三块广告牌

目前2018奥斯卡BP最佳影片赢面最大。

值得观看。

一片面面俱到、剧透得彻彻底底的影评。

标题是我起着唬人的喂。

3月2日全国艺联院线上映，大家可以自行选择。

本片的精妙之处在于恰到好处地平衡了各种社会现象的表现篇幅，看似各个方面都是轻描淡写，却以致实现在一个完全虚拟的故事环境下，还原真实的社会生态：社会潮流和个人自身生活的联系，是若有似无、却又无所不在；对于社群间的人际关系，则是理不清又无处回避。

1. 叙事构架和基础——「真」故事发生在「假」环境故事背景的时空选择上，「三块广告牌」发生在密苏里一个叫Ebbing的虚构小镇上。

回想一下，这是否是一个常见的故事假定前提？

这种人为假设往往有几个共性：地点虚构：密苏里是真实存在的，民国的西南大后方（国产片很爱用的时空选择）是真实存在的，但创作者又把虚拟的具体地点安营扎寨在真实环境中。

相对封闭的空间性：整个故事都基本都在这个场景下发生，有点独幕剧的意思；场景外界的影响少而间接，只作旁白式的交代，例如他去重庆了，他从重庆回来了，并不直接把在重庆发生了什么搬上台，不发生除了虚拟场景以外的地点的直接沟通。

在如此纯粹的环境下，一方面既杜绝了天马行空的脱离现实性，但又保留了对故事起承转合的掌控权；总之，在一块完全的空白画布上，作者得以施展完整的世界观创作。

虽然前面这些写的比较繁琐，但这是创作的第一步；有了这个基础，才能实现交互性这个目的。

现实类的、揭露社会问题倾向的剧本必须在戏剧性和给人可以感知的真实性之间做个平衡，也就是shocking and real并存。

因为场景架空，就必须以充沛的、复杂交错的、尽可能仿真的交互性来实现，I don't know where it happens but I know it's real for sure的目的。

但并不能以单项、中心思想的目的为出发设置各种情节冲突，如同生活本身最多算是螺旋上升的，生活本无从谈起其目的性。

故事有目的，故事创作者以此来表达个人观点；别忘了故事本身可没有是非观、也绝无倾向性。

身患绝症时日不长的警长Willoughby在和女主角Mildred Hayes对质时，因情绪激动无法控制地喷出一口病血；而当他躺在担架被送往医院途中，他却不忘叮嘱下属不要因此为难Mildred.最让人感到有悖常规逻辑的是，Willoughby在身中主动提出帮Mildred支付内容为一个月公开责问自己的广告牌的租金。

Mildred是警局纵火事件的制造者；而Dixon作为火灾受害者，尽管猜测到了纵火的真相，却丝毫不放弃帮助Mildred捉出嫌犯的蛛丝马迹。

Dixon把广告牌出租方Welby扔出窗户造成住院，却意外受到后者慷慨的安慰和关心。

的确，社区容量越小，成员之间关系越显亲密，又爱又恨，既毁了他，又有求于他，种种情感得以重叠在同一个对象身上，就越盘根错节。

我们可以用这样一种解释，情感难言对错；但每个人都在社会中do their own part,这是最付出了多少努力，就能得到多少回报的掌控度较高的事了。

那么回过头来，以评鉴角度来看，为什么我觉得国产片的「驴得水」、「不成问题的问题」太戏剧化了？

在这些影片的情节设计中，都具有浓厚的作者观点性和人为导向性，人的动机和出发点只有一个——那就是实现本片主旨。

人是复杂的，生活是难辨对错的，失去了这一种是非模糊，也就脱离了生活的真实性。

哦还有镜头一动也不动（偷懒）这一点加成。

2. 略略影射：宗教势力对于社会事件的明暗态度本片中出现了社区教父这一角色，出面为Mildred的广告曝光做息事宁人的平息周旋。

这绝对是导演的有意安排，增设的两组对比（另一组在下文），用虚构讽刺现实。

影片中神父来到Mildred家中拜访，希望她撤下广告牌，消除对社区形象的不良影响。

家丑不外扬的出发点，不由让人想到震惊全美的神父亵童案件（「聚焦」取材的真实故事）。

教父想要put it down，仅仅是出于维护社群关系表面和平的关系，却让人联想到可能的更大阴谋。

教会势力不仅对恶行冷眼旁观，甚至可能是恶性的制造者。

反政治正确（一个亮点）有意思一笔在于，有一处Mildred反问警探Dixon黑奴事件处理得怎样了，这里可以理解为Mildred为了在对话中获得先发制人的气势上的优势，抛出了一个对方难以回答的棘手问题，责难Dixon之意大于实际问责的目的。

