我在中国做电影

影迷的记忆，就是光影世界与现实生活之间的“任意门”。

提到雨，会想起《影》中墨色氤氲开的山峦长亭。

提到竹，眼前翠色无垠，玉娇龙与李慕白在林巅遥相对峙。

提起雪原，回忆中冰封千里，运输车静默前行，凌万顷茫然。

美而隽永。

1911年，乔托·卡努杜宣言：电影即是艺术。

可有多少人留意过，艺术背后的雕琢——职业：摄影师存在感：★★☆☆☆话语权：★★★★☆重要性：★★★★★说到美，院长首先想提一个人——张榕容。

《妖猫传》中，杨贵妃回眸一笑百媚生。

这个镜头，院长至今想起，还能记得自己在影院内咚咚的心跳。

不知多少人自此之后，对张榕容多了层女神滤镜。

直到《从前有座灵剑山》开播……

这妆，这脸，这神态。

姐姐，你是谁？！

滤镜与少女心齐碎，以至于大家开始议论纷纷：陈导的镜头是什么美颜相机吗？

现在心心念念的问题，终于有答案了！

调教演员，绝对是陈导功劳。

但说到「美颜效果」，还得归功于摄影师。

纪录片中，曹郁对这一经典镜头进行了小科普。

张榕容面上的光，首先来源于拍摄时，道具灯笼的光：

此外，为照亮脸庞，摄影组又准备十几根蜡烛，放在张榕容的侧脸和脸下。

接着，借助LED灯带，突显面部光泽，塑造轮廓。

最后还要用小光源特图利灯，专门打在演员的眼睛部分。

四种不同光源协作，听起来已经够复杂了？

图样！

对曹郁来说，光源再多，只要保持固定，依旧无法拍出人物的鲜活，体现极乐之宴的梦幻之感。

片场照于是实际拍摄过程中，他自己操纵调光台。

在演员抬头与低头之间，不断调整灯光亮度，最终形成流动的光影效果。

贵妃抬头时，灯光由暗转明，她是大唐极盛之时开放的富贵之花：

低下头时，灯光又从明到暗。

无论多明艳的鲜花，总有凋零之日。

无论多鼎盛的王朝，终有败落之时。

为一个不到十秒的镜头，付出如此多思虑和努力。

如此，才成就我们看到的经典一幕。

所以，网剧里的王舞和电影内的杨玉环，演员虽是同一个，但给人的观感注定无法相比。

不必手术刀，光影便可为她“整容”。

当然，拍电影也要因地制宜。

《妖猫传》的瑰丽流动，是建立在故事本身虚构的条件下。

像电影《可可西里》，摄影师的着重点就不再是人为修饰，而是如何呈现自然本身的壮阔与震撼。

《南京！

南京！

》则是用传统单光源，展现面部雕塑感，呈现人物力量感：

除去打光，一名合格的摄影师还需统筹整体画面。

比如先听旋律，再设想情境，最后付诸实际拍摄：

还必须具备对绘画的了解，能够从名家画作中汲取灵感。

如《妖猫传》的蓝绿色运用，就是受蒙克启发。

毕加索则是《八佰》的色调缪斯：

管打光管拍摄管调色……看纪录片之前，一直以为电影画面好看全是导演一人功劳。

看过才知道，摄影的功劳，一样不能少！

职业：特效师存在感：☆☆☆☆☆★★★★★话语权：★☆☆☆☆重要性：★★★★☆提到特效，第一时间能想到的肯定是科幻或玄幻类作品。

特效做得好，绝对是片方剧方搞宣传的一大利器；特效做得烂，首先要被观众喷到自闭。

存在感十足，堪称业界脸T。

然而有多少人在意过，很多我们认为“实拍”的作品，也都少不了特效的功劳？

最简单的就是擦威亚，修复不可抗力导致的穿帮：

像《如懿传》的荷花特效，一看就是钱没给够的亚子……

复杂一些的，就不大看得出了。

如果事先没看过相关花絮，大概很难发现，《一出好戏》中的沉船竟然不是实景，而是100%特效制作。

《邪不压正》里的外景戏，乍一看，不都是实拍吗？

顶多给演员擦个威亚啥的。

然而……全部！

都是！

特效做哒！

偌大的北平城，是视效团队研究过12000多张老照片后，用技术手段进行的复原。

6000栋房屋，超过12000棵树木……都来自特效制作。

为保证比例正确，还要记下各式建筑的三维数据。

导演如影随形，时刻抽查，确保准确。

与摄影师相反，特效师在剧组的话语权并不大，基本都是按照要求做事。

那么为啥有些最终成品是《流浪地球》，有些变成《幻城》呢？

《幻城》你看，特效制作其实非常吃成本的职业，场地费、电费、工资……分分秒秒在烧钱。

所以说，5毛特效的锅，还真不在特效团队身上。

说不定，人家赚到的只有五毛呢？

职业：声音指导存在感：☆☆☆☆☆话语权：★★☆☆☆重要性：★★★★★眼见为实，耳听为虚。

对大部分观众来说，看电影，主要还是“看”人物、剧情、画面。

声音方面，大多数人也只会注意演员台词功力如何，插曲是否好听。

那些火车驶过的隆隆声，市场里嘈杂的人声，暴雨急急坠地的声音，似乎与场景浑然天成，从不会有人留意。

事实上，我们感受到的浑然一体，是很多人在幕后刻意为之的结果。

譬如《影》中，角色在泥水中奔跑的声音，就是拟音师穿着塑料袋踩出来的：

角色被一刀捅穿的场景，注定不可能采集到真实音效。

