芝加哥

20世纪20年代，浮华的芝加哥是爵士歌舞、狂欢纵饮和男欢女爱的天堂。

在经济虚假繁荣的时代，芝加哥也是令人寒心的灰色名利场。

歌舞电影《芝加哥》来源于莫林·沃特金斯的戏剧《勇敢的小妇人》，这部戏剧以1924年一件轰动一时的谋杀案为基础， 1927年被改编为舞台剧第一次搬上银幕。

经过多位导演的改编，在百老汇的舞台上赢得了无数掌声。

最新的银幕版本《芝加哥》，吸收了所有先行者的精华，包括沃特金斯的芝加哥寓言故事、抒情诗风格和美妙的旋律，继承了福赛设计的舞蹈动作加上电影制作的特殊技巧。

这些元素的结合，作为导演处女秀，让百老汇音乐剧演员出身的导演罗伯·马歇尔一举成名。

不仅如此，这部影片被影评家评为2002年十佳片之一,囊括2003年第75届奥斯卡13项提名和6项大奖，成为当年金像奖最大的赢家。

继2001年音乐片《红磨坊》获得轰动效应之后，《芝加哥》的出现也在世界影坛掀起狂澜,标志着一蹶不振的歌舞电影东山再起。

作为歌舞片，影片主要依靠歌舞来刻画角色和发展故事，演员的歌舞技巧为影片增色不少。

导演多次使用交叉蒙太奇的手法切换叙事，和许多充满创意的转场让故事和歌舞流转自然，打动人心。

20年代的爵士乐，歌舞升平的酒吧，昏暗氤氲的复古色调，刻意制造的老式打字机和照相机的复古音效，加上舞台擅长的各种灯光效果，影片巧妙利用声光色，呈现给我们一场视听盛宴。

一、懦弱呵，你的名字叫女人在充满欲望的瞳孔审视下，明星凯丽在幽蓝的舞台上演唱着“爵士天堂”，身怀六甲的凯瑟琳·塔泽-琼斯百媚丛生，在电影中做出了许多高难度动作，把女性的柔美曲线和魅惑撩人表现淋漓尽致。