借机借Dixon（一个传统南方州PD）之口，导演蜻蜓点水般地，有意无意提及了对于有色人种的态度。

如今西方社会对于种族平权的矫枉过正似乎是人人心知肚明，但又是种心照不宣、不敢不随波逐流的过度政治正确。

更讽刺的是，说辞上政治正确了就万事大吉，没人关心虐待事件本身究竟发生与否。

新闻传播中的泛道德化树广告牌本身就是一种寻求曝光和唤起公众认知的做法。

值得注意的是，Mildred第一次接受电视台的直播采访，同样是想借助媒体传播之力。

但到了后程，媒体兴趣和利益发生转向。

Willoughby的自杀是一个绝妙的转折点。

在这个节点上，观众会非常紧张接下来的篇幅是否会描写媒体追逐新闻爆点和民众易被煽动的情绪结合，造就又一出泛道德化的舆论迫害？

本片以画外音（新闻报道之声）点到了这种倾向，Willoughby的自杀原因还未查明，但是否与前几个月Ebbing小镇上对他的公开谴责广告牌事件有关呢？

在此刻，Mildred的心里估计也是十分担心这种舆论发酵的可能性。

但影片的做法依旧是略带一笔，没打算在这个问题上做过多停留。

的确，并不是每一次真相都会被利益性解读，大多数的节外生枝并没有那么猖獗的生命力。

第二次同样在三块广告牌前，同样是摄像机和直播的记者，Mildred这回是开车路过，她毫不掩饰自己对于媒体态度不信任态度。

立起广告牌更多的只是情感的宣泄口，随着故事的发展，Mildred越来越明白，想要实现自己的目的，不得不自己来，借力只能是锦上添花。

3. 人物行为动机：探讨「执着」究竟有无意义同样是女性维权，寻求曝光，不由让人想到发生在90年代中国的「秋菊打官司」，而主角同样是来自小镇的家庭女性。

尽管发生在不同时代，不同国度，这里是竭力找出凶手，后者是要个说法，缺没把现实实行的可行性和达到目的的可能性完全考虑在内。

这种“我不管，这事儿非得XX”的执着较劲的劲儿，我想在女性身上比男性是要强得多（纯客观描述）。

不管执着本身有无意义，还是给自己心理上一个交代（无论结局如何，我都尽力了）。

而故事发展必然是情绪的渐渐平息，片尾Milred说，我们可以在路上再做决定；抗争过程似乎慢慢消耗较劲的能量的过程，如同大吵一架过后的精疲力竭。

两位女主的另一个相似点是，对事不对人；Willoughby和村长都属于小地域上的有所威望的权力阶层，他们绝不是恶人，或许在这件事上处理欠妥，但把全部居民的矛盾都（通过此事件）指向他绝无可能。

棘手之处在于，总体上说他是个好人，还是挑明他此次的失职；尤其在一个人与人之间关系黏合度非常高的社会里，情与法，就事论事是不是就与撕破脸皮划上了等号？

Willoughby命不久矣的身体状况，村长最后又成了秋菊的救命恩人，又把人物间的关系包含进了性命的这个高度的元素，便使得问责人的权力受到自身良心的拷问和外界对于其不仁的质疑，进而更只能把追究就事论事的权责对错含糊过去。

4. 细节处理上：细节击中痛点与矛盾的整体趋向和解（我常常谈的一点）以上观点在「海边的曼彻斯特」中得到了淋漓尽致的呈现（非常有意思的是这段对白出自同样出演海曼的Lucas Hedges之口），同样是以不幸事件的承担者做主角，海曼以细节的关注出发，触发观众感同身受的敏锐痛觉（比如Patrick由冰箱门联想到freezer里的尸体，种种物是人非、物物相似性的瞬间联想，实现了影片中主角情感的即刻触发，而经历的共通性顺延到了观众的同步情感共鸣，有兴趣可以看我之前详细写的「海边的曼彻斯特」，100%源于生活。

）；与之侧重点不同，三块广告牌总体风格是事件因果、环节盖过内在情感勾连构建。

如果说海曼是亲近一个不幸的人，那么三块广告牌并没有太多关注不幸本身，而通过不幸做爆发线索，牵扯出事件参与者之间的错综联系才是其目的。

以下是抖机灵的插科打诨时间 先吐槽一下开场前半小时我觉得太太太出戏了，为什么呢？

以下截图可以近期不同片子里同一个演员、极其相似场景的无缝对接。

在影片中Mildred还有个儿子，他刚出现的时候我是十分震惊和错乱的。

没错这就是海曼中的未成年男生，一样是常常坐副驾驶，一样是在副驾驶上和遭遇不幸的家长争论。

这两个角色都是影片中的辅助性角色，相似度太高了。

一路开车从麻省到南方，镜头几乎是可以无缝替换，根本无从分清出处。

Lucas Hedges in Manchester by the Sea (2016)

Lucas Hedges in Three Billboards (2017)你以为这就结束吗？

接着如果看「伯德小姐」（今年热门，很红），这个男孩子又出现了。

连同是Timothee Chalamet（今年一样很红很热门的「Call Me by Your Name」的主演）一起出现在了加州首府Sacramento，哇这真的是时空错乱。

同样，「真探」中的Woody Harrelson，时隔两年再次出现的Missouri警探，发型和执勤的州名都不换一下的。

镜头依旧可以无缝替换。

Woody Harrelson in True Detective S01E01 (2015)

Woody Harrelson in Three Billboard (2017)*本文转载请联系作者，谢谢合作。

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“Violence is strangely capable of returning my characters to reality and preparing them to accept their moment of grace.”-- Flannery O'Connor引子电影一开始，麦克多蒙德饰演的Mildred Hayes走进镇警察局对面的广告牌租赁办事处，里面的小伙子正在悠闲地读一本书，这时镜头特意给到了书的封皮，“A Good Man Is Hard to Find”（《好人难寻》）。

我们由此被带进了一个“好人难寻”的小镇Ebbing。

美国南方女作家弗兰纳里·奥康纳是那本《好人难寻》的原著者，她作品里的荒诞与暴力和电影里的黑色幽默有着异曲同工之妙，但在我看来，两位作者对暴力的态度才是解开这部《三块广告牌》的钥匙。

除了奥康纳之外，麦克多蒙德和密苏里是我眼中本片的另外两个题眼。

体会麦克唐纳片中的人物塑造和地点设置，尝试揣摩荧幕背后的“文本背景”，是我在看完《三块广告牌》之后更感兴趣的。

一、麦克唐纳笔下的麦克多蒙德科恩兄弟电影里的常客，乔尔·科恩的结发妻子，麦克多蒙德算是当今影坛极少数能呈现Mildred Hayes这个角色的女演员之一。

尽管老了二十岁，但和奥斯卡封后《Fargo》里的女警官Marge一样，麦克多蒙德一如既往地献出了精彩表演。

她展现了Mildred的精干，果敢，和不留情面，同时也十分收敛和细腻地将这位单亲母亲在暴力背后的敏感呈现给了观众。

“I know you didn't baby.” ——在问询室的激烈交锋中，身患重疾的老警长在动怒之处突然咳出血来，面对道歉（“I didn't mean it”）Mildred下意识的反应和答话刻画了这个人物“柔软”的另一面。