我们最终听到的血液声，其实是拟音师用刀捅穿模仿鱼鳔做的肺部：

《影》的绝大部分场景都在下雨，雨声也是电影中时间最长的BGM。

但和我们常听的白噪音不同，《影》的雨声不只是单纯一段雨声素材，而是用全世界所有雨声素材进行混音。

同时，只要外边在下雨，团队就要去外边录音。

不同场景混不同的音，少则三十多轨，多则五六十轨，才能做到完全符合情景，使观众不会出戏。

给整场电影做完声效，声音指导也快被摧残出抑郁症了……

和摄影一样，做音效也需要想象力。

摄影师能根据一段音乐，设想出实际镜头该如何拍摄；声音指导则是看到一个场景，在无声的世界中想象声音，最后选出五六种主要的，再实际操作。

悲哀的是，技术在进步，声音更加逼真，声音指导的话语权却在下降。

据赵楠所说，过去的电影主要以同期声为主，录音师觉得哪里声音太杂不适合拍戏，剧组就要当场另换地方。

而如今所有声音都可以后期制作，再没人去听声音指导的话了。

并且，也鲜有人还会去关心，他们为电影做出的努力与贡献。

纪录片共五期，分别从美术、声音、特效、摄影、配音五个方面，讲述电影幕后制作的不易。

近几年来，美术和配音的存在感高了许多，院长在这里就不再详细介绍，感兴趣的可以去B站看下原片。

难得的是，片内没有一直吹嘘国内的制作技术，而是坦言与国外的差距。

差距之一在于重视程度。

如赵楠所说，《罗马》为什么混音混得非常完美？

因为人家用了四个月。

而国产电影音效制作周期，最多不超过20天。

国外在声效方面分为两种职业：混录师，声音指导。

而中国只有一种声音指导。

分类后，人员专业性变得更强，加之薪资福利很好，人员在长期培养能变成人才，术业有专攻。

国内则是一个人干百种事，干活儿速度虽快，可要达到“精”的程度，难。

差距之二在于技术底蕴。

中国电影发展较美国实在差太多太多年。

从微缩模型到数字三维软件，美国的特效之路是一步一个脚印摸索出的，理念自然更加完备。

而中国尚处于探索阶段。

片中更直言不讳地表示，灭霸那种表情精度，国内目前是无法做到的。

至于阿丽塔的技术，就算拿给我们，也不知道该怎么用。

这就是底蕴差异，非单纯人力财力能够弥补。

如果问我在这部纪录片中看到了什么，有电影幕后制作的科普，有业界大拿们的名字，有我们与国外的差距。

但最重要的，是我看到了电影幕后制作人员的“匠心”。

透过纪录片，你能轻易从受访者的口中感受到，这些幕后人员的工作是多么辛苦。

做音效的，每天关在混音棚里，一关一整月。

为了耳朵不受伤，回家看电视剧都要静音。

做特效的，基本就是睡在公司，有时四五天都睡不上一觉，好不容易回家还要跟进镜头进展。

做配音的，有时一句台词就要改上四五十遍，进棚一录录上十几个小时。

可往往他们的回报和付出相比，只是沧海一粟。

人们看电影都是冲演员，冲导演。

看完电影各种被夸的，也多是演员和导演。

有多少人在意正片结束后，黑屏上密密麻麻的名字呢？

观众不重视，行业内也不重视。

不好好取景而指望后期音效、特效，演员台词不过关只能仰赖配音演员，历史片不注重文化底蕴，只想赚快钱……就像叶锦添老师所说，资本只想要收益，不在乎电影未来该怎么走。

可这些默默无闻的幕后人员，仍在努力。

不止是敬业，更是热爱。

热爱，推着曹郁在看过《末代皇帝》后，学着用摄影机进行拍摄。

热爱，促使叶锦添辗转港台、国外，将看到的一切吸纳为他想呈现的东方视觉美学。

热爱，让赵楠在长久的孤独中能够自得其乐。

这种因热爱而执着，接近于匠人的精神，通过他们平淡又有力的讲述，深深感染着我。

目前《我在中国做电影》在B站有45万播放，实在算不上高。

因此我想将它安利给更多人，让大家知道，一部电影背后，其实有无数人在为此努力。

愿影片结束后，我们是为那些名字，而不只是彩蛋而停留。

中国电影的未来少不了他们。

我将永远保持尊重。

非常值得去看，哪怕并不从事电影行业。

用一句话概括的话就是这样。

是从或许有一天能够把我一个人度过的幻想时间呈现成画面的时候开始觉得世界轻盈，我将永远对此热忱的，电影是造梦的艺术，可造梦是完美的苦役，你要在无数次找寻中去寻找契合的点，也要成功到达那里，是赵楠听了一天又一夜的雨声，也要甘于寂寞，知道天赋的终点，是始终对自己葆有期待的曹郁，热爱就是在经历了无数次自我怀疑的磨损之后，仍然坚定的重来，电影迷人的地方就在于一段经典画面的制作之所以动人让人镌刻在内心深处的情感记忆里，其实因为来源于多重感官的建构，不能否认每一个细节的精益求精，曹郁讲的和王家卫角力也非常有意思，不同的审美碰撞能产生更多的有价值的思考，纪录片里没有对当下电影行业的产业结构和发展历程进行过多的延伸，或许受制于时长，如果说每个人做的一切都是为自己想要的世界投的票，我永远相信中国电影的未来可爱光明，我也永远为它热泪盈眶。