而台下，一位金发红唇的女子洛克茜正做着明星梦。

2002年已摘过金球奖影后桂冠的蕾妮·齐薇格也是当红明星，细腻的演技将野心勃勃却心机不足的女子形象表现得丝丝入扣。

爵士的节奏热情铿锵，恰似洛克茜对偷情和梦想的一腔热血。

几分钟前，凯丽刚刚枪杀了偷情的丈夫。

犯罪和歌舞在交叉蒙太奇中完美结合，而所有犯罪的缘由，也都巧妙地借剧诗唱出“for all that jazz”,都是时代惹的祸。

浪漫的歌舞结束，凯丽当即被警察带走。

洛克茜的情人在激情过后，也百般厌烦戳破谎言。

得知被骗的洛克茜一怒之下枪杀了情人，也成为了罪犯。

当骗得丈夫替她顶罪，手电筒在她眼里成了聚光灯，灰色现实和粉色幻想对比鲜明，她神似玛丽莲·梦露，性感动人地歌颂着爱情。

得知真相的丈夫却突然加入，和洛克茜各自独白，同时在画面中怒吼、挣扎。

充满创意的对立和转场把二人之间的矛盾带回现实，而现实把洛克茜送进了监狱。

然而监狱和芝加哥的名利场并无两样，狱中的犯人也都野心勃勃。

监狱“大姐头”莫顿嬷嬷野性的独唱道出了监狱的“商道”。

导演长于发现现实中的元素和音乐的一致节奏，在洛克茜的幻想中完美将故事和歌舞结合。

监狱中的种种声音在她的脑海成为旋律，一场“女子监狱探戈”翩然而起。

六位犯人依次上场，讲述着自己的罪行。

这一段借鉴《芝加哥》之前成名的歌舞剧《黑暗中的舞者》的创意，又借助牢笼、丝绸和男伴为道具，让舞台更加丰富。

每一段独舞在暗红色的背景下都带着鬼魅般的剪影，刻画出令人战栗的骇人景象。

唯一的无辜者在白色灯光下行动如同注铅般沉重，简短的呻吟，没有辩驳，只有哀怨。

正如剧诗所唱，这是一群女人的谋杀，你却不能说是犯罪。

当爱情交织着阴谋和背叛，依附男权的女人恰是那个时代的弱者，而弱者一旦拿起武器，便名为犯罪。

群舞的舞步由导演精心设计，突出各种腿部弯曲的角度，使身体重心更接近地面，下半身具有弹性。

无论是前进、退步、踢腿还是地面动作，都强而有力，自由中不失妩媚性感，混乱中凸显仇恨和杀气。

灯光渐渐暗淡，舞蹈以女犯人们双腿横劈手部质问的姿态结束。

一曲作罢，一切都回复到舞台的最原始状态，她们依旧被关在铁窗内，她们攀爬、挣扎，强烈的顶光让她们的仇怨显得异常无力。

二、人生如戏，是谁在玩弄一群女子尽态极妍，跳着脱衣舞，呼唤着，从监狱到舞台，律师比利粉墨登场。

一段歌舞，道貌盎然地唱着爱情，却翻滚在金钱和肉欲之中。

曾主演过《美国舞男》《漂亮女人》《不忠》的理查德·基尔虽年过五旬，经过两个月的短暂训练，就能歌善舞，把这位爱钱如命、翻云覆雨的“法”场高手刻画得活灵活现。

即使如此，他却是追求名利者的福音。

凯丽花钱请他洗脱罪名，在监狱中也得到了嬷嬷的特殊照顾。

外表甜美的洛克茜是一只容易被玷污的小白兔，她很快学会了监狱的手段，利用丈夫收买了比利，和凯丽的地位也悄然互换。

在比利的巧言包装下，洛克茜变成了虔诚的修女，杀人犯变成了惹人怜的良家妇女，而司法审判则变成了一场表演。

新闻发布会沦为一场木偶戏，市侩媒体和洛克茜都被他的红线操控。

场面活像一个口技表演晚会，而洛克茜则是一个淫荡的洋娃娃。

导演在这里突出描绘了律师操纵传媒的能力，讽刺了司法和媒体的唯利是图。

这场欢乐的闹剧，让洛克茜一举成名，却也让她看透了自己的渺小。

一场独舞，洁白灯光下的洛克茜道出了作为人妻的心酸，被情夫欺骗的落寞，还有对美丽梦想的欲望，就像舞台多面的镜子一样，人性也具有多重性。

而被比利操控的演员，一旦时过境迁，只剩毫不留情的抛弃。

凯丽便是被遗弃的演员之一，于是她嫉妒，试图挑拨，也试图讨好合作。

面对洛克茜，凯丽利用椅子的一场独舞精彩绝伦，干净利落的动作，对椅子、楼梯、桌子道具的运用，恰当的切合了独白。

然而，在若隐若现的牢笼禁锢之下，她夸张的舞步和汹涌的征服欲尽显无力。

不论演员如何更替，芝加哥的好戏永远不会终止。

新的事故发生，更有噱头的女犯人吸引了比利的注意。

于是洛克茜灵机一动，用假孕来博取关注。

在影片灰色调的现实世界，新闻是犯罪的工具，真相没有出路。

凯丽东山再起，试图揭露洛克茜的谎言。

在法庭上，比利律师巧舌如簧的辩驳，舞台上，春风得意地歌唱，心花怒放地跳踢踏舞，镜头相互呼应，不难看出他对法律、媒体、民众的玩弄和欺骗是多么的得心应手。

最终，洛克茜被判无罪，律师比利完美收场，飘飞的时效性新闻中，是导演深深地讽刺。

三、迷梦和真相终将玉石俱焚唯一无罪的女犯人最终被判绞刑，灰蒙蒙的天空弥漫着死亡的气息。

舞台也极富隐喻地上演了“大变活人”。

一身洁白的天使僵硬地“蹦极”，凌空而降，正义被判了死刑，漠然的观众只有掌声，让人不寒而栗。

在压抑凝重的气氛让人不安是，比利在审判场的一段歌舞，讽刺地道出了事实：真相早已被屠杀。

这部讲述犯罪的影片唯一留下了一片纯净的心灵，是洛克茜的丈夫哈特。

哈特在宽阔舞台上的一段舞蹈宣泄着与众不同的人生观。

面对镜子，他将自己妆成小丑。

像个玻璃人，从不能得到关心，就连听众都麻木不仁。

像个小丑，心甘情愿被骗，只求得到妻子的关注。

在律师操控的法庭上，他对妻子的表演全然相信，为之动情，为之付出一切。

而女人却依旧沉浸在成为明星的美梦中，在欲望的诱惑下，洛克茜的内心悄然变化。

她的舞台从粉色变成了暗红色，服装也从白色变成了黑色。

然而现实却早已将她遗忘。

二战过后，曾经鼓吹的“美国梦”，变成了对个人成功的渴望，众多被浮名遮住双眼的人，凯丽和洛克茜只是其中之二。

影片结尾，随着女性意识的觉醒，她们也在追寻自立之路，尽管她们不得不利用、投靠男子，尽管独立之路漫长而坎坷，但付出终有回报。

片尾艳丽的舞台上，洛克茜终于和凯丽合作，一曲“爵士姐妹花”，隐隐若现的性感，小有心机的动作，她们赢得了星光和如雷掌声便是佐证。

然而导演的黑色幽默还没有结束，在这个爵士舞之后，便是美国的经济危机，芝加哥的爵士乐从此一蹶不振。

这场迷幻浮躁的明星梦，终将破碎。

这部片子和以前看过的几部歌舞片有些不同，歌曲和舞蹈不是穿插在故事中的演员在当前情境下的即兴情感表达，而是用来交待人物的性格和事件的背景，或者仅仅是当事人脑海中的幻觉描述，而且歌舞表演都一例放在舞台之上，基本独立于情节之外，有点类似于旁白的作用。

想起让·雷诺的《黄金马车》，不知道本片的导演是不是也是想通过这样的安排来表明一种人生如戏的观点。

不过那一段段劲歌辣舞确实演绎得很不错，音乐动听，穿着性感，舞姿曼妙，场面香艳，着实荡人心魄。

很喜欢监狱里的女犯人们一个个倾诉他们杀人缘由的歌舞，都很固执地认为自己并没有犯错，“如果是你，你也会这么做”。

好像这部片子并没有一个传统意义上的正面人物，三个主角都虚伪做作，只有从洛克茜的丈夫身上还能看到一点非功利的真情。

洛克茜无疑一直在做着明星的美梦，没想到杀人入狱居然给了她这样一个机会。

一切的专业素质、交际技巧都是不必要的，唯一需做的只是成为大众媒体的焦点，只需出名而已。

而为了成名，也无需在乎达到目的的手段，甚至不必在乎成的是善名还是恶名，有点“不能留芳百世，那就遗臭万年”的意味。

而且俗话说“好事不出门，坏事传千里”，没有比犯下杀人的罪行更能令人们关注的了。

虽然洛克茜杀人只是一时冲动，然而在比利的引导下，她逐渐领略了一鸣惊人的快感，进而用她出色的演技在媒体面前树立了一个楚楚可怜的弱女子形象，终于逃脱了应有的惩罚。

有一段洛克茜在比利身旁如木偶一般的演出也很有意思，在比利这样一个熟知大众口味、通达人情世故的律师的眼里，罪犯、媒体、法官、陪审团都是他操纵的木偶，所以他能够无往而不胜。

总的来说这是一部直面美国大众心理的虚荣、新闻媒体的媚俗和司法制度的腐败的现实主义题材的电影，跟《华尔街》一样揭露了“万恶的资本主义”，在中国应该算是一部主流电影。

只是由于大量歌舞的穿插不时打断情节的发展，对已经习惯了流畅紧凑的好莱坞大片的中国观众来说，恐怕很难适应。

电影《芝加哥》中，没有故事，没有新闻，只有炒作，只有若有若无的绯闻计划，只有充满着酸甜苦辣的人生百味，一部歌舞剧竟道出这般深刻的人生哲理，从这个层面上讲，《芝加哥》着实不失奥斯卡水准，当然，亦是一部难得的佳片。