如此“双面”的人物刻画在《三块广告牌》中是相当统一的。

在有限的笔墨内，麦克唐纳试图把每位主角都包装成可以从多个角度去体会观察的“戏剧”形象。

他们或许不够完整丰满，甚至不够真实，但在“戏剧空间”里却相当生动鲜活。

贯穿全片，导演并不试图让我们“浸润”到他们生活中的方方面面（即用“真实”感染人），而是通过特意安排的剧情桥段，对话，甚至物件，来交代每个人的历史和故事。

满嘴f**k的老警长和他的书信与妻女，无为鲁莽的Dixon副官和他嘴边的老母亲，不苟言笑的“广告牌女人”和她家后山的秋千……麦克唐纳几乎在每一幕中都竭尽所能为我们呈现人物的某个“切面”，而这也是为什么我们最终难以用一句好与坏来评判他们的缘由。

诚然，麦克唐纳笔下的人物更像是“剧本里的角色”而非生活中的原型——“黑色幽默”本就不需要太贴近生活，但和往往更加荒诞和失控的科恩兄弟不同，《三块广告牌》全片始终都稳定在一个“可控”的剧情发展和情感空间之内。

尽管和看科恩兄弟时一样，我们从头到尾都知道这是个虚构的故事，但在扎实的剧本框架下，基于对笔下角色的怜悯，幽默的穿插和音乐的串联，麦克唐纳为我们营造出了一幅完全不同于后者的美学视野。

因此，我宁愿把它和去年的《海边的曼彻斯特》进行类比：肯尼·罗纳根笔下的Lee Chandler虽然“更接地气”，但同样是剧作家出身的他对人物情感的关注，处理和拿捏，对整个剧本平衡的掌控，在我看来也是麦克唐纳力图达到的效果。

值得指出的是，《三块广告牌》里的三位人物都“十分守规矩”，这场表演的盛宴，到头来谁也没喧宾夺主。

尤其是情绪克制的，全场都在用眼神和面部肌肉演戏的麦克多蒙德，支撑起了这个剧本在台词和对话之外的情绪和人物心理。

台词出众的剧本就怕人物“干瘪”，表演出彩的人物就怕故事“内核”粗糙空洞，《三块广告牌》没有陷入这两个“圈套”，而麦克多蒙德实在是麦克唐纳最好的帮手。

二、没有Ebbing的密苏里Ebbing是个并不存在的地名，而密苏里也并不是这部电影真正的拍摄地（影片完全在北卡的另一个小镇Sylva取景），它只是这个并不存在的故事的假想发生地而已。

为什么非要是密苏里呢？

也许是因为，三年前曾经轰动一时的福格森枪击案就发生在密苏里州（黑人小伙Michael Brown在未携带武器的情况下遭到白人警官Darren Wilson射杀，案件的审判的边际影响波及到全国，而这也是后来一系列警察暴力执法和种族歧视争议的开端）。

结合电影的故事设置，Mildred对Chief Willoughby咄咄逼人的问责，以及Dixon这个人物的编排，表面上看本片的“政治硝烟”不可谓不浓。

但其实未必如此。

通篇下来我们不难发现，导演并没有想把本片包装成一部“政治多么正确”的电影，这里有他对“暴力”的解读和态度的因素（下文会详述），也和他对Ebbing在剧本中的定位有关。

回过头看，部分对话里提及的警察暴力和宗教丑闻并非影片着力讨论的焦点，而密苏里和Ebbing或许就简简单单是一座让麦克唐纳讲故事的舞台布景而已。

和本就盘根错节的社会不公与族群纠葛相比，影片的视角更加“纯粹”，因为它更关乎人性本身的立体和“复仇心理”背后的矛盾，而非这个社会从上到下的不完美。

麦克唐纳更愿意从微观入手，从“人本”而非绝对意义上的价值观出发，来讲“广告牌”背后的故事。

摘掉了社会焦点这个“大帽子”，用剧本的编织而不是与现实的互文来为我们拆解人与人之间的愤怒和仇恨是怎样转化成整个村庄的危机和灾难，是我对密苏里和Ebbing这第二个题眼的理解。

《三块广告牌》并非一部现实主义作品，Ebbing与福格森县之间暧昧的关联也不应成为过多探讨它社会意义的理由。

虚构的Ebbing就如千千万万其他像Manchester-by-the-Sea那样的小镇一样：有波澜也有风平浪静，有熊熊大火也有茂绿的群山。

形形色色的人在那里面对他们各自的命运，并坚持不懈寻找最好的抗争方式与妥协。

三、奥康纳，暴力，与“恩典时刻”回到奥康纳。

《三块广告牌》里最值得玩味的就是导演对暴力的态度。

麦克多蒙德，密苏里，这两个看似和暴力贴得很近的词眼其实还不足以撑起整个剧本的“内核”。

顺着奥康纳这条线索，我们才进一步发现麦克唐纳的讨论重点——尽管荧幕上的“打砸抢烧”可真可假，但他在影片中还是旗帜鲜明地对暴力的正面意义进行了肯定。

如开篇的引语所言，“暴力具有一种奇异的功效，它能使我笔下的人物重新面对现实。

”我想，这正是麦克唐纳借Mildred Hayes这个角色想要最终传达的。

也正因为这“奇异的功效”，在“暴力语境”下的麦克多蒙德和密苏里才有了另一种被阐释的可能。

科恩兄弟影片中的暴力是无止境的无奈，是最终通向末日的你死我亡，是《老无所依》里哈维尔·巴登那冷漠的眼神，而这些都不是《三块广告牌》传递的信息。

电影结尾，两个在全片中最势不两立的人物——Mildred和Dixon——携带着枪药在“复仇”的道路上缓缓停下了脚步，他们开始不确定是否还需要往前行， 因为最该与之和解的人其实就坐在他们彼此身边。