关于电影，我们可能了解的最多的是演员的演技，剧情的好坏，但电影的背后，还有更多我们看不到的东西。

—— 知其然知其所以然关于摄影，那么多厚重的东西，看了纪录片，感觉自己充实了不少。

不再那么虚无缥缈。

1.对于摄影其实有些共鸣的，只不过曹郁有能力，同时在执着，他的圈子也都是一类的人。

同样是普通人追梦，作为一个普通摄影爱好者，我学到很多。

在现实中，更多事情上，也许有阻碍，但希望我们内心能坚持初衷。

❤️2.关于拟声一直很佩服这种人，所有声音全靠想象。

真的是很有创意的工作。

但是，也了解到这是一份孤独的工作。

3.关于特效没那么简单，越来越相信艺术来源于生活，高于生活。

一步一步，不可缺少。

4.关于服装道具如果用心去准备，那得多么复杂的工序，多么深厚的知识背景，同时也是可以学习充实自己的过程。

5.关于配音百变音色，声音的魅力。

如果我能够学一点皮毛，哪怕是用丹田发声，保护好嗓子也行啊！

以前看电影只是看个故事情节，不会把注意力放在电影的制作上。

看了曹郁的记录片之后才发现一部电影的制作是多么地不容易。

哪怕是一个镜头，一个画面都是要精心制作的。

光与影的运用也不仅仅是打个光那么简单，自然光、人工光的巧妙利用，光的流动等都是要一步步计划好的。

电影的制作还需要制作人具备基础的美术知识，学会科学地利用色彩，如互补色的利用。

当然一部电影的制作，不仅仅是摄影师的工作职责，它还需要演员、导演、后期等的协调与合作，他们互相之间达成一致才更有可能制作出一部好的电影。

当然在制作电影的过程中，真正热爱电影制作的人也在实践中慢慢进步，在制作电影的过程中收获快乐，发现新的世界，得到心灵的慰藉。

看了赵楠的纪录片之后才发现原来电影中的声音的制作过程是这么复杂，我们听到的下雨声可能是拟声师们从几千条音轨中挑出来的，可能是从他们收集了无数个雨天的声音中挑选出来的，我们听到的打斗声是由很多中不同的工具共同产生的……拟声师们的工作不仅仅是制作出与电影中的画面相符合的声音这么简单，他们还要具备一些专业知识及其他通识。

如他们需要知道多少赫兹的声音可能会使人产生害怕的情感，他们需要知道每个城市的特点是什么，并据此制作出每个城市的特点声音。

拟声师并不是毫无感情的电影声音制作工具，他们是感情的传达者，他们制作的每个声音都包含着自己内心的感情。

看了特效、叶锦添和阿杰的这三个视频之后更加体会到制作一部影片的不易。

从前我们总是说“五毛特效”，由于成本、技术等原因我们国家的特效确实没有国外的发达，但我们也在慢慢地进步，努力做出更逼真、更有效果的特效。

我们的电影中也巧妙地融入了中国特色，影片一件不起眼的衣服、一个不经意的礼仪动作也许都是中国文化的表达。

许多人认为配音演员很容易，但其实不是这样的，配音演员也是演员的一种，他们赋予角色以更强的生命力，信息的传达、感情的表露都可以靠配音演员来进行。

从前以为一部电影只要演员表演好和摄影师拍好就可以了，现在才明白一部好的影片是很多因素相辅相成的，不只是说一个方面出色了就是一部好的影片。

摄影、拟声、特效、配音、美术，还有它所包含的文化等各个因素缺一不可，而电影制作过程中的每一个工作者不是没有感情的电影制作机器，他们所懂得远比我们所想到的要多得多，他们对电影也是投入了自己的感情。

电影的制作过程很复杂，一部电影的制作不容易，一部好的有质感的电影更不容易，向真正热爱电影制作的人怀着满腔热情继续从事电影制作的行业的人员致敬，希望我们也能坚持从事自己所热爱的行业。

某一公众号推荐了这个微纪录片系列《我在中国做电影》，看完之后失望大于期望。

系列片选了幕后的五个工种——摄影、录音、美术、特效、配音——的代表人物，做成了一集不超过20分钟的微人物采访片，主要介绍了电影幕后、技术构想、个人经历以及工作现状，缺点是对中国电影的幕后挖的不深，对工种情况的介绍不全，人物只鳞片甲勾不出全貌，或许因为时长太短、或许不同编导的风格未统一、或许没有找到观众想要看到的东西，看完并没有像名字类似的《我在故宫修文物》（估计也是套用这个名）让人感动。

但系列片的风评不错，一来由于大家的电影情怀，二来聚焦到导演演员大腕之外的幕后功臣，让观众对电影的幕后有更多的了解。

电影光鲜的背后，有太多的无奈与牺牲，只是不为外人道而已。

像片中赵楠说现在录音越来越不受重视，根本没有时间去精心打磨一部电影的声音，这跟电影市场的火爆与急功近利的态度扯不脱关系。

我想，编导选取的虽然都是圈内各工种的顶尖人物，但还有更多籍籍无名的电影人也在为中国电影而努力，这些平凡人的视角或许可以代表中国电影的大多数，像68岁的香港茶水姐杨蓉莲就应该有很多故事可以挖掘。

系列片的结尾说，“献给为中国电影默默付出的每一个人”，希望那些真正默默无闻的电影筑梦人也能进入编导们的法眼。

第一季《光影统治者》—曹郁《妖猫传》、《可可西里》、《南京！

南京！

》 《摆渡人》 《八佰》摄影爱好启蒙，大学进修到后来合作大导演大制作，拿奖，因为热爱不断努力精进，“和大师比，作品还是太少了。

” “我只要比上一部作品有进步就行。

”最近看影视作品开始留意光影，自然的片子就用自然光给观众震撼（《可可西里》，虚构的故事片因为故事本身不真实就不用太在意打光的真实性，人物出场脸上打了四种光《妖猫传》，每一帧都是精品。