依常理，但凡歌舞剧，其势必喧嚣，其舞蹈必曼妙，要么谈情，要么说爱，风花雪月，才子佳人，加入煽情的成分则华丽转身，变穷小子追逐富家女的千古绝恋，《红磨坊》即如此，但风月归风月，其情虽刻骨铭心，但其理却尽显苍白肤浅。

人间冷暖，人生悲欣，在《芝加哥》中得到了淋漓尽致的完美呈现，观其外，音乐优美，舞蹈华丽，美女帅哥，动人心魂，摄人心魄；品其内，则酸甜苦辣，人生百味尽显无余，细细品味，则觉其内涵越深，其外延越广。

一个是怀揣着明星梦想的美丽女子被情人所蒙骗，结果，一怒之下，开枪将其击毙；一个是歌舞巨星因无法忍受男友和妹妹的暧昧而开枪将两者击毙，两人都被送往医院，等待法院的裁决。

主角的人生就犹如一场过山车游戏，先喜，再悲，再喜，再悲，最后皆大欢喜。

情节曲折，亦耐人寻味，她成功摆脱死刑的判决，和其懂得利用媒体和人们的同情心借机炒作密不可分，其在遭遇读者和媒体的冷漠后，不失时机的炒作自己，炒作大众话题，将其本人事件炒作的风生水起。

在芝加哥没有永远的明星，一切都是浮云，没有什么是恒久的，人们喜欢的只是那一个个的绯闻和炒作，这亦是当今这个媒介社会的真实写照，人生如戏，戏如人生。

《Chicago》这部电影就我的理解，是一部展现以女主角Roxie Hart和Velma Kelly为代表及其周围人物的在各自的欲望面前挣扎、矛盾，无所不用其极却不计后果不言后悔的心理电影。

无与伦比的视觉语言运用和画面色调处理，使这部电影当之无愧是一部光影巨作，优秀的、值得借鉴的、无可比拟的、令人惊异的画面、场景、情节实在是太多太多了，我无法也自知没有能力去一一详细读解。

每个人的想法不尽相同，我便以己之劣见分析一下的对影片中部分印象深刻和及其喜爱的情节所属摄影总谱和光影语言表达的效果的个人理解。

影片开场，就以一连串快速叙事蒙太奇富于逻辑性和节奏地交待了故事发生的地点——芝加哥夜总会，也间接表明了这个地点对之后的剧情起着重要的作用。

主角之一Velma出场，摄影机开始后跟，将观众带入戏，模拟出一种主观视角的效果。

同时，室内的戏剧光效营造舞台氛围，弥漫着花天酒地、醉生梦死的气氛。

另外一边，Roxie在夜总会内朦胧的柔光制造的幻想中，以一袭强烈的顶光照射和Velma角色互换，扭曲变形的效果使一个渴望成名、名利至上的女人形象跃入观众脑海。

如果Velma带来的是浮光转身的幻觉，那么Roxie上演的便是欲望躁动的现实。

影片采用了平行序列，舞台上的过饱和色彩和灰蒙蒙的大街，暖与冷，梦幻与现实，没有过渡，都在上演欢愉。

突兀和反差巨大的冷暖对比色彩也为这欢愉的短暂作了隐喻的暗示。

提及暗示，导演Rob Marshall在影片中可谓费尽心思，很多看似微小的细节都对往后的剧情起着重要作用，种种这些，都是暗示，值得深究。

接下来便举例说明一下。

我在这里大胆进行一下个人的揣测，从Roxie在楼梯上魅惑注视Fred的画面看，光将楼梯格纹投映到墙上，我是否可以以小见大地认为导演Rob Marshall在以一个上帝的视角为Roxie即将锒铛入狱作了一个预告性的暗示？

如果真是我所想，那么导演的丰富想象力和对视听语言表现手法的高超掌握，已足够我所钦慕崇拜了。

此外，歌词和场景配合天衣无缝，歌词言语之间的暗示、舞台与床第间动作的衔接，如此自然和谐，个人以为导演在本片一开始便利用视听语言上的小小细节暗示两位女主角Roxie和Velma之间不可分割的紧密联系，为故事情节的发展埋下伏笔。

接下来要探讨的便是色调光影语言中的对比作用。

Roxie杀人后镜子中折射的室内的暖，和潜意识幻想中的冷，形成对比，快速剪辑给人以突兀感，展现人物心理的不安和灵魂深处隐藏着的罪恶。

色调和光英在此处表达出的强烈且鲜明的对比作用。

而在警察明显怀疑Roxie丈夫的包庇和Roxie是杀人犯的场景中，直射光下的女主角显得无辜孱弱,拼命掩饰的罪恶感一览无遗。

随着人物动作的设计,主人公头转向，形成侧光,偏暖色调的戏剧光效营造出一种臆想,人物服装的暖色调与舞台背景的暗调形成对比,又交叉现实中袒护自己的丈夫与警察的对峙，展现出一种温馨感,随着音符节奏的加快又释放出一种不安、不祥之感。

打在女身上的暖色光与丈夫身上的冷色光又是鲜明的对比。

两人互相指责的说辞便是夫妻反目、最后妻子锒铛入狱的铺垫。

锒铛入狱之时，一小段前跟镜头显得凌乱不和谐，从犬色声马的浮华被推入黑暗无垠的冰冷牢狱，外加空寂大街上营造出的大气透视效果，真实而又离奇地展现了现实的多变。

紧接着，影片中又一重要人物女狱长嬷嬷富有戏剧化的出场，有效地利用了影子这一元素，逆光且过曝光大气透视效果作为臆想世界的转场，加以现实的冷色调与臆想的暖色调对比，唯利是图的贪婪形象具化生动。

