发于缄默。
在这里不知道为什么我体验到更加确切的老年人的生之渴望,老爸的碎碎话语还有指导学生吹奏以及想看到儿子的婚礼前那一夜看到偶像的哭吼,都带着自己不愿离去的生。
松田龙平花哨的朋克莫西干头却带着不多的话语,吻合了喧嚣中的颓靡。
可能是我个人因为看过《颓败与重生》后的自我强行缝合,但是真的恰到好处的类似。
病房结婚里前天墩子的婚纱和旁边领路阿姨的日式穿着成了一个经典的画面结构对比,也带着欧美和东方审美的融合。
前面类似的镜头在松田龙平领导吹奏部排练就有,吹奏部本身属于父亲旧时代向往回忆的产物,但是龙平的指挥是独自一体朋克乐队的节奏,新时代的冲击到来融合旧时代的回忆诞生了最后不同双方模式的美妙大融合。
看后半段的时候脑海中一直浮现着“生与死的大融合”“生死之间模糊的界限”,明明父亲即将死去可是龙平却淡然让父亲写下想做的事,周围的亲人护工却在一旁抒发自己对向往事情的美妙想法。
在濒死之人旁道出的“我想恋爱”“您多少岁了”“五十岁了”,这一幕的喧嚣带给我的喜悦尤为明显。
父亲在医院躺着濒死无反应,儿子为了满足父亲愿望举办的婚礼父亲却无法唱诵赞词;外面瓢泼大雨へや里面却是传统日服和西装革履的人一同唱诵耶稣的祝福乐章……美妙和戏谑在这部电影里面都有体现,踏往彼岸之途前对生的美妙喜悦的吼叫真是,真是太好笑了哈哈哈哈哈哈哈哈。
日本有许多以“死亡”为背景的家庭题材电影,它们以温情、平淡、嬉笑、深邃等为外壳,构成独特的美学内核。
你可以说这是日本人对待死亡时惯有的超脱和淡然,也可以理解为他们对死亡的某种迷恋。
在是枝裕和的《步履不停》和《幻之光》中,死亡是萦绕在影片中幽灵,它既迫使主人公们停下脚步,又敦促他们砥砺前行,这一停一行之中,道出人生的变幻与真谛,他的电影是这类主题的典型代表。
但在今天要介绍的《莫西干回到故乡》中,同样伴随着“死亡”的主题被“装扮”成了更加可爱的样子,在被贴上喜剧标签后,故事的背后不再是难以触碰的生活哲理,而成为了一段嬉笑怒骂的欢快之旅。
古怪父亲与叛逆儿子间令人啼笑皆非的冲突与言和,带出隽永的家庭温情。
而当这一切被放入到一个世外桃源般的小岛上时,就显得更加亲切。
影片出乎意料地以一场“有预谋”的婚礼闹剧作为最后的高潮,但喧闹之后随即又以平静的基调作为结局。
这场从离开都市到再次回归都市的归乡之旅,犹如一锅以温情为主味的烩面片,父子牵绊、婆媳逗乐、小岛淳朴人情等元素飘香四溢,它们缓缓沸腾着,越熬越浓。
哀·乐本片中父子间的冲突并不是推动故事发展的主线,反而成为笑料的来源。
在外多年的叛逆长子带着儿媳归家后,父子隔阂未解,即要面对父亲癌症晚期的现实,这个看似麻烦的哀伤局面,却因这对父子间古怪的情感牵绊而变得有趣起来,观众在欢笑之间,被悄悄灌入鸡汤。
父亲入院后的各种心愿,婆媳间逐渐深厚的情谊以及男主在对待家庭与未来生活时渐渐清晰的态度,都在推动着本片走向最后的高潮——一场在荒诞与喧闹中进行的别样婚礼。
影片的“哀”短暂而逝,导演常用冷趣味来掩盖那些矛盾与艰难话题。
比如在父亲询问自己是否患癌时,临床的两声响铃和沉默地儿子与儿媳形成尴尬的“冷场”;以及父亲在得知儿子吃软饭时地愤怒与之追打,随后他在一阵疼痛无比的挣扎后,却立刻开始欢喜地打电话呼朋唤友,一场盛大的欢迎聚会忽然来临;以及后来为了完成父亲“记忆里的披萨”心愿,儿子同时叫来三家披萨外卖的设置,都是本片用“乐”来掩盖“死亡”的哀。