中国电影的有些电影光影技术在线，但是无奈编剧和演员总是让我免不了绕道走。

对于全世界的影迷来说，电影业迎来了至暗时刻。

原本定档三四月的好莱坞新片，撤了大半。

《新变种人》《鹿角》《速度与激情9》《007：无暇赴死》《比得兔2》《寂静之地2》……就连曾倔强表示北美档期不推迟的《花木兰》，也在名单之列。

受疫情影响，电影院的缺席似乎成了常态。

这也是咖爷觉得最遗憾的一件事。

你还记得上一次去电影院是什么感受吗？

看到烂片，或许气愤至极中途离场，捶胸顿足质问自己为何不用这票钱买杯奶茶；看到好片，或许呆坐原地良久，灯光亮时恍如隔世，不愿回神。

而正常情况下，我们都是在正片结束时就匆匆离开。

对于电影的喜怒哀乐，也会随着时间淡忘。

因为对我们来说，故事结束了，电影就结束了。

更不用说，把那一行行的演职员表，也当作是电影的一部分。

比如摄影，比如灯光，比如声音，比如特效，比如美术和服装……通常情况下，这些演职员表上快速滚动的名字是没有观众的。

而最近，有一部纪录片把这些容易被忽略的人，从幕后拉到了台前——《我在中国做电影》。

不得不说，这个名字真的相当像《我在中国修文物》。

同时呢，这个“做”字用得很有意思，许多人会问为啥不叫“我在中国拍电影”？

因为“做”包含的内容更多，除了拍，还有听、写、画……这些加起来，全都是“做”。

由时光网出品，米若羲担任导演，她本人也是时光网内容中心高级总监。

纪录片一共五集，每集14-18分钟不等，短小精悍，非常适合网生一代观看。

内容聚焦于，摄影、声音、特效、美术、配音这五大电影的幕后工种。

每集请来一位或一组当今中国电影行业内的标杆人物，来讲述关于他们的工作。

这类时长在20分钟左右、制作精良的纪录片这几年见得很多，《早餐中国》《人生一串》《如果国宝会说话》等，都做得相当有意思。

回归影像本身的题材，却不多见。

它的质量如何，看一下这个排场就知道了——

第一集：《光影统领者》，主人公曹郁。

第二集：《声音魔法师》，主人公赵楠。

第三集：《视觉追梦人》，主人公MORE VFX联合创始人魏明、《流浪地球》视效总监丁燕来、Digital Domain 数字王国视效总监周逸夫。

第四集：《寻找东方美》，主人公叶锦添。

第五集：《另一个演员》，主人公阿杰。

说实话，上面这些人名，除非是电影专业学生或是影视从业者，大部分人大概只听说过叶锦添和阿杰。

没听过也没关系，正好通过这部片子，一起倾听这部写给电影人的情书。

首先，第一集。

这集主人公是摄影师曹郁。

他毕业于北京电影学院摄影系。

2004年凭借《可可西里》获金马奖最佳摄影。

2009年凭借《南京！

南京！

》获圣塞巴斯蒂安国际电影节最佳摄影。

2017年凭借《摆渡人》获金像奖最佳摄影。

2019年凭借《妖猫传》或金鸡奖最佳摄影。

登上过著名的《美国电影摄影师》杂志。

这个履历可以说十分漂亮了。

有意思的是，很多人知道曹郁则是因为“姚晨丈夫”这个名头。

第一集短短的17分钟，曹郁实际上说了很多干货。

他首先提到的是，摄影师必须有对电影的极高敏感度，这样才能拍出符合作品气质和氛围的镜头和光效。

这里他用的例子是《妖猫传》的拍摄。

为了营造杨玉环“回眸一笑百媚生”中“百媚生”的神态，摄影可谓是绞尽脑汁。

先是点了几十根蜡烛放在演员脸部周围。

接着又用了LED的灯带，使贵妃的皮肤可以呈现出一种LED的光泽。

这样还不够，再加上一种名叫Dedolight（特图利）的灯打在眼睛里。

就这样，有灯笼的光、蜡烛的光、LED的光、Dedolight的光合在一起，产生了一种有层次的光效。

到这里还是不够，要“百媚生”必须要“流光溢彩”，光要流动起来。

于是曹郁亲自动手控制电子调光台，让光动起来。

所有这些加起来，才有了“百媚生”。

其次曹郁给我们提供的干货则是他从绘画里学到的摄影技巧。

由于《妖猫传》是一部奇幻片，所以他从爱德华·蒙克的画作里汲取灵感。

绘画到了蒙克的时期，已经是一种混合的光源。

他画作中阴影部分的蓝色给了曹盾很大的启发，所以《妖猫传》里我们能见到很多绿或者蓝的颜色。

曹郁还提到了之前因为撤档而闹得沸沸扬扬的《八佰》，并给出了一个很高的评价：“我对《八佰》很满意，它很像我的作品。

”

摄影上，由于《八佰》是纪实片，所以他参考的是毕加索早期的一组画，即他的“蓝色时期”。

所以《八佰》的主色调是蓝绿和黄色。

最后，他提到了贝托鲁奇的《末代皇帝》给他的影响。

《末代皇帝》的摄影师是斯拉罗，也正是在这部影片中，他知道了摄影机是可以像羽毛一样飞起来的。

第一集的部分，实际上可能是整部纪录片最有实用价值的一集，你不仅能够看到情怀，还能够看到一个优秀摄影师他所使用的方法论。

当然由于时长问题，也只能是管中窥豹。

不过呢，这不是摄影纪录片，能让我们感受到摄影巨大的魅力，和摄影师工作的重要性，就已经成功了。

第二集讲的是声音。

主人公赵楠，她负责过声音部分的作品有《影》《记忆大师》《重返20岁》《寻龙诀》《狄仁杰之通天帝国》等。

她也凭借《狄仁杰之通天帝国》获得过第30届香港金像奖的最佳音响效果奖。

赵楠在这14分钟内主要讲了三个方面的问题，当然也只是蜻蜓点水式的。

第一是声音在电影里的重要性。

很多时候，我们在看电影的时候其实总是会忽略声音，但声音又是使我们能够沉浸在电影中，享受那种虚假的真实的必不可少的一个部分。

比如怪兽的叫声让人恐惧，是因为里面有很多次低频在里面，次低频是让人最不舒服的一个频率。

再比如很多时候，我们不需要台词，只听声音就能够知道人物的喜怒哀乐。

第二是声音制作的过程。

首先是靠想象力，通过无声的画面去想象声音。

每一个画面都有属于自己的声音，重庆的KTV和铁轨声，老上海弄堂的自行车声。

其次是拟声，使用各种材质模拟出细致真实的声音。

比如《影》里杀人的声音，捅肺的声音，都需要现场模拟还原。

第三是国内声音行业的问题。

这里赵楠说了一句话：“现在拍电影跟催命一样。

”