如果说，电影刻画Mildred在复仇和妥协之间的来回反复是每个人在面对这样情形时反应的真实写照，那么从编剧角度上讲，麦克唐纳借表面上“Anger begets more anger”这个外壳去侧面阐述抗争和暴力的某种必要性，则是他在构思过程中最主观和大胆的一点。

《三块广告牌》最大程度地包容了“以暴制暴”的哲学，它似乎在暗示，愤怒往往是和解的前提，有时更是通向和解的必经之路——影片中一连串的悲剧尽管残酷，但回过头看，没有这些事件的发生，Mildred和Dixon最终坐在一起的场景几乎是不可能。

在科恩兄弟那般更决绝阴冷的“世界观”面前，我不知道这样的解读算不算温暖，但至少麦克唐纳想要表达一点，如果这个回避不了暴力的世界有尽头，那么它一定不是《老无所依》里的无助和悲凉。

奥康纳在同一句话里还说，“暴力之所以能使我笔下的人物重新面对现实，因为正是暴力让他们准备好接受恩典时刻（Moment of Grace）的到来。

” Moment of Grace是宗教上的概念，可以理解为每个人生命中那几瞬“圣灵显现”的时刻，在这一瞬间，所有过去的愤怒，仇恨，与自己和与他人的“过不去”都将被“翻篇”，心灵上的顿悟将重新把个人命运拉回“正轨”。

在《三块广告牌》中，究竟哪个节点是这般Moment of Grace并不难找，但更重要的是，在全剧的框架下，我们看到愤怒和暴力本身在最终达成妥协与和解的过程中起到的必要作用。

结语《三块广告牌》是一部构思精致的电影，这精致不仅体现在对人物“粗中有细”的勾勒描摹上，对影片整体节奏的掌控上，更体现在马丁·麦克唐纳对电影音画背后“文本空间”相当严丝合缝的构建上。

这些都与他本人丰富的剧作经验密不可分。

从这个角度上讲，电影整体偏“舞台剧”风格的叙事，对人的突出，对宏观社会现实剖析的刻意弱化，到头来都在全力服务作者理性看待暴力积极一面的视角和用心。

不要过分解读片中呈现的一系列暴行，它们只是这个虚构的“文本空间”里用来讲故事的“棋子”。

是的，Violence is strangely capable of returning Mildred and Dixon to reality and preparing them to accept their moment of grace. 在承认这是个像《狗镇》那样“纯虚构”作品的前提下，借弗兰纳里·奥康纳在《好人难寻》里表达的观点作参照，听着《夏日最后的玫瑰》，我们会发现《三块广告牌》还算是个十分精彩的故事。

电影是里最感人最震撼的一幕是米尔德雷德警察局纵火。

眼睁睁看着三块广告牌被烧毁的她心中充斥着怨恨和恼怒，比女儿奸杀案未破更让人感到仇恨满腔。

纵火之前她一直在往警察局打电话，直到确认警察局没人才开始扔燃烧的酒瓶。

这个动作很快很自然，电话铃声一声一声的响起，让观众确认，米尔德雷德不是一个丧心病狂被仇恨充斥的疯子，更不是一位包容正直充满爱的虚伪人设。

被熊熊火焰包围的警察局里边是正在读威洛比遗书的狄克森，耳机里放着“当真挚的心已枯萎，所爱的人已逝去，谁还愿留在这荒冷的世上独自凄凉”，所以他一直没有听到米尔德雷德的警示电话。

狄克森一名暴躁的警察，会把无辜的广告商从楼上扔下来，然而威洛比在遗书中告诉他：你真正需要的是爱，只有通过爱才能达到内心的平静，而你在我心中一直是个好人。

当他意识到自己已在火海中时，一边说着fuck，一边把桌子上的安吉拉奸杀案案卷塞到自己衣服里。

米尔德雷德看见满身是火的狄克森，旁边是案卷，那一刻她在心里与狄克森达成和解。

几分钟的镜头，是爱被恨包围，是爱冲出恨的包围，与对面那个原本是敌人，也许明天是朋友的人心中的友善拥抱在一起。

卑鄙与伟大、恶毒与善良，仇恨与热爱是可以互不排斥地存在同一颗心里的。

《月亮与六便士》人性不完美

2018第一部就五星。

相比故事，更爱台词。

1.—貌似我刚刚被解雇了（稍顿）解雇还是停职我不太清楚是哪个。

—解雇吧。

2.—很抱歉让你重燃希望。

—没事，我至少拥有了一整天的希望，总比没有好。

3.—威洛比先生，你的鸡巴可真棒。

—这哪个剧本里的？

我好像在莎士比亚剧本里见过。

—傻瓜，是奥斯卡·王尔德

电影《三块广告牌》的文本是精心算计的高级货（MADE IN U.S.A），但如果说一个电影文本是美式“高级货”，那高级货的通用标准是什么呢？

首先说说“高级”，文本的高级首先意味着在文学性和结构性上具有匠心独运的设计，这让他免于成为超级英雄电影这种大路货。

那么这种高级货能高到什么程度呢，对于今天我要谈的电影《三块广告牌》而言，它便是一部质量很高的学院派电影，没错，就是典型的Oscar Style，从叙事技巧、电影文本的文学性、题材的社会性而言，《三块广告牌》都是非常具有可读性的一部作品，技术和专业性上均达到了较高的水准，实在是太符合学院派的口味了。