舞台戏剧化的影子出场、现实与臆想前后交叉的同一动作连接，舞台追光效果和台下掌声无一不体现嬷嬷唯我独尊的妄自尊为，投影便是潜意识内心深处的欲望本性的象征。

段歌舞结尾处的逆光戏剧光效又进一步塑造了贪婪中的些许邪恶。

最后便是对于对比蒙太奇在画面的表达、构成及剧情的呈现上的探讨。

这个片断出现在Roxie 入狱后的第一夜。

随着一连串流畅奔放的快速剪辑蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，女囚们上演了一出华丽反叛愤怒不羁的音乐舞台剧，导演在此处再一次运用了令人惊叹的视听语言手法，灯光的明灭象征着焦躁与矛盾,重现了女囚犯罪时刻的不可忍耐的暴力因子的叫嚣。

接着是女囚们分别出场进行“自我申诉”。

第二个女囚出场的构图颇具玩味性，导演通过以一个男人的下半身为前景，女囚一出场便成为“胯下之臣”，影射性地交待了其情杀动机，最后一个动作的设计与之呼应，男人在她的身下“俯首称臣”，又是一种对本末倒置的大反差结局的预示，讽刺意味强烈。

过程中灯光忽明忽暗，暗示且象征着情节的起伏。

最后一段群舞画面充斥着明暗光影色彩的反差对比，叫嚣着的红和落尾处的黑，是否可以浅显地理解为是一种颜色的心理暗示，女囚们在欲望中的挣扎与矛盾一览无遗。

值得一提的是导演在影片中充分发挥了镜子的最大作用。

在获得金牌律师X的帮助下名声大噪的Roxie的内心独白中，镜子将Roxie得意洋洋、名利野心和八面玲珑用画面呈现出来，我们完全可以从越来越多的镜子中折射出的越来越多的影子，看出Roxie内心的复杂和多变。

而在影片开头对夜总会后台粗糙的呈现中，布景的特色就在于镜子所增加的空间感，构图上来说很新颖。

鉴于个人比较钟爱Roxie丈夫的舞台片断，便做以下简要赏析。

Roxie的丈夫在与律师交涉时第一次正式有了内心世界的独白，现实与臆想形成交叉蒙太奇，在臆想的舞台上，背景以暗调为主，且自始至终都有低光光效所致的一个巨大的影子在他身后相随，如果说嬷嬷的影子是贪婪本性内心欲望的象征，是人格的另一半存在，那么X的便是被他的影子淡化了存在感，让人印象深刻，默默无闻，受尽类似X律师甚至妻子X的忽视。

同时又被影子吞噬，在深爱的妻子为名利的极端欺骗前迷失了自我，乃至成为了骗局中的一个参与者。

最后的逆光剪影效果更是加深了黑暗的吞噬感，他俨然已经成为了妻子Roxie名利道路上的一枚棋子。

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越。

可《Chicago》的完美让所有的模仿只是种空白。

或许《Chicago》让人百看不厌是不仅因为它歌舞升平、浮光溢彩。

而是它流离张弛、惊艳风情的电影摄影视听种种语言，让人在大呼过瘾的同时感受到人物在浮光转身之后的，那摆脱不掉的欲望躁动。

2009.3.5.影评课期末考试作业

我很喜欢在这样的阴雨天看电影。

因为这样就没有刺眼的阳光使我的屏幕反光，使我看什么都是白得透明的虚无，使我常常不得不起身遮挡透过窗玻璃的太阳光，一站就是一两个小时而累得不行。

视觉的不快还经常会造成情节的模糊，使心情游离在剧情外，沉不下心思。

作为一个电影爱好者来说，这是非常令人痛心的。

我也喜欢这雨天里的静谧。

中午，一杯热咖啡，一部心仪已久的好片子，就可以享受到一顿美味的电影大餐，这是我最享受和愉快的时光。

假如时光能够停留，我愿就在此刻，在滚烫的咖啡香气的氤氲间，在激情而放荡的爵士乐里……中午特别看了《芝加哥》，之所以特别，是我把好片子都特意留待这样的天气看，好让我完全沉入佳境，充分而彻底地感受那片中的音画魅力。

我不得不说这是部符合我胃口的好片子。

两个美丽风情而性感的女人，萝克西和薇玛凯莉，都因杀害欺骗自己的男人后被判了刑，在生与死的抉择中，色、名、利、欺骗、交易……一个奢华颓靡黑暗的芝加哥登场了，在穿插着歌舞、爵士与故事情节的展现中，将芝加哥社会金钱至上的丑陋面纷呈于前。

这就是芝加哥，在监狱里打电话，给钱，辩护，给钱，只要你给得起，就可以洗脱你罪证确凿的罪名。

而靠此得名利的律师比利却可以为你制造假新闻，为你打造故事，粉饰你的过去和人生，让你博取众人同情的同时轰动媒体，最终，你无罪出狱，而他，则名利双收。

芝加哥的规则，用比利的话说，就是“永远都有新鲜的血液”。

反之，就如那匈牙利女人，被一吊而终。

从某个层面上讲，芝加哥是丑陋和黑暗的化身，是罪恶和荒诞的象征。

影片刻意讽刺挖苦了上世纪20年代芝加哥的浮华糜烂的社会风气。

歌舞剧的元素使这部片子有很多与众不同的看点，这使我认为此片最精彩处就在于穿插在片中的那些歌舞片段，如果有朋友喜欢歌剧，喜欢爵士风情音乐的，大可找来一看。

片中那精美的探戈秀，激情而放荡的爵士可谓登峰造极，丰富而奇特的道具、场景，简直令人目不暇接。

开场的那首“All That Jazz”实在是精彩绝伦啊。

我最喜欢的是“Cell Block Tango”（牢笼探戈）片段，真的是很有意思，百看不厌，很震撼！

齐薇格饰演的萝克西虽然戏分较多，但我还是比较欣赏凯瑟琳.泽塔扮演的薇玛凯莉，大胆泼辣，激情放荡，可谓惟妙惟肖......我在等，等某个阴雨天再来临时，我将决定看第二遍。