电影还没拍呢，就已经定好了上映日期，然后各种催，于是时间压力特别大。

注意，从赵楠开始，国内电影行业的畸形和混乱现象开始得到了一定程度的揭露。

奥斯卡最佳外语片《罗马》，混音混了四个月；而中国绝大多数的电影声音制作最多就是二十几天，而且拍摄日期说变就变。

也是从赵楠开始，好莱坞成了一个对比的标杆。

比如声音，在国内是一个人负责，好莱坞是两种人才，一种是混音师，另一种是声音指导。

说白了，就是中国电影的快速发展，导致电影人才素质各方面比较平庸。

而好莱坞的人才培养，则保证了他们有一生的时间去磨练自己的技术，以达到一个顶层的标准。

这个问题在第三集特效将会又一次被重复提出。

实际上，除了上面三个问题，赵楠还说了关于女性和职业选择的问题。

大学时她被叫成“楠哥”，公司里小姑娘叫她“女战士”。

很多人听到赵楠的名字，会觉得她是一位“先生”，比如金马奖组委会曾把她误会成“赵楠先生”。

于是在她上台领奖后，她第一句话就是“女孩子也能成为一个非常好的录音师，可以非常好，非常棒”。

光是这一句话，就足以振奋不少女性观众，也让电影从业者们有所反思。

第三集是特效。

说到中国特效就绕不开两个词：五毛特效和《流浪地球》。

这一集可能是最能改变一些刻板印象的一集。

首先，特效不是几个人坐在电脑前玩电脑。

它是一个非常综合性的工作，包括画面创作、管理、创作、对画面的理解、对电影的认知。

这也是国内赶工似的人才培养无法达到一个很好效果的原因，综合性的人才是稀缺资源。

其次，特效特费钱。

大场地要交房租、养一两百人要发工资、正版软件要钱、电费一个月就是几万……接着，国内外特效发展过程和层次的不同。

美国是从传统的特效开始的，比如微缩模型，然后一步步发展到现代数字特效。

还是上面赵楠的那个问题，美国在特效方面有着深厚的积累。

而中国则没有这些经历，空中起高楼，于是断层就出现了。

最明显的例子就是虚拟人物这样的核心技术。

比如“灭霸”这个角色，我们还无法承接这样的镜头。

而像《阿丽塔：战斗天使》中阿丽塔这个角色用到的技术，可能拿到国内都没有人会用。

最后是特效制作过程的不易。

《邪不压正》里姜文会随时随地考特效人员北京建筑的高度；《流浪地球》需要一遍一遍又一遍地返工修改，就连雪屑都要一帧一帧检查以做到细致真实；《一出好戏》的黄渤要求相当高，每一个景都需要仔细制作……由此可见，特效不仅是个细致活儿，还要应对不同导演的苛刻要求。

最后，咖爷想来说说叶锦添这一集。

比起电影，更有意思的是叶锦添其人。

他负责过《卧虎藏龙》《赤壁》《夜宴》等大片，并凭借《卧虎藏龙》拿到奥斯卡最佳艺术指导，知名度在美术设计这一领域中无人可比。

作为一位艺术家，叶锦添在14分钟里展现了他的大师风范。

比如他觉得“美术是另外一个导演”、“通常都是我让导演头痛”……光是上面的两句话，我们就已经能够感受到他那种对于自己工作的热爱了。

作为一个香港出生、台湾工作、后与大陆导演合作的美术指导，叶锦添对于三地之间的区别有着强烈的感受。

香港是大量借鉴西方，台湾有一点中国的元素但还不够，回到大陆才逐渐找到了那种“东方美”。

比如在拍《大明宫词》的时候，他就已经感受到了大陆观众极高的接受度。

他甚至称之为是“文艺复兴”。

除了人生经历、工作经历，叶锦添还提及了张国荣的八卦：

啊，哥哥真是太可爱了……同时，叶锦添也谈到了美国和中国电影行业的差距问题：

叶锦添也对今天的中国电影作出了评价：现在是一个迷失的时代。

其实，这在配音演员阿杰的部分也提到了：模仿可以理解，但是最后一定要发挥自己的特点。

目前中国的电影市场，很多人还停留在模仿的阶段，却没能达到百花齐放。

《我在中国做电影》不仅拍出了摄影、声音、特效、美术、配音的种种魅力。

也让我们认识到了，中国顶尖的电影从业人员，对于电影的态度——曹郁的方法论、赵楠的女性态度、特效团队的情怀、叶锦添的大师风范、阿杰的传承精神。

可能作为一部深度阅读的作品，它远远不够。

但作为一个点燃激情的火花，它绝对是最适合的。

《我在中国做电影》中所反映出的中国电影的困境，是非常值得重视的。

当一个快速发展但不够扎实的时代过去之后。

我们需要用怎样一种态度去面对我们的电影？

本文作者 |枕云 @文化咖孵化工场成员本文由文化咖原创，未经授权不得转载投稿或合作事宜，请添加微信“文小咖”（ID：cultureca）

（一）光影统领者：曹郁《可可西里》《南京南京》《妖猫传》《摆渡人》《八佰》曹郁说摄影是唯一能够掌握的、完整表达他的一个工具。

对他而言，摄影的质感就是摄影师对影片表达主题最直观的理解和呈现，摄影的韵律关系到整个电影的气氛，配乐和摄影机运动速度要契合。

《可可西里》需要强调自然的光效以突出自然环境的震撼，《妖猫传》无需自然光效，反而需要各种奇幻打光来突出影片中的梦幻感，例如贵妃惊鸿一瞥的“百媚生”定格画面。

同时他还透露了摄影过程中配乐的重要性，《妖猫传》和《南京南京》中截然不同的质感是由于配乐和摄影韵律所决定的。

对摄影师曹郁来说，绘画功底和对绘画艺术的了解是最基本的。

非常喜欢蒙克画作的曹郁在《妖猫传》中运用了很多蓝绿色彩，就是借鉴了蒙克对蓝色的运用和诠释。

而在《八佰》中，他的视觉参考主要是毕加索早期画作中的蓝绿色，而蓝绿色的互补色相反就是黄色，所以《八佰》颜色构成主要是黄和蓝绿，用柔和细腻的颜色来反衬剧作上关于战争的残酷感，“导演跟摄影师的合作是很精神化、情绪化的，就像电影的两个情人，或是情敌，是既相吸又相斥的一种奇妙感觉。