第二从受众而言，高级货是消费者是谁呢？

高级货的消费者大抵是高端人士，当然对于电影这种艺术产品而言，所谓的高端人士一般指的是具有较高电影欣赏趣味的人。

个案上而言这往往可以和物质和社会地位脱节，但是在趋势而言大抵还是呈正相关的。

《三块广告牌》是拍给谁看的呢，是学院派的评委，是文化程度较高的群体。

而这决定了这部电影需要一定雅俗共赏的“文学性”、“社会批判性”。

高级货也终归是商品，哲学层面的后现代审美对商品常常无好感，而商品对我而言从来都不是什么贬义词，商品代表着一种共通的价值，具有某种普世性，高级货拥有艺术创作上的硬通货，而对于《三块广告牌》而言，它作为商品的硬通货我倒不认为是常说的好莱坞经典叙事，而是极其优秀人物塑造，《三块广告牌》是群戏的胜利，倔强的母亲、善良的警长，楞警探狄克森等都让人难忘。

第三是为什么说一定要强调这是“美式”的高级货，因为《三块广告牌》的文本具有很强的美国特征，首先从“社会批判性”而言，《三块广告牌》全片充满暴戾感，这种暴戾感是对美国社会现状的不满：对社会治安、警民互不信任、种族歧视、社群分化的发泄，表现在情绪上便是一起奸杀悬案背后的各种“以暴制暴”，体现在故事中便是各种黑色荒诞的喜剧情节，比如讽刺广告牌、警长自杀、警察怒怼广告商、广告牌大火、火烧警察局桥段。

然而这些暴戾的桥段最终也被穿插的温情情节所消解，如警长临终的三封遗书、医院中的一杯橙汁、火纵警察局后的包庇、重贴广告牌及最后的旅程等，这些都源于人性的善意。

其中种种残酷、暴戾的现状要是放在当今天朝也绝对能找到对应，这时候电影最最高级，也是最最美国的核心出现了，那就是“分裂中的弥合感”。

文本在黑色荒诞的分裂之下，维持底子暖色调的统一性，虽然怒诉分裂、残酷、暴戾的社会现状，却能够在微妙的社会感情上弥合现实状况的分裂，最高明的是这两者还完全没有违和感，这才是真正的美国戏呀，这也是剧本最高级、最算计的地方，让本片从一部单纯的黑色荒诞剧拔高到更具社会性的层面，这是本片可能赢得学院垂青的核心。