有一类电影，它们堪称典范，只能模仿，无法超越，它们之后的类型片成为“后××”电影。

例如：后《骇客帝国》时代的科幻动作片；后《指环王》时代的奇幻史诗片。

一类影片因为某一部的功成名就雨后春笋风起云涌，但没有谁能再次成为呼风唤雨的王者。

或许《芝加哥》的出现，也使它之后的歌舞片进入了后《芝加哥》时代，它的完美让歌舞片前景黯然，所有的模仿也许只是另一种空白。

《芝加哥》让人百看不厌，是因为它歌舞升平、流离张弛、戏谑有度、浮光掠影。

本来就不需要太多深入灵魂，香艳魅惑得淋漓尽致，便足够愉悦神经。

《芝加哥》就是如此。

珠光宝气、绫罗绸缎、活色生香、欲望高涨，到处是修饰过度的脂粉气。

它俗气并自负，它却生动无比，它的浪荡狂野让一切清高和矜持黯然失色。

一连串流畅奔放的蒙太奇，舞台和现实一片离奇的混沌，丰乳肥臀香歌魅舞之外，叙事本身即性感迷人。

《芝加哥》的一切都让人大呼过瘾——如果流气的约翰特拉沃尔塔，能取代木讷的理查基尔的话，就全篇完美了。

PS:相比下，《吉屋出租》就显得十分生涩了～～～

《芝加哥》欲望总是能让你不择手段的失去自我。

同为迷失在都市中的两个可怜女人，却都同样沉迷于内心那份贪婪的欲望。

城市的浮华，人性的躁动，没什么能比歌舞类型片更贴切的表现那个娱乐至死的时代。

暗色系的现实生活，用浮夸的歌舞外放人物的心理活动，用这种略有戏谑的方式将人性的表里不一刻画的淋漓尽致。

作为第75届奥斯卡最佳影片得主，电影胜在剧情与歌舞的充分融合，丰满人物的塑造，以及对特定年代社会形态的冷嘲热讽。

值得一提的是在这个几乎为全女性的故事里，爱情（甚至包括友情）不再呈现出任何美好与憧憬，而是作为一切恶行的源头出现，讽刺的是你只有彻底舍弃这份情感，才有可能获得新生，这算得上是一黑到底了吧。

8分。

Ps：相比蕾妮·齐薇那张永远浮夸委屈的脸，凯瑟琳·泽塔-琼斯的表演确实要好出太多了。

一句话评论With the right song and dance, you can get away with murder. In a city where everyone loves a legend, there's only room for one. It's Just A Noisy Hall Where There's A Nightly Brawl...and All That Jazz The one movie that has it all. It began with a hit... If You Can't Be Famous, Be Infamous.幕后制作要充分欣赏这部2002年度的第75届奥斯卡最佳影片，必须细细品味其中的嘲讽精神。

影片用貌似赞美的口吻，把上个世纪20年代以芝加哥为代表的浮躁心态彻彻底底挖苦了一番，而里面的内容对于80年后的今日中国居然不乏适用之处。

片中有一句经典歌词，叫做“杀人可以是一门艺术”，该片的妙趣可以归纳为“恬不知耻可以是一门艺术”。

马歇尔承传了鲍伯·福西的风格，并大胆将整部影片处理成罗西的幻觉。

他充分发挥出演员的歌舞潜能，泽塔-琼斯获奥斯卡最佳女配角，其他多名演员获提名；他还赋予“监狱探戈”、“操纵媒体”等片断高超的视觉创意。

花絮 ·在影片中，两位女主角为了争得名声而明争暗斗；而电影的现实中的女主角之争，也是异常激烈。

麦当娜、戈迪·霍恩、妮可·基德曼、朱丽娅·罗伯茨等著名演员都有过和“芝加哥”的“绯闻”。

·在男演员方面，曾经主演过《油脂》、《低俗小说》、《变脸》的约翰·特拉沃尔塔(John Travolta)一度收到制片方的邀请，最后他却以不愿意在20年后投拍一部类型相同的影片拒绝出任男主角。

·另外一个谣传，则来自于本片的CD大碟。

曾有传说珍妮·杰克逊曾有意献歌一曲，到最后却不了了之了。

·成为米拉麦克斯电影公司票房最高的电影，国内票房就到达了一亿七千一百万美元。

·该片音乐剧从1975年4月12日开始，在美国纽约的百老汇演出，直到1977年8月27日停止，总共演出936场(包括24场预演)。

·导演希望凯瑟林·泽塔-琼斯在影片中展现自己真实的长发，但她坚持要换成短发。

在人物杂志采访时，她的解释是不想让长发垂在她的脸上，这样就会成为大家怀疑她是否真的在里面跳舞的一个把柄。

·这是约翰·特拉沃尔塔拒绝然后理查德·基尔接下演出的第四部电影，之前还有美国舞男 American Gigolo (1980)，天堂里的日子 Days of Heaven (1978)，军官与绅士 An Officer and a Gentleman (1982)。