”他字里行间透露出来的都是他对摄影这份职业的自豪感很由此生出的坚定地个人骄傲，令人动容。

由斯托拉罗摄影的《末代皇帝》让年幼的曹郁看到了摄影的浪漫写意和诸多可能性，这深深的影响了曹郁的摄影质感。

（二）声音魔法师：赵楠《影》《催眠大师》《孔雀》《大腕》《风声》《狄仁杰之通天帝国》声音是一个非常恒定的东西，不会随着时代变迁或社会发展而更改原有状态。

声音作为五感之一，直接关系生理反应，因此也直接关系到观影体验。

对于声音剪辑师来说，想象力是至关重要的，能否对着无声画面尽可能多的想象出所有可能存在的声音，其次是懂不懂情感、懂不懂这个世界，这都关系到他们是否能够成为一名优秀的声音剪辑师。

这很像一位名厨通过看闻品还原一道菜品的制作过程和食材佐料。

赵楠形容自己的工作是制造幻术，是将影片中人物动作或者环境音拆解到最细节然后再复原。

但是非常可悲的是，在当下一切图快的电影制造大环境下，并不可能给予音效师这样高的地位和宽裕时间，获得奥斯卡最佳音效的《罗马》混音时长4个月，但国内往往只有不足一月的时间，但电影却是无法修补的一次性产品，这也就决定了短期内中国电影的上限。

与曹郁一样，从赵楠的接受采访的话语中也能发现很突出的职业荣誉感和自豪感，也同样反思了中国电影工业的细分程度不够导致种种问题。

（三）视觉造梦人：魏明 丁燕来 周逸夫《流浪地球》《邪不压正》《一出好戏》视效工作是一个很综合的工作。

美国电影工业中特效是经历了从传统特效（搭建微缩模型）到现代数字特效的全过程，但中国电影工作中的特效发展是飞速的，是跳跃式发展的，也因此是断层的。

三位都提到了当前中美特效发展差距很大，美国擅长的高端生物特效虚拟我们完全做不到，技术壁垒很高。

对《流浪地球》这样一个科幻电影而言，特效是至关重要的。

能不能在特效方面脱颖而出，直接关系到这样一个中国科幻电影类型片典范的成功与否。

特效人就抱着这样的心态不计代价、不厌其烦的反复修改调整，这也决定了《流浪地球》的成功是不可复制的。

（四）寻找东方美：叶锦添《卧虎藏龙》《赤壁》《夜宴》《胭脂扣》《大明宫词》奥斯卡金像奖最佳艺术指导美术指导考验的是对历史的认识，对人情世故的认识，对人物所处时代生活细节的认识。

有些演员不是他本身有魅力的，是靠美术指导通过服装造型、道具、置景创造出来的。

很喜欢叶锦添对大陆、台湾、香港三地的评价，他说香港是一个看不到全世界的地方，台湾有中国文化的表层具象，但不能提供可供深度挖掘的土壤，只有大陆有最深厚、最原始、最丰富的中国东方美学文化。

电影是一个共感，是一种可以跨越时间空间产生交流的文化。

很多时候，甚至不是某个情节，仅仅只是一个场景或是一段音乐，就会激发我们心中的某段记忆，两者贴合，产生遥远的共鸣和陪伴，这才是电影最本质的吸引力和发展方向。

只是可惜我们的影视文化从20年前可以接受《大明宫词》这样的艺术作品，发展到了如今只讲商业盈利。

（五）另一个演员：阿杰电影值得。

（完）

通常观众们看一部电影，最关注的是演员和导演，很少有人关注影片的幕后制作团队。

实际上，这些幕后团队才是整个电影工业的基石，也是最能体现"工匠精神"的地方。

前不久，时光网出品了一部五集电影人物纪实节目《我在中国做电影》，首次将镜头聚焦于一群中国电影的幕后英雄，即来自美术、声音、特效、摄影、配音5大幕后工种的7位优秀电影人。

通过节目的介绍，观众可以了解这些幕后工种的工作性质，电影工业的制作流程，甚至是国内与国外在人才培养、技术研发上的差距。

节目最后一集讲的是配音演员，邀请的嘉宾是国内配音界的"顶流"、729声工场创始人阿杰。

《我在中国做电影》每集的时长不到20分钟，也没有特别晦涩的专业术语，对于一些想要了解电影制作流程的影迷来说，具有一定的科普意义，对于这些默默无闻的幕后工作者来说，也是一次曝光和正名。

相对于美术、声音、特效、摄影，配音已经是转到台前最成功的的一个工种了。

在日本动画界，声优偶像化已经是一个趋势。

在中国，随着国漫的日益发展，国内配音演员也受到了越来越多的关注，甚至拥有了庞大的粉丝群体。

《我在中国做电影》第五集选择了阿杰（粉丝称为"杰大"）来作为中国配音演员的代表，国漫粉丝对杰大应该都非常熟悉了，他配音的魏无羡、叶修、东方月初等等都是人气很高的角色，而杰大除了配音演员这个身份，还在多部作品中担任配音导演，并且是圈内著名配音团队"729声工场"的创始人，这些身份让他可以站在行业的角度去思考一些问题。

其实早在"二次元"这些词汇流行之前，观众对于配音演员的印象，大概也就停留在译制片里那些操着翻译腔的国语配音，只知其声，不知其人，对于这个职业的工作性质，可能也并不清楚。