这就是Oscar Style的高级文本，从此告别小学生作文的黄金教案。

整个电影是围绕爱女被奸杀，凶手迟迟不得绳之以法的故事线开始的。

警察们和Frances Mcdormand扮演的母亲Mildred之间展开了一场有趣的猫鼠游戏。

观影期间我时常会出神，我最专注的一场戏，就是Mildred和女儿之间那场吵架的戏，与我跟我母亲之间的关系很相似。

女儿Angela想借母亲的车出门，母亲不同意她开车，其实母亲的出发点非常简单，出于安全考虑，担心女儿酒驾，然而担心变成了争吵。

母亲：“Angela，为什么你不直接问我你是不是能借车”，女儿：“我可以借你的车吗？

”母亲：“不行。

”女儿：“贱人。

”母亲：“如果你态度好点并且不叫我贱人的话，我会给你打车的钱。

”女儿：“如果你根本不打算借我为什么还让我问呢？

”母亲：“因为这很有趣，而且你每天都在抽大麻。

”女儿：“你真是个伪君子。

”母亲：“伪君子？

”女儿：“在我们小的时候你总是喝醉了载我们。

”母亲：“你在胡说八道些什么。

”女儿：“爸爸告诉我的。

”母亲：“你什么时候见他了？

”女儿：“别转移话题，我就问你有没有在我们小时候喝醉了载我们。

”母亲思索：“只有一次，在你爸快打死我的时候。

”女儿：“我跟哥哥Robbie 只听了你的一面之词，不是吗？

”母亲：“Angela，看在上帝的份上你为什么不站在我这边？

”女儿：“在你不是婊子的时候我就会站在你这边。

”儿子Robie：“婊子。

”母亲女儿同时：“闭嘴！

”母亲：“这个家里不允许再出现婊子这类词语听见了吗，年轻人？

”儿子Robbie ：“那看来你们要搬出去了。

”女儿不死心：“你真的不借车给我？

”母亲面对女儿的死皮赖脸忍无可忍：“你为什么不走着去呢？

”女儿爆发：“我会走着去的，我会走着去的！

你知道吗！

说实话，我真希望我在路上被人强奸。

”母亲气极：“我也希望你被人强奸！

”Mildred后来的一切行动都是为了赎罪，在潜意识里她认为是自己一时的愤怒导致了女儿Angela的意外死亡，虽然事实并非如此。

所有的一切都源自愤怒，片中有一句经典的台词，愤怒只会引发更深的愤怒。

说出这句话的人是Mildred的前夫Charlie 19岁的小女友，她可能不知道自己说了什么，却拯救了Mildred的灵魂。

后来她依然在寻找那个奸杀她女儿Angela的凶手，但是似乎又没有，只是去碰碰运气吧。

我确信每一个人在生命中某一个时刻都恨过自己的母亲。

我也一样怀疑过这个跟我一起长大的女人是不是我的母亲，她根本就不能按照我想象的样子来对待我。

她在很多时候都会对我冷嘲热讽，好像我不是她的女儿一样。

我的叛逆是她仇恨我的根源，可上帝知道我是因为希望得到她真正的关爱才会叛逆。

我们母女关系的发展一直伴随着这些因为对彼此无能的愤怒来解决我们的关系问题。

生活有些时候非常的荒诞，我不知不觉的热爱着我的母亲，这种爱像活着一样非常自然，只有到了最后分别的时刻才发现这样的感情有多么深刻。

我很难忘记我母亲在我心里留下的某些记忆，我看着她一天天老去，我逐渐变成一个女人衰老的见证者，在时间面前我叛逆不起来了。

这些内心最深层次的温柔抽丝剥茧般弥漫开来，我们最爱彼此的时候往往无法当面表达，或者也不需要表达。

今天是我母亲的生日，自打我出生以来她一直喜欢吃热水泡白米饭就着几根咸菜，她去过那么多地方吃过很多不一样的美食却还是喜欢最简单的热水泡白米饭。

我有时候看着她，心里柔软的像一团棉花，她给我乘了一碗她自己煲的山药汤。

汤很寡淡，像热水泡白米饭一样，我跟她一起就着那几根咸菜度过了一个寡淡的生日夜晚，但我们都很知足。

我很爱喝我母亲煲的汤，就像我中考那年她给我做甜酒冲蛋补脑子一样，我吃下去的是母亲的味道。

那三块广告牌其实就是Mildred纪念她女儿Angela的墓碑，每天回家的路上看见那三块广告牌就像看见自己的女儿一样幸福，虽然这一切都源于一种无能为力的愤怒，然而悲哀的是Angela无论如何也不会起死回生了。

当三块广告牌被火烧着的时候，她像疯子一样扑过去救火即便儿子Robbie怎么劝阻也无用，那些炽热的火再一次提醒了Mildred的无能为力，因为她连给女儿设立的墓碑都保护不好，却还在活着。

树欲静而风不止，子欲养而亲不待，希望这句古话就只是一句古话。

人生海海，我们就像在雾里漂流的船。

那碗寡淡寡淡的热水泡白米饭就是我们内心最深最深的爱。

“如果今天我死了你会怎么办？

”“那我明天也会死。

”

理解癌症警长威洛比这个角色，才是理解《三块广告牌》的关键。

粗粗一看，这个角色似乎最值得同情，也最无辜：他确实“做了他能做的”，只是没结果而已，尽职，善良，和气，宽容。

更惨的是他还得了癌症，没几天好活了。

但女主在接受采访时说的那段非常明确：总有人要为结果负责。

她不恨警长，弄那些广告牌也不是为了私人恩怨，就是觉得警长就是要为此负责。

警长是旧世界和旧秩序的化身。

要说他不好，也有不好，无法破案，多年来纵容下属种族歧视。

要说他好，前面说了：尽职，善良，和气，宽容，“做了他能做的”。

你可以想象一下那些优秀的老派老白男，比如已故参议员麦凯恩，按美国人标准，他简直就是旧世界与共和党的道德典范，勇敢，忠诚，一条硬汉，严于律己，和川普这种油子简直是高下立判。

警长就是个小镇上的麦凯恩。

问题不在于你能不能从旧世界和旧秩序身上发现好处和美感，而在于它不work了，它无法为一个更混乱无序的新世界负责。

警长就无法为凶案负责，他不知道怎么对付潜在的，可能在国际/州际间穿梭的罪犯，女主提出的那个DNA检验库的激进想法，他听了也只能挠头。

他也无法为自己的癌症晚期生活负责，只能用自杀来逃避即将到来的痛苦——很难说他的自杀不会给妻女留下巨大的心理阴影。

无论人类执行的是哪一种制度，这种制度下都得有为结果负责的人（虽然不一定合理）。

如果无法负责，则制度很可能会消亡。

这跟制度本身存不存在一定合理之处，没啥关系。

和这个负责人自己有没有道德闪光点或值得同情的地方，也没啥关系。

这个故事里，小镇上绝大部分人都是警长——也就是旧世界和旧秩序——的拥护者，他们觉得他啥都好，不明白为什么有些人一定要挑衅他。

但其实这个小镇上也充满了弱者，他们就是这些挑衅者：被家暴和奸杀的女性，被歧视和殴打的黑人和通讯录，无人注意的侏儒。

弱者的苦难并不会影响小镇居民的自我感觉良好，但新的秩序和新的世界，就是暗涌在弱者的愤怒中。

在小镇居民还没回过神来，还在自我感觉良好时，旧世界已经崩塌了。

这个故事非常冷静，它拍出了世界和人性的复杂，和某种神秘。

“世界沉默如迷”，有些问题永远不会有答案。

它也没有特别站队哪一边，只是客观诉说了一些真相和必然：旧世界的崩塌是必然，新世界探索不易也是必然。

所以它既为旧世界做了挽歌，也展现了新世界的不确定：在片子的结尾，两个准备重建新秩序的人，其实并不确定要不要去杀死那个潜在的强奸犯：“我们在路上决定”。

鄙视“这个故事的核心是让大家互相理解和原谅”的影评一万遍。

什么玩意儿。

看到今年金球奖新出炉的名单，看到老友激动的推荐，怀着巨大的兴奋搜索下载，或许是因为怀着的期望太大，导致总的观感非常一般般，看到开放结局也没有能带给我丝毫触动，“What the fuck！

”脱口而出！！

就像裤子都脱了，你丫给我看Hello Kitty，哦，FUCK！

我挺喜欢有关小乡镇乡情与人性揭露的影片，小乡村、乡镇这些人情社会浓缩了非常可观的人性亮点与糟点，譬如《杰出公民》《裁缝》《狩猎》等等，此类影片撕开乡镇居民温情脉脉的面具曝露其内隐藏的狭隘、自私、虚假、黑暗的人性，让人沉思。