·理查德·基尔花了三个月的时间上踢踏舞课。

他的踢踏舞场景是在半天时间内拍摄完毕的。

·在监狱场景中，胡雅克开始说的是匈牙利语，但最后的一句话说的是俄语，她说的意思是“救命，救我，好吗？

”穿帮镜头 ·连贯性：荣斯看着弗里德的钱包，在里面的那张弗里德孩子们的照片。

·时代错误：在法庭的美国国旗上有50颗星(应该是48颗)。

·荣斯·哈特唱歌的场景中，就在她唱着“谁说凶手不是个艺术家”，荣斯走过一排镜子。

拍摄途中，就在荣斯的右边可以看到摄影组工作人员的倒影。

·连贯性：当荣斯拒绝手下维尔玛的钱时，维尔玛把钱放在她的裙子下面。

在每一个镜头中，钱的位置都在变化。

·在表演“单人房间探戈”的时候，可以在安妮的胸前黑色的装饰上面看到录音器。

·事实错误：在电影好几次提到哈里森是区律师助理Assistant District Attorney。

实际上在伊利诺斯州，并没有区律师District Attorneys，他们被称之为州律师State's Attorneys。

·连贯性：在唱“爱是我关心的全部”时，女犯人脱下她们的囚服，在一个镜头中，她们戴上头巾，在接下来的镜头中，她们再次把头巾戴上。

·连贯性：荣斯和比利在讨论她该在法庭上穿什么衣服的时候，在她的右边的头发上，有一段很长的马尾辫时有时无。

·在最后跳舞的场景中，可以看到有人在维尔玛和荣斯身后通过麦克风说话，指挥着他们。

然而，在介绍他们第二段表演时，你可以听到同样的声音，但冲着麦克风说话的这个人已经转身在看音乐师，麦克风离他的嘴巴很远。

前几天刚看了 Chicago。

好吧，我承认我是 Old Fashion，不过有些东西，我宁可去偶遇，所以当在同事的电脑中翻到 Chicago 的时候，自然是不会再错过了。

将黑手伸向 Broadway 的经典舞台剧，改变后将之搬上大营幕，这是 Hollywood 那些精明的投资商和导演的最新伎俩吧？

虽然鲜有成功，但瘦死的骆驼比马大，怎么招都能博得影评人的一点怜悯。

但 Chicago，这部曾获得六项奥斯卡奖的歌舞大片，以4500万美元的成本换来美国本土1.71亿、全球3.06亿的票房，的确是一个商业和艺术的双丰收，但是我宁可称其为社会现实讽刺剧，而不是歌舞剧。

它并不是一出传统意义上歌颂真善美或者爱情至上的歌舞剧，甚至在歌舞的表现以及侧重方面，Chicago 一剧表现得并不出色；而在揭露社会现实和嘲讽这一意义上，它比一般的歌舞大片有过之而无不及，相信美国电影工会的评委们也正是考虑到这一点吧？

Chicago 所提出的“大娱乐家精神”贯穿本剧始末，顺着这个概念，剧情被惯连，人物被充实，同样的，由这个概念，三位主人公的形象到最后都被拆解得支离破碎。

什么是Chicago的“大娱乐精神”？

它表现在Richard Gere 饰演的芝城大律师Billy Flynn 的道貌岸然、一手遮天、颠倒黑白，它表现在Catherine Zeta-Jones 饰演的舞女Velma Kelly 的血刃亲人，它表现在Renee Zellweger 饰演的Roxie 的爱慕虚荣。

而导演Rob Marshall 给出三位主人公一个看似完满乃至荒诞的结局，是出于商业需要，还是隐含了对现实的嘲讽？

相信各位看管都各有说法罢。

本文也就不过多去争辩了。

撇去产子后体型尚未完全恢复不谈，Catherine Zeta-Jones 的歌舞技巧实在让我震惊！

以至于到了篇为都一直认为它是女一号：每一个舞蹈动作相当到位，一颦一笑中的风骚，吸烟与拍照时的风情万种，当然还有厚实、具有磁性的嗓音。

最让我记忆深刻的几个场景：当Zellweger 被当作Gere 大律师的头号客户时，Zeta-Jones 眼神中那种黯然的失意；当为了讨好Zellweger 的时候，像小丑一般的说服她与自己搭档组合（剧种Zeta-Jones并不需要，它只需要利用Zellweger 重振她往日的声明）；最后出狱时再次诚心邀请Zellweger 与她组合，并略微尴尬的掩饰自己当前破落的窘境。

三个场景，三种心态，三个表情，却都将角色本身的自信和高傲分毫不差的表现出来，可见 Zeta-Jones 早将这个舞女的角色揣摩得入木三分。

Renee Zellweger 的角色不如几年后在 Cold Mountain 中那样突破，不过表现依然可圈可点，虽然 Catherine Zeta-Jones 出场在先也并未让她逊色多少。

Zellweger 所饰演的已婚妇女，本来应该安于家事，但却对在闪亮的聚光灯下彻底迷失自我。

她为了成为一名歌手主动献身却被欺骗，恍然大悟气愤交加她居然举枪就开。

而在监狱中她从开始的害怕、憔悴，经过Richard Gere 所饰演律师的“炒作”“包装”骤然走红，从一名杀人犯“洗心革面”的变成了一名受害者，又在即将被媒体抛弃、全面失宠的情况下“急中生智”“怀孕晕倒”，再次引爆媒体的追捧狂潮。

这便是暗讽光怪陆离的娱乐圈内各类“炒作”“曝光”的娱乐事件。

不过在最终被判无罪的霎那，Zellweger 从飘然的天堂落回现实的地狱。

粉丝的来信、鲜花啊！

重获新生的她似乎已经开始回忆在监狱里的美好时光，这又是一个绝妙的讽刺。

Zellweger 的表演，时而性感可人，时而楚楚可怜，将人物塑造得有血有肉，让人爱恨交加；而她高音区极剧爆发力的嗓音和略微沙哑的歌喉，让人觉得她不出张爵士专辑简直是浪费了这把好嗓子。

两女一男一台戏，不过这个男主角选得真是败笔。

他可以是John Travolta，也可以是 Antonio Banderas，当然 Ewan McGregor 也是可以考虑的…… 但Richard Ger？

为什么偏偏是Richard Gere？

从他一出场就与整个歌舞剧显得格格不入。

没人质疑Richard Gere 的形象，或是演技，要知道这种伪善、道貌岸然的角色简直是为他量身定做，而到了歌舞环节…… 你就知道他的嗓音和肢体协调能力多么贫乏了。

不过 Chicago 一剧的小高潮便是从Richard Gere 和Renee Zellweger 二人的木偶剧开始，二人滑稽夸张的面部表情尤其值得再三玩味。

同样还需要提及的两个配角和两个舞剧戏中戏，一个是饰演囚犯长Mrs. Morton的Queen Latifah，以及在极其经典的Cell Block Tango 中的6号女囚的 Mya。

身为 Hip-hop/Rap 界的大姐级人物的Queen Latifah，本身就有多年电影和话剧舞台的演艺经验，而囚犯长这样有一定“分量”的角色找她自然是没错的。

而在Queen 上场的那段When You're Good to Mama 中，急促厚实的低音鼓也同样突出了她的“重量级”，当然，这样一首风骚十足的歌曲，恶俗，倒也相当直截了当——When you’re good to Mama, Mama’s good to you. 6位女囚所表演的Cell Block Tango，创意好、剪辑好、歌舞编排好、舞者实力更好，除了女配角Zeta-Jones 之外，各个都是专业出身。