父·子或许可以说这是一部欢乐版的《步履不停》,同样是儿子带着儿媳归家,面对同样倔强的父亲。
期间有着儿媳向母亲学习烹饪;父亲对事业/爱好的执着;父亲与儿子步履前行,前往墓地祭拜等等相似构成。
但比起是枝裕和的温吞与冷峻,本片则更为简单明快,最后的回味虽有不足,但观影过程轻松愉悦。
儿子的莫西干发型与家乡的平静形成强烈反差,朋克金属嘶哑的怒吼似乎在这里无法宣泄,加之松田龙平自带的冷漠脸,和苦瓜脸父亲一起营造出一种冷冷的喜感。
而父子间虽磕磕绊绊却不断缓和的关系,让影片一步步走向圆满。
父亲也有着同样叛逆的坚持,他执意让中学的管乐队吹奏自己偶像的曲子,这种顽固其实也是他心中的那个“莫西干”。
从这点来说,父子俩其实在情感上彼此相通,只是碍于面子而故作高傲。
父亲在医院的天台上指挥对面学校楼顶的乐队,当他陶醉在这样的状态里时,我们却看到了他身上的孤独。
亲情的融合终能抚平生活的噪点,“莫西干”从失意的东京归乡,经历一次不得不面对的亲情考验,当他终于褪下倔强的伪装,和父亲握手言和时,也有了重新回归的力量。
一个和本文没什么关系的段子:说,大张伟小时候嘴特贫,经常被学校的混混们按在地上摩擦。
每次大老师都是被打到讨饶:疼疼疼,再也不敢啦!
然后撒丫子一溜烟儿跑到安全范围,消失在胡同拐角之前探过头,食指呈抛物线状从下巴颏弹出,不忿道:我CNMB!
老子还敢!
据说这是大老师“真朋克”名头的由来。
今天介绍的不是北京的朋克大张伟,而是东京朋克永吉。
也就是今天这部《莫西干回到故乡》。
故事很简单:在东京难以维持生计的摇滚歌手永吉因为女友怀孕要回乡探亲,期间父亲不幸罹患癌症,感情隔阂多年的父子在懒户内海的小岛上演了一出平实幽默的小品剧。
这故事怎么看都感觉像是《东京物语》的“镜面”版——一部是父母去东京看子女,一部是儿子从东京返乡看父母,期间都是父(母)亲患重病,背后都在探讨架构在城乡文化隔阂下的亲情关系。
不同的是,大师小津的笔触更加细腻平实,除了表现人道价值外,更用坦率和清晰的手法反映出整套的生活哲学。
现年还不满40岁的冲田修一显然达不到前辈的高度,但是凭借“再黑暗的故事也要以喜剧的方式来展现”的风格被誉为亚洲的韦斯-安德森,后者代表作《布达佩斯大饭店》堪称悲喜剧的经典。
从另外一种角度也可以说,这是冲田修一对从小津安二郎到山田洋次所确立的“庶民喜剧”风格的传承和开拓。
故事的开篇是永吉的乐队在livehouse里面的演出,台上嘶吼台上狂欢,身处东京的年轻人把平日生活和工作的压抑一并宣泄。
和台上肆意的重摇滚风形成鲜明对比的是,乐队成员下了台之后平静地抽着烟各怀心事:贝斯手在担心自己的养老保险金,电吉他手觉得在居酒屋打打工也挺稳定,而主唱永吉被问到有什么打算时依旧一脸茫然……现实的窘境让心怀爱与自由的朋克青年不得不收起反叛的触角,回到故乡似乎成了不得已的后路。
这不是冲田修一第一次在电影中讲述大城市的年轻人追寻理想与接受现实的困境。
在今夏Netflix出品的日剧《火花》中,冲田修一就导演了其中的第5、6集。
这剧的主人公是一位漫才艺人,同样在大城市艰难讨生活。
10集剧情,一集一年的设定,冲田导演的这两集正好是主人公面临转折的时期:比自己晚出道的后辈已经崭露头角,而自己和搭档还在默默无闻。
“如果对你想做的事,你拼尽全力的努力仍然要面对失败,你会怎么办”?