此片中女主角Mildred Hayes为遭奸杀而死的女儿追问警察而立三块广告牌，居民对此的态度是他们可以同情对方的遭遇，但是如果要他们一起承担责任追问警察，或者说必须为此站队为此得罪权力部门时，他们会为此变成加害受害者的加害者行列，主动变成清除“异己”的人，如那个牙医，女主角的前夫、教堂神父。

这种自私的人性在很多此类影片都有涉猎，此片对此有涉猎但却并未过于深入。

影片前半段刻意营造一种警方不作为、警员暴力以权谋私，涉嫌种族歧视、同性恋歧视、歧视侏儒残障、包庇军人等等，总之前面看简直就是想走奥斯卡“政治正确”路线。

结果后半段警察局长三封信彻底反转剧情，原来局长是个表面彪悍内心温柔的丈夫、爸爸，不是不作为，而是已经努力但没有线索，身患晚期癌症而且深受居民爱戴，是个好警察。

而暴力愣头的警员Dixon也有自己的故事，是家庭关系所导致他如此的怪癖暴力！

我去！

我去！

此片可以又名《局长的三封信》。

虽然影片追求戏剧化荒诞化，但总让人觉得哪里不对，刻意为之的反转总是让人别扭，就如17年上映的《看不见的客人》，过于刻意的反转剧情变成一种新的套路，噱头满满诚意不足。

影片开始努力营造一种”以暴制暴是解决事情的一种可靠手段”，但后面转而渲染“愤怒可以导致更大的愤怒”，平静内心对他人充满爱才能看到真相，才是解决事端的方法。

虽然影片在告诉我们片面看待他人及事情是不对的，但从大老虎突然变成Hello Kitty，仅凭三封信，说服力有点弱吧。

一个小镇，彼此间知根知底，难道需要临终遗言才能明白对方是怎样的人品？

全镇人民都了解局长人品爱戴他，唯独这个暴烈妈妈不了解？

共事三年的同事，改变对方靠临终遗言，对方一直把你当兄弟，死后为你暴打广告商，且为此被开除，兄弟你平时都干嘛去了？

当然里面的演员表演水平个个都非常牛逼，科恩嫂草天草地，哦，现在流行的说法是怼天怼地，脏口不离嘴，强悍的做派下面隐藏内心无穷大的内疚自责，独自时的柔软、被暴躁警察威胁时倔强面具下恐惧的内心、看见事情另一面时的懊恼，科恩嫂用脸部肌肉、眼神、肢体表达的很完美。

但我更喜欢那个暴躁暴力分子愣头警察Dixon，让人又恐惧又讨厌又可怜又爱，完美！！

获得最佳男配实至名归。

汝之蜜糖，吾之砒霜。

仅仅是个人观感，好片或许赞誉一片，也有可能毁誉参半，其实这才有意思哒。

横扫金球奖最佳女主、最佳男配、最佳剧情片、最佳编剧四项大奖，在威尼斯电影节获得一个最佳剧本奖和一个金狮奖提名，马丁·麦克唐纳执导的《三块广告牌》无疑是2018年北美颁奖季的最大热门。

影片在豆瓣获得8.7的高分，并且将在今年3月引进内地，虽然是小范围的艺术院线上映，如果能在奥斯卡拿下几个重量级奖项，一定能引起观众的观影热情。

《三块广告牌》最大的亮点就是不落俗套的剧本，一个被电影节评委和观众普遍认可的剧本有哪些特点？

大海作为一名观影老司机，简单总结了以下几点：1、揭伤疤，反体制在好莱坞的电影中，其实有两种美国：一种是纽约、洛杉矶、华盛顿这样的繁华都市，虽然有怪兽、外星人以及各种反派的威胁，但也有超级英雄守护城市的安宁；另一种则是广大乡村，这些地区往往人口稀疏、经济滞后、民风彪悍，超级英雄也不屑于在这种地方维持秩序。