个人喜欢第一个出场的Susan Misner、黑人女囚Deidre Goodwin 和俄罗斯舞者Ekaterina Chtchelkanova。

当然还有那碟超大配菜：6号女囚，美国R&B女歌手 Mya ，但实话实说，这个角色丝毫没有给她任何表现机会。

好像很多人、很多影评人、很多职业影评人都将 Chicago 与 Moulin Rouge 相提并论作比较，甚至说 Chicago 是因为 Moulin Rouge 的陡然走红才草草赶制出来的，这点纯属无稽之谈。

事实上，早在 1996 年，Chicago 就开始了女主角的甄选工作，而当时最被看好的 Madonna 在 Chicago 和 Evita 之间选择了后者，详情在任何一本Madonna传记中都有记载。

而随着时间的推移，剧本需要删改、演员没有合适人选、投资商和电影公司也渐渐失去信心，最后拍摄计划不得已搁浅，开机遥遥无期。

直到Moulin Rouge 的大获成功，让 Miramax 再次有打捞一笔的信心，才重整人马投入拍摄，终于带给你这出“大娱乐剧”Chicago。

而同样作为歌舞剧，相对于 Chicago 针砭时弊的严肃主题，Moulin Rouge 的题材就显得中规中矩：浪漫爱情悲剧；同样的歌舞情节在两剧中所担当的任务都不同：Chicago 中，歌舞情节是对剧情的权势、结构和说明，而 Moulin Rouge 中，歌舞情节从属于剧情，无法将之抽离开来。

做一个不太恰当的比方：Chicago 一剧若是《红楼梦》，Moulin Rouge 就是《罗密欧与朱丽叶》，中外经典，相障得益，各有所长。

如果你看过 Chicago，不如趁现在温习一遍。

如果你还没看过，不妨找来一看，这样的影剧，偶遇，太难。

附录：推荐一篇针对本剧歌舞片段的评论 周黎明：《芝加哥》歌词赏析 http://www.mov8.com/dvd/freetalk_show.asp?id=8449

《Chicago》只能用一个词来形容，就是惊艳。

作为一部歌舞电影，《Chicago》的成功不仅在于其深刻揭露了生活的真相与本质，更在于其使用高超独特的拍摄技法造成了不同寻常的视觉效果。

从整部电影的摄影来看，用光方面，影片大量使用戏剧光效，将戏剧光效和自然光效结合，自然光效提醒真实事件的发展，而戏剧光效引发观众的思考和对影片中人物的读解。

片中多处出现过曝光的大气透视效果和蓄意光不接，描述人物的心理感觉。

在暖色调里出现的阴影充满了不安全感，表现人物不稳定的内心状态。

色彩方面，影片中不断变化的色调呈现大的反差，突出表现了主要人物的个性。

有一小段消色处理作为报道内容与现实生活的区分。

构图方面，在运用假定的戏剧光效描述人物心理活动时，使用舞台调度方法，小景深，具有美感。

多用音乐歌舞剧形式来烘托角色，反映人物内心情绪变幻，增添华美情趣。

运动的人物大部分时候处于画面的黄金分割处，多变的背景使画面饱满而充满动感。

摄影机在拍摄舞台式场景时，多使用运动镜头，表现一种旺盛的精力和强盛的欲望，虚幻却强烈；在真实场景里多用固定镜头，与舞台式的场景进行区分，表现出稳定性和真实感。

镜头的推拉表现出片中主人公起伏不定的情绪和人物与环境的关系。

电影第一个镜头出现的是一双眼睛的特写，从之后的内容我们可以知道，这是女主角的眼睛，镜头慢慢推近，推至一只眼睛眼球直至瞳孔的特写，接着使用后期剪辑特效将画面渐变为电影名称中间的字母，自然而然引出电影标题。

从画面内容上说，首先是Roxie的眼部，眼睛微红，充满了渴望的神情，与电影开场后看Kelly表演时的状态前后呼应；以人脸的局部示人，有神秘感，容易引发人的观看兴趣。

镜头推近的运动方式象征着一种靠近和探索，充满索取和不依不饶的意味，这又和主人公的性格吻合。

表面简单的特效在我看来是有所用意的，Roxie这个人物就仿佛一种象征，她是Chicago这个大城市背景下的一个小人物，但她的经历有着鲜明的代表性，在Chicago这个城市，有着太多和她经历类似的人，她就是Chicago的代表。

某种程度上说，是环境极大影响甚至造就了人的命运。

紧随着一个男人口中快速念节奏的声音，Kelly引燃歌舞热力的开场序曲响起，电影镜头从男人的侧面剪影快速切换到剧场的顶灯，强光暗示着人们，又一个充满诱惑和欲望的夜晚开始了。

伴随热力十足的节奏，镜头快速切换和移动，由场内的顶部移至形态各异的人群。

从最开始的几个镜头就出现了明显的色偏，偏蓝的镜头迅速切换到灰黄色的场景，之后的镜头显示出剧院内有两大类不同色调的灯，一类是蓝色的冷色调灯光，一类是橘黄的的暖色调灯光，两种颜色搭配，造成一种刻意的不和谐。

舞厅的灯光是纯人工光，在拍摄时便于控制，此处的蓄意光不接意在说明剧场内的混乱，到处藏着冒险和成功的机遇，这便交代了芝加哥大环境缩影的基本状态。

而整体戏剧光效的使用则暗示着人们的虚伪，人性的异化。

Kelly的出场主要用了跟拍的形式，先是通过近景跟拍凌乱的步伐，侧面展现其内心的慌乱与不安。

接着将人物纳入后台的环境中，用中全景继续跟拍，晃动的镜头也暗示这画面中人物的情绪。

而一直用从人物背面跟拍的形式，能够很好的调动观众的兴趣，并达到之后人物登台表演的震撼效果。

之后的表演由两条线索构成，表演中的Kelly和与送奶工偷情的Kelly的仰慕者Roxie。

在色彩上，舞台中央的Kelly所处的环境呈幽蓝色，在光线的照射下产生了大气透视效果，显得朦胧而充满了诱惑；与此同时，Roxie处在一种由浅灰色转向昏黄的色调里，充满了阴暗的欲望和挑逗。