因此杰大在采访中的第一件事，就是为配音演员正名。

杰大说："身边的一些人不太了解我们这个工作，他们可能会说你这配音挺轻松，随便说说话就能挣钱，但是他可能不知道，这个话真不是随便说说的。

"杰大认为，配音演员是声音的演员，"一个好的配音演员，他一定是懂表演的。

"杰大在节目中为摄制组展示了配音演员的工作环境：一个空旷的录音棚，环境全凭想象，彻头彻尾的无实物表演。

如今，国内配音演员的主阵地已经从译制片转移到动漫游戏领域，配音演员们也拥有了更具辨识度的表现机会。

对于译制片的国语配音，观众的接受程度并不高，节目中也透露了原因：译制片的配音时间特别紧，一般的可能两天，最短的还有一天就完成了，原创内容的配音通常会更长一些。

而在原创内容中，电影的质量要求又高于剧集。

因为动画剧集的制作时间紧张，需要尽快完成以赶上播出进度，电影则是慢工出细活儿，一句台词可能就会配几十次。

"因为它是电影，电影值得花这么多时间去做。

"

据阿杰介绍，国产动画的配音工作也经过了一个漫长的变化过程。

十几年前，国产动画的配音是等导演把所有画面做好了，一帧不能变，再让演员去配音。

这时候如果台词说快了或者慢了，就会跟嘴型对不上，为了对嘴型就只能加一些无关紧要的水词儿，最后做出来就感觉节奏有问题，人物的个性也都变得不鲜明了。

如今的配音是放到了画面制作之前，配音演员们只有大概的故事脉络，或者是分镜剧本，细节是自己去填的。

包括好莱坞的一些动画片也是先配音，然后让画师根据配音演员的表演进行后期处理，一些细节还会参考配音演员当时的表情。

杰大认为，纯用分镜剧本配音，对配音演员的表演能力要求更高了，但这样子限制也少很多，塑造的角色也会比较生动，没有那些乱七八糟的东西。

谈到配音演员的专业水平，杰大又在节目中纠正了一个观众经常存在的误区："好多人觉得配音演员最能体现专业能力的地方是变声，他们能从几岁小孩配到几十岁的老年人，这其实是一种误解。

"杰大认为，变声可能只是作为配音演员的一项基本功，而配音实际上是一种"内心的表演"，如果你只是单纯模仿一个小孩子的声线，并没有完全进入到小孩的内心，那观众听起来会觉得特别假。

这几年，杰大除了配音工作，也在多部作品中担任过配音导演。

配音演员只需要考虑自己的角色就可以，而从配音演员晋级到配音导演，就需要统筹全局的能力。

杰大将配音导演形容为导演和配音演员之间的"翻译"，需要把导演的意图翻译成日常的台词传达给配音演员。

作为配音导演，他不仅要负责统筹专业配音演员的工作，还要负责群杂等业余配音演员的工作，"很费劲，很难"，杰大形容道。

每个行业都需要传承，每个入行的新人也都会有一个"引路人"。

杰大在节目中透露，让他走上配音这条道路的，是上译厂的的童自荣老师。

在节目中，杰大回忆了自己最初是如何迷上配音，如何在网上论坛里认识了一群配音爱好者，如何来到上海见到自己心中的偶像——上译厂的老配音演员们，还展示了自己当年和童自荣老师的合影，他那一头飘逸的长发让观众梦回2005。

如今，国内的配音演员开始获得越来越多的曝光，专业性也得到了粉丝和业界的认可。

曾经配音演员只是真人演员背后的影子，而随着国产动漫游戏的发展，配音演员们开始有了自己的辨识度，有了自己的粉丝圈子。

在可以预见的未来，国产动漫、游戏产业将会进一步扩大圈层，而配音演员的这个职业，一定会越来越重要。

法国电影评论家安德烈·巴赞曾说过“电影只有在作为真实的艺术时，才能达到圆满。

”《我在中国做电影》就作为一部纪实性影片，记录了几位中国幕后电影工作者在为电影艺术造梦的部分点滴，成为了一部记录电影的电影，同样也为热爱电影艺术的工作者或者观众朋友们展示了被投印在影院银幕上的那些如梦一般电影的制作工作与一些鲜为人知的专业细节。

而它的隶属分集《光影统领者》便为我们着重介绍了曾荣获金马奖、金像奖、金鸡奖等众多知名奖项中最佳摄影奖的摄影指导、摄影师曹郁的一些工作实况与人生经历。

影片通过曹郁本人口述的方式为我们娓娓道来，其中还穿插了部分例如《妖猫传》《可可西里》《南京!南京!》等曹郁担任摄影工作的影片片段与拍摄工作实景中他对于光影的调控与和导演与演员的配合。

曹郁自己也毫不吝啬的在镜头前谈起了自己的摄影学习经历，从影片《末代皇帝》的镜头启发，到用借来的大二一录像机拍摄一些琐碎的日常生活，再到如愿考上北京电影学院摄影系又成为系别第一名，又到如愿被《美国电影杂志》采访，最后到现当下获得过许许多多知名大奖的著名摄影师的种种心历路程。

《光影统领者》纪录片将内容分为几个模块更加清晰的阐述了主题思想。

一为电影画面的总基调与观众的获得感很大程度上取决于光影，而摄影师作为“光影统领者”，电影的视觉效果能否将观众带入电影情节，这就很考究摄影师对于电影内涵的理解与画面光影的调整与掌控。

二为曹郁认为音乐与美术对于摄影工作的影响是非同小可的——音乐是曹郁电影节奏韵律感的导索；美术是曹郁最直接的修养的基础，音乐与绘画是曹郁摄影机位与画面色调的重要思想导师。

三为曹郁自己从被摄影所吸引而钟爱于摄影到一步步去学习，去感知，去探究，去创作；又或者是从其他导演的思想与演员的表演中获得的一些品质与感受从而得到启发，总结出的曹郁自己对光影的见解和对人生幸福的认知。