《三块广告牌》讲的就是第二种美国，故事发生在密苏里州的一座小镇，女主是一名单亲母亲，她的女儿死于一场奸杀案，警方却迟迟无法抓到真凶。

女主文化不高，觉得上面都是“按闹分配”，于是她租下了三块广告牌，在上面分别写道：“惨遭奸杀”、“为什么到现在还没抓到凶手？

”、“这是为什么？

威洛比局长？

”并请来电视台报道，直接向警方喊话。

影片很多情节展示了警方的种族歧视和不作为，用女主的话说，这些警察宁可把时间花在虐待黑人和吃甜甜圈上，也不愿意去抓捕真正的犯人。

面对质疑，威洛比局长毫不遮掩的道出美国执法队伍的现状：如果因歧视言论而开除警察的话，那早就无人可用了。

后来，警察狄克森找到了一名嫌犯，对方曾在酒馆里吹嘘自己迷奸了一名女孩。

但是新上任的黑人局长释放了嫌犯，理由是案发时嫌犯正在军队服役，驻扎在国外，而警方无权对军人在国外的行为执法。

黑人局长含糊其辞的向狄克森透露，这名嫌犯所在部队驻扎的地方有沙漠，因此可以推测是伊拉克、阿富汗之类的战乱国家。

美军长期在这些国家驻扎，并且不受当地法律约束，期间会发生什么样的事情，就任凭观众想象了。

2、善恶边界模糊，人物形象立体《三块广告牌》的戏剧冲突很多，在这些冲突中你无法断言谁一定是好人，谁一定是坏人。

奸杀案牵扯出受害者家属、警方、广告商、小镇居民等多方群体，即使是戏份不多的配角，也在错综复杂的人物关系中塑造出立体的形象。

影片的卡司阵容豪华，全员演技在线，因此在美国评论家选择电影奖、华盛顿影评人协会奖分别获得了最佳群戏。

在受害者家属中，身为母亲的女主一直为女儿的死感到自责，她与前夫的关系剑拔弩张，儿子罗比也反对她用广告牌喊话的做法。

当前夫带着19岁的新欢来到女主家中，儿子罗比是很高兴见到父亲的。

不过当前夫与女主爆发争吵，并对其拳脚相加的时候，罗比突然用刀架在父亲的脖子上，逼他放开母亲。

仅此一个镜头，就说明了儿子长期生活在家暴的环境中，虽然他经常与母亲争吵，内心却依然爱母亲多过父亲。

两个警察角色中，虽然女主用广告牌斥责警方不作为，但故事并没有朝着受害者家属与警方对峙的方向发展。

因为威洛比局长并非一个腐败官僚，他早已身患绝症，并且在小镇深得民心。

威洛比局长内心深处是非常希望将凶手绳之于法的，但他也知道这种案件告破的希望很渺茫，因此他用三封遗书告别家人，向女主道歉，并鼓励下属继续追查这个案件。

狄克森是一名有暴力倾向和种族歧视的警察，在女主用广告牌羞辱威洛比局长之后，他多次找女主和广告商的麻烦，甚至把广告商从二楼窗户扔了下去。

但狄克森也是一名富有正义感的警察，当他收到威洛比局长的信件后，为了保护案件卷宗不惜被大火烧伤；当他目睹体制腐败，任由嫌犯逍遥法外后，感到信仰崩塌，甚至萌生了自杀的想法。

而那个被狄克森从二楼扔下去的广告商，也是一个复杂多面的形象。

他一方面是市侩的，多次向女主索要租金，另一方面又有自己的原则，顶住压力拒不撤掉广告。

当他看到痛扁自己的狄克森全身烧伤躺在病床上，虽然很愤怒的拒绝对方道歉，最后还是递给狄克森一杯果汁，表现了这个角色善良的一面。

3、开放式结局虽然《三块广告牌》的主线是寻找凶手，但是一个好剧本通常都没有真相大白的环节，反倒是那种欲言又止、似是而非的开放式结局能够引起观众的讨论。

影片最后，狄克森找到了一个嫌犯，DNA却与案件不符，但狄克森知道他一定是其他奸杀案的凶手，于是和女主通了个电话，被仇恨折磨的女主得知有一名嫌犯逍遥法外，当即同意与狄克森一起去嫌犯的家里。

在路上的时候，女主和狄克森讨论要怎样对待那个嫌犯，要不要杀死他？

他们没有做出决定，小镇奸杀案的真正凶手是谁，影片也没有给出答案。

主人公只能通过“私刑正义”的方式消弭内心的仇恨，这再一次表达了影片创作者对司法体制的失望。

值得庆幸的是，经过一系列的冲突，女主终于不再像刺猬一样，伤害身边那些企图帮助她的人们，狄克森也收敛了暴戾的性格，虽然他失去了警徽，却得到了主持正义的机会。

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就是你看着他俩觉得他俩的确就是他俩演的那个角色，就像个活人，只是经历让他们和一般人又不太一样，首先说明演技就是非常自然传神的了。

其次，他俩的角色是极端化的正常人，就是正常走路上你不会多看他俩一眼，但他俩一开口一做事你就忍不住盯着他俩看。

这种复杂的微妙性他俩诠释得都很棒，和影片风格也很一致。

演一个全然疯子的难度远没有这种带点疯劲儿的正常人难演，因为这种角色既需要现实生活体验又需要艺术人物的塑造，在适当的时机有逻辑，在适当的时候又有些神逻辑，这个时机很难把控。

举个例子，假如妈妈这个角色就是个单纯被女儿之死弄疯了的妈妈，她会经常处于一种歇斯底里，一提她女儿就开始崩溃的状态。

看完后我们会深刻同情这位母亲，说她真是太惨了，然后呢？

我们会忽略她的行为逻辑，全都被一个“她被她女儿之死击垮了”这个状态给遮蔽，她是不正常的，不正常状态下人说话不值得思考只值得同情，啊你看她都被打击得放火了。

而片中的母亲是冷静的，克制的，会给人感觉，她明知道自己在做什么，她知道自己做这些的后果，她的智商在线，她不需要我们同情她需要公正，真相，凶手，为了这个目的她做出种种。

这位演员她演出来了，有些时候她甚至让我们和片中的小镇居民一样忘了同情，开始思考她这样做对不对。

如果这位母亲是全然失心疯，她最后在车上思考到底要不要制裁凶手也不会引起观众同样的思考，只会觉得，这是失心疯母亲的化身正义使者的一种报复。

但报复显然不是导演的本意。

迪克森这个角色同样复杂，很多人说他的转变太突兀，其实是因为这个人物复杂的简单个性。

迪克森很容易受人影响，他像个孩子，他母亲说，你为什么不去威胁她朋友？

他就去了。

而如同他父亲的警长说，你去做个好人，他也去了。

好与坏，对他只是一种引导。

他不在乎其他人的生死，很暴力，他同样也不在乎自己的生死，所以他与凶手以命相搏，所以没有因为毁容记恨那位妈妈，不是因为他人变好了，他只是本来也不那么在乎。

山姆洛克威尔这个喜剧见长的演员把迪克森的暴虐与天真完美融合，从各种细节和表情我们可以脑补出这个角色的背景。

他与凶手搏斗时的凶狠，和自己暴虐的老妈相爱相杀，对警长的迷弟式敬畏，一听歌就忘我的二缺状态。

这个角色很复杂，但演员演的你会觉得的确就有这样的人活着，这就是他的演技。

因为他能演出来的，只是他背后对这个角色的认知的那端露出的冰山。