导演在镜头背后默默发问。
永吉回到阔别6、7年的家乡——濑户内海的小岛。
父子之间的嫌隙并没有随着时间缓和,当父亲知道永吉在城市中靠女友养活时大为光火,顺手拿起刚摆上桌的水果就朝永吉砸过去,儿子愣了一秒然后以相同方式回击。
父子间第一次冲突相当激烈但并没有朝着尴尬发展,刚刚还追着儿子满屋跑的父亲,下一秒就拿起电话通知邻里:(儿子回来啦)要开宴了,都要来呀!
严肃的悲喜剧,生活细节的戏剧化处理,冲田修一用最擅长的方式细细缝合着父子之间的裂痕。
中国20世纪末有部片子叫《洗澡》,导演是同样擅长处理父子关系题材的张扬。
两部电影无论从结构还是表达方式都有类似之处。
在看重亲族关系与家庭伦理的东亚文化语境中,“家庭”成为人们获得身份认同和情感支持的“轴心场所”,而城市化进程不断冲击着依附于乡土的传统“家庭”观念,父子之间的情感纽带变得更加敏感脆弱。
父子间的激烈冲突实际上是城乡隔阂的外在表现,这种带有社会意义冲突是不可完全抚平的,所以无论是小津安二郎还是冲田修一、李杨,都在片中安排了“父亲病重”这样的情节,以节奏线的跳动来过渡到情感线的平稳。
回到本片中,父亲的角色设定是个摇滚迷,甚至儿子“永吉”的名字就是取自偶像“矢泽永吉”,但是父亲在儿子身上种下的希冀并没有结果。
父亲在岛上的学校教孩子们交响乐,在重病住院之后坚持跑到楼顶隔空指挥的段落让人想哭又想笑。
矢口史靖的《摇摆少女》,三木孝浩的《唇上之歌》,日本战后的国民教育带动乡村教育,而音乐绝对占据了相当的比重,受此影响成长起来的年轻日本导演对于交响乐似乎有种偏执的爱。
随后儿子代替父亲指挥,用摇滚方式演绎交响乐,病榻的父亲听得老泪纵横,大呼:就是这样!
另外一个点睛之笔是,儿子在晚上假扮“矢泽永吉”去见父亲,完成与偶像见面心愿的老父又喊又叫,快乐得像个孩子,音乐成为修复父子关系的隐藏纽带。
父亲的饰演者柄本明这两段爆表的演技简直要溢出了屏幕。
故事结尾,完成bucket list的父亲在儿子婚礼上以一种荒诞的方式离去。
儿子和儿媳坐着船离开小岛,永吉靠在怀孕妻子的肚子上倾听胎动。
朋克青年归乡又离乡,亲情疏近流转,代际和血脉依旧延续着。
无论身在北京还是东京,无论家在乡镇还是小岛,每一个在外漂泊的年轻人都会遇到驻守和回头的犹疑和彷徨。
希望冲田导演的这125分钟,能让你在欢笑中有体会另一种选择的可能性。
就像河濑直美曾经说过的那样:电影是风,电影是光,电影是走在我们前面的人。
故事仅仅局限在一个普通却特别的家庭里,从永吉带着怀孕的女友刚回家开始,父子之间所带有的城乡隔阂就造成了激烈的矛盾。
不过所有的愤怒与争吵都被冲田修一用戏剧的喜剧手法冲淡地不至尴尬。
一事无成又叛逆的永吉,任性又不够贤惠的由佳,融入到这个大家庭里以后,经历着伤痛与温情,永吉由最初的叛逆渐渐变成体贴父亲的儿子,由佳也在磨炼中成为合格的母亲、媳妇。
纵使治最终在一场近乎闹剧中逝世,不过每个人似乎都得到了新的开始新的生活。
冲田修一将喜剧变成悲剧的脉络,又将悲剧变为喜剧的开始。
冲田修一将悲喜交叉,在压抑着银幕的感情的同时却让观众的内心产生混合的化学反应。
影片的发展也以父子关系的发展为一条基轴,从一开始的水火不容互相看不对眼,到儿子为了父亲用尽一切办法找披萨,父亲为了儿子强装吃到了想要的披萨。
当父子关系逐渐升温趋于缓和的时候,也暗示着因父亲病情越来越重唤醒儿子对父亲内心最深处的尊重与体谅,父亲也不再有往昔的生命力与儿子均衡对立。
父子关系因一场悲剧不平衡,却产生了喜剧一般的美满效果。
治拖着病重的身体指挥训练时,治以为见到最爱的偶像后夸张地大叫时,治的病床在众人目瞪口呆中撞门时,究竟该喜还是该悲?