若要将电影的情节与演员的演技融合且渲染开来直至触动观众心弦，那么摄影指导对于光影的掌控与领导便是重中之重。

法国电影评论家马赛尔·马尔丹曾说到“光不仅给予画面上的形象以物质生命，而且赋予了他们艺术生命，艺术家们的创造，使光在银屏上成为具有巨大潜力的艺术元素。

”对于光影的把握，曹郁则独有一番见解与技巧。

影片中所插入的《妖猫传》电影片段——杨贵妃回眸笑，这一画面让担任摄影指导的曹郁费尽了心思，影片又配合了曹郁本人的口述，当时摄制组准备了几十根蜡烛，又准备了led灯带，但总觉得只是差强人意，后便加入了Dedolight，曹郁还在拍摄过程中不停的改变光影的位置与亮暗程度，这才让演员张榕容饰演的杨贵妃的一笑充分展现了剧组人员所主观想象的“回眸一笑百媚生，六宫粉黛无颜色。

”惊艳吸睛的场景。

在曹郁对《妖猫传》的口述过程中，影片为其添加了以清脆铜铃为演奏主体的主观性音乐，更显神秘与智慧。

《南京!南京!》也被影片所引用，赤裸全身的姑娘们缓缓的被木车拖走，曹郁将更多的光影打在姑娘们的身上，使得她们的身躯更为洁白，画面更显忧伤，也更凸显了在屠杀中饱受耻辱的姑娘们的悲惨命运，更让南京大屠杀的历史印象重回观众眼帘。

影片在曹郁为《南京南京》的口述中添加以钢琴与大提琴为演奏主体的主观性音乐，更显忧伤与感性。

可想而知，摄影师对光影的指导对于电影情感基调的影响处于何等重要的地位。

音乐的节奏韵律与美术的光感色调是曹郁摄影思想的无形的指导老师，更为其摄影工作锦上添花。

对于曹郁对音乐节奏韵律的感受——影片引用了《妖猫传》《南京!南京!》等影片做例子。

在《妖猫传》的拍摄过程中，曹郁选取了与电影情感气氛相近的音乐，利用节奏律动并表现在摄影机位上，让本是冰冷机械的镜头忽显柔美缠绵的韵味。

《南京!南京!》中一段跟镜头，需摄影师肩扛拍摄，而曹郁将摄影机想象成演奏的乐器，赋予机器内心的节奏情感，让镜头张力近乎于完美。

对于曹郁对美术的光感色调的感受——影片展现了不同时期各著名艺术家的绘画作品直观的为观众们所展示。

曹郁探索从伦勃朗和维米尔强烈强调光源的时期，到蒙克不强调单一光源的时期，又后来到霍普的光源混合时期，都启迪了曹郁对于光的感受。

而蒙克的画作阴影中的蓝色补分，曹郁运用到了《妖猫传》中；曹郁又发现了毕加索早期的蓝色时期作品，将其吸收转化为蓝、绿、黄等色调运用在了电影《八佰》中，用柔和细腻的色调来反衬出电影背景残酷感。

影片在展示绘画作品时，稍稍的推镜头配合背景的黑色衬底加上以乐点形式为主体的主观性音乐，更显的画作的内涵更加的深奥与神秘。

曹郁能如此娴熟的将他对于音乐与美术的感受用在表达摄影镜头的情感上以让镜头表现更为生动有张力，都归功于他对于音乐和美术的极大敏感性、感知力与作用力。

曹郁本人的严谨与尽职，对于摄影职业的热爱与追求，与导演和演员之间的信任与默契感，促成了他如今在摄影方面的显著成就并使他领会到了幸福的真谛。

影片中运用同期声画面展示了曹郁在剧组工作的场景，在拍摄《可可西里》时陆川导演的探讨交流，又或是在拍摄《摆渡人》和王家卫导演的互补借鉴，更加真实直观的表现出他与导演与演员之间的交流学习和默契配合。

并通过展现曹郁所获奖项的奖杯加上以架子鼓与钢琴的主观性音乐也直观承认了他在摄影方面的高度成就和他激动人心高光时刻。

在曹郁口述时镜头也配合特写突出表现了曹郁情感的变化与内心的喜悦。

曹郁小时因《末代皇帝》的启迪而产生了对摄影的欣喜，如愿考上北电摄影系并得第一的惊喜，如愿被《美国电影杂志》采访的兴奋，笑谈第一次在金马颁奖典礼上的糗事等等的人生阅历。

时代在变，年岁在变，而始终不变的是曹郁他自身对于摄影的热爱与追求。

正如贝克登所说“经验告诉我们：成功和能力的关系少，和热心的关系多。

”曹郁本人在影片中也说到“我们要尽量的去做，人一直进步就好了，只要不是重复或是退步，那就是幸福的。

”对待梦想，曹郁始终追求；对待事业，曹郁始终尽职；对待幸福，曹郁始终感知。

镜头是电影的重要组成部分，而镜头由摄影产生，光影又控制着摄影的基调，音乐与美术为摄影师提供节奏与思想。

《我在中国做电影之光影统领者》就展示了幕后摄影工作者的曹郁的拍摄场景与对摄影专业的自我见解和对人生幸福的感悟。

曹郁在影片中说“摄影是一个表达自我的工具，就像一个艺术家，写书法一样”他将摄影视为自己内心语言表达的生灵，为摄影注入生命与灵魂。

他对摄影的热爱，对光影的掌控，他的日益进取的精神，不仅让他自己成为著名的摄影师，同样是为中国电影艺术做出了巨大的贡献，也为中国电影中创造了许多渗入到观众内心的镜头映像。

《我在中国做电影之光影统领者》也利用采访摄影师曹郁而展现一系列电影幕后工作者的辛勤劳作，正是因为像曹郁他们这一类人的付出与智慧，中国电影才得以用最大的加速度迈进新高度！

中国电影才得以有魅力去触动国际影圈！

中国电影才得以有潜力去深入更多观影者的内心！