两位女性的动作和情绪都是不断变得激烈和兴奋，这其实暗示了两人日后的交集和互通的命运。

之后镜头集中于Roxie经历和变化，在室内出现的争执场面光效接近自然光，但由雾气制造出一种暧昧的氛围。

作为一部由经典歌舞剧改编的电影，歌舞场景自然少不了。

接着出现的就是Roxie的第一个舞台镜头，明黄色的灯光从左上方摄下，营造出温暖静谧之感。

在深蓝色的背景前，一束灯光直射在她的身上，而人物基本处于视觉中心的位置，又是受光点，能够完美地展现出舞者的表演，色彩和大气透视效果表现出一种虚幻，暗示观众这是主人公意念里的想象，与现实里的正常光效形成区分和对比。

一段表演过后，影片出现了多画面构图，左侧是舞台上暖色光照射下的Roxie，右侧是她坐在明亮灯具下全身却呈现惨淡青色的丈夫。

色彩和光线的区分显示出夫妻两人貌合神离的情形，红色象征着愤怒和压迫，青色则代表着压抑和痛苦。

画面中大部分时候都是处于偏上方向的位置，站立着；而她的丈夫以坐姿居于偏下的位置，这也暗示了两人的关系是压迫与被迫，欺骗与被骗。

整体的戏剧光效以及明显的大气透视效果呈现出一种虚幻的，明显区分于现实的情景，表明这一切只存在于为了登台而疯狂的女主人公脑海中。

同样，监狱长莫顿的舞台表演式出场也只是存在于Roxie的想象里，而影片利用歌舞表演的镜头极大地丰富了电影的内容，作为人物的内心独白，使得主要人物的形象变得丰满许多。

监狱里整体的灰色场景和酒吧里色彩饱和度极高的场景形成鲜明对比。

现实的残酷加重了主人公错乱程度，而歌舞便是人物最真实的内心独白。

监狱长联合囚犯，办任何事情都要高价收费的情况，暗示了芝加哥是个充斥着金钱和交易的城市。

接着就是女囚群舞一段上演了。

说到这一段，不得不提到影片优秀的音响效果。

整部电影用的大部分配乐是爵士音乐和探戈音乐，而在女囚歌舞这一段中，音乐与画面的配合非常到位。

水龙头的画面出现后接着想起滴水声，其后从女犯们口中发出的声音开始，每个声音都对应着视觉对象。

画面随着声音的加快，切换速度也不断加快，形成节奏。

接着女囚一个个出场，至此监狱已经完全变成了舞台。

女囚们在光线中舞蹈着，美感中充满怨恨和杀气。

每个女囚跳舞结束时都有几句歌曲和一段探戈舞结束，形成重叠以加强效果。

每段舞蹈的高潮时，灯光都会转为红色，作为死亡和鲜血的象征。

而舞蹈中她们每人手上都拿着的红丝巾也同样作为鲜明的意象，有着强烈的震撼力。

片中男主角Billy的出场仍然选用歌舞剧形式。

不同于监狱长莫顿的出场，Billy的出场没有真实场景进行切换，完全由在舞台上的表演构成。

人物在舞台上的活动也完全使用纯粹的舞台调度方法。

而对灯光的拍摄则是对情况假定性的一种强调。

在之后Roxie和Billy答记者提问的那一段，戏剧光效镜头和自然光效镜头进行切换，自然光效下看似正常的场景掩盖了真相，是虚假表像，而舞台上看似夸张的表演恰恰是对真相的揭露。

提线木偶的造型和两人一致的口型暗示着Roxie被Billy操纵的内幕，后半段女记者的加入则暗示传媒已经被收买，将进行不符实际的炒作。

将答记者会作为一场表演，也揭示出了人性的虚伪。

采访一结束立刻被报道，而关于报道内容的一段，全部是消色的。

这段情节是将报道的内容形象化，是经过舆论化的事实，不再是真相，为了与真相区分，所以采用了消色的手段。

Roxie成名后内心独白也有一段歌舞，这是一段单人表演，背景很简单，大多数为黑色，人工光照射在演员身上，很好地突出了主题。

采用舞台调度时，先是由远近推近至中景，由表现舞台环境逐渐集中表现人物的神情和动作。

为了不使画面太过单调，加入了镜子作为构图元素，使观众可以从多角度观看表演，也表现主人公的不稳定情绪。

在狱中Killiy为了说服Roxie和自己组成组合费劲口舌，Roxie脑海中Killiy的表演又被舞台化。

为了表现强有力的动感，使用的一直是运动镜头。

之后Roxie的丈夫小丑造型的表演揭示了他在整个事件中扮演的角色——在芝加哥，真心和善良被当做愚蠢，虚伪和邪恶却大行其道。

绞杀女囚的凄惨场景被处理成一场精美绝伦的演出，女人身穿白色的芭蕾舞裙，全身被灯光照亮，产生了一圈白得发亮的光晕。

而观众席上的人群都被染成了血红色。

女囚和观众产生了明显的区分，仿佛象征着女囚已经离开了尘世。

残忍冷漠的人们把绞杀看成是精彩的表演，毫无怜悯可言。

绝望的惨白色和惨烈的血红色出现在同一画面里，不仅具有极强的视觉冲击力，更强烈地震撼着人的心灵。

最后绞架上垂下的绳子作为摇晃的前景要摆在热烈欢呼的观众面前，其实也暗示了现实里人们对于一个生命消失的无情。

在两位女主人公均获得自由并最终决定合作后，她们有了一次真正的演出，这次两人身上的光都特别明亮，色偏的现象比较少，表明着通过媒体炒作的力量，她们获得了重生，获得了光明。

这部影片将人内心深处的恶揭露出来，影片中，情感是最无用的，性爱为的是名利，友情背后充满阴谋，人和人之间互相利用的关系显得那样天经地义。

在二三十年代的芝加哥，媒体炒作的水平已很是高超。

在这样的背景下，生活就像是一场舞台剧，华丽地上演着荒谬的情节。