冲田修一表现着悲喜,也表现着悲喜之间和谐又密切的特有联系。
想哭来着可赶不上被每次被逗的大笑,不是不煽情,而是悲化做喜后给人带来的感伤
松田龙平本人
太白开水了,就算拍简单生活也 not an excuse。小器。
柄本明演的太好了!简直想要站起来为他鼓掌,松田龙平的气质现在已可以融入任何类型的电影,上一秒还是安静如鸡的词典编辑,这里就立马成了嘶吼的摇滚歌手,且丝毫不违和。相比之下,前田敦子某些段落真心尴尬。非常典型的日式描述死亡的方式,清淡不煽情。但却是冲田修一的片里算是目前最无感的一部。
看过
冲田修一啊~这两年日本电影中最崭露锋芒的导演了,闪闪发光。
最后婚礼那场戏还挺赛博朋克的
“你这样对我好,会让我觉得自己是将死之人。”
有些我可能不理解的不代表着这个事就是有问题的,但确实不喜欢,不理解的笑点和哭点,
生老病死也不过日常。
3.5吧 多出的半分都给柄本明 冲田越发地段子手了 碎片化 主线里关键的小男孩都没啥水花 甚至更爱去见瀑布 乐景哀情节奏轻重倒总是抓得到位 人生悲喜不过是晴雨天 余命让人无法回应那份温柔 抬头那个男孩恍如昨日
冲田修一编导(《横道世之介》、《南极料理人》)。淡淡的岛国渔村味儿,没有过多夸张冗余的情节和情感,轻松欢乐的送终故事(喜欢这种态度,极度反感某厉害文化苦大仇深的戏精表演),前田敦子演得自然生活,比同年在《咕咕是一只猫2》里用心多了。
男主带着怀孕的女友回到家乡,父亲却被查出癌症晚期。死亡与诞生的征兆同时存在着,故事中的角色们日常依旧。最后用婚礼迎来的父亲死亡及再次的离去,不过是人生的不断在重复的情节。生死也不过是这样的轮回。比较无味,快进看完。
日本厌老、弃老的风气这么严重,就不要在电影里面装太平、扮温情了,看着尴尬!
几乎无剧情,坐船送比萨那段还比较搞笑。
日式温情剧处处细节的精致 + 莫西干死亡摇滚葬礼变喜剧的粗线条
没有那么大的冲击 倔强的不够
很早的时候在瞎看什么上看到的,便对这部片有了兴趣,当然为了更好的观影体验特意隔开段时间。印象中看短片的时候笑得前仰后翻,现在看正片却兴致乏乏,很多时间只是觉得里面的人物有点莫名其妙。
元ace其实可以的,已经够努力惹 就知道辣鸡霓虹电影要惹我哭QnQ
很日式很奇怪的笑点和泪点,末尾还搭一点黑色小品的调调。生死在冲田修一手里总是很轻,轻到只剩一个弟弟递过去的盒子——“我放了一点老爸在里